伟大的博物馆（大开本）:米兰布雷拉美术馆 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[意大利] 斯蒂芬尼·祖菲 著，向菲 译

图书标签:

• 艺术史
• 绘画
• 雕塑
• 米兰
• 布雷拉美术馆
• 意大利艺术
• 文艺复兴
• 巴洛克
• 博物馆
• 艺术作品

出版社： 译林出版社

ISBN：9787544758703

版次：1

商品编码：12217030

包装：精装

丛书名： 伟大的博物馆（大开本）

开本：12开

出版时间：2017-06-01

用纸：铜版纸

页数：192

字数：140000

正文语种：中文

编辑推荐

适读人群 ：艺术品爱好者，一般读者

　　点亮艺术之眼——伟大的博物馆

　　1.布雷拉美术馆是米兰具有代表性的绘画馆，主要收藏的是15世纪以来意大利北部伦巴第地区的绘画作品，同时兼及意大利其他地区。

　　2.藏品代表了西方艺术，让你充分感受北部意大利文艺复兴的艺术气息。

　　3..本系列采用宽300mm、高310mm的大开本尺寸，让读者欣赏藏品的全貌和细节之美。

　　与世界著名的大博物馆卢浮宫、大英博物馆等相比，布雷拉美术馆的建筑不算宏伟，收藏数量也难望项背，但却收藏有多件非常杰出的作品。

内容简介

　　米兰布雷拉美术馆是一座拿破仑时期创办的大型博物馆，和卢浮宫类似。这里收藏了欧洲绘画史上的高水平的作品。布雷拉美术馆的藏品多为贵族的收藏，以文艺复兴时代的绘画作品为主，特别是以15至18世纪的伦巴第派和威尼斯派的作品为主。在这里，你可以感受北部意大利文艺复兴的艺术气息，拉斐尔的《圣母玛利亚的婚礼》，曼特尼亚的《帕拉斯福尔扎》《天使与圣母》等均收藏在这里。

作者简介

　　斯蒂芬尼?祖菲（Stefano Zuffi），意大利著名艺术学家，对西方艺术史和艺术史有着广泛而深刻的认识，著有《西方美术家辞典》等。

向菲，专职翻译，对艺术充满热爱与追求，已参与过多部作品的翻译。

目录

前言

米兰布雷拉美术馆

米兰布雷拉美术馆　主要馆藏

米兰布雷拉美术馆　参观指南

艺术家和作品索引

好的，以下是根据您的要求，为您构思的关于其他博物馆的图书简介，旨在不涉及《伟大的博物馆（大开本）：米兰布雷拉美术馆》的具体内容，并力求详实自然。 --- 《世界殿堂：卢浮宫珍藏鉴赏指南》 探索人类艺术史的宏伟画卷，聚焦西方文明的璀璨瑰宝。 图书简介： 《世界殿堂：卢浮宫珍藏鉴赏指南》是一部深度聚焦于巴黎卢浮宫博物院（Musée du Louvre）的重量级艺术图册与研究性导览。本书旨在为广大艺术爱好者、历史研究者及专业策展人提供一份全面、细致且富含洞见的鉴赏工具书。卢浮宫，这座由昔日王宫转型而来的世界级艺术殿堂，收藏了横跨七千多年人类文明的近四十万件艺术珍品。本书将带领读者穿越时空，细致品味这些跨越地理和时代的杰作。 本书的结构设计力求逻辑清晰，导览脉络分明。我们并未采用传统的按时间顺序或纯粹按展厅布局的编排方式，而是侧重于“主题性叙事”，将卢浮宫的丰富馆藏划分为若干关键的文化与艺术史板块，确保读者在欣赏具体作品的同时，能够构建起宏大的历史视野。 第一卷：古典文明的永恒之声——从美索不达米亚到古希腊 本卷聚焦于卢浮宫收藏中对西方艺术思想产生奠基性影响的古代文明遗产。我们深入探讨了东方古代艺术的神秘性与象征主义。从美索不达米亚（如叙利亚和两河流域的泥板文书、印章）到古埃及的宏伟雕塑与丧葬艺术，本书细致分析了早期人类对神权、王权以及来世观念的视觉表达。 重点篇章着眼于希腊和罗马艺术的黄金时代。读者将跟随本书的脚步，近距离“审视”那些塑造了古典美学的典范之作。我们不仅仅展示《萨莫色雷斯的胜利女神》或《米洛的维纳斯》的宏大气势，更会结合最新的考古学和艺术史研究，探讨雕塑的创作背景、不同时期的风格演变（如古风、古典盛期、希腊化时期），以及它们在罗马帝国时期的流传与影响。书中详细分析了雕塑的材质、断损的细节，以及历代修复对作品解读产生的复杂性，力求呈现一个多维度、去神秘化的古典艺术形象。 第二卷：中世纪的信仰与辉煌——宗教艺术的叙事力量 从中世纪的幽暗与光明中出发，本卷着重考察欧洲在基督教主导下的艺术转型。我们避开了对纯粹宗教教义的冗长阐述，转而聚焦于艺术如何成为叙事和教化的主要工具。 本卷涵盖了拜占庭马赛克艺术的色彩学，罗马式建筑的厚重感，以及哥特式雕塑中人文精神的初现端倪。尤其是在法国哥特艺术部分，本书细致地剖析了圣路易时期对艺术赞助的影响，以及圣礼拜堂（Sainte-Chapelle）的玻璃彩绘如何通过光影效果，营造出“天堂在人间”的极致体验。对于中世纪晚期的手抄本插图艺术，本书也投入了大量篇幅，展示了世俗生活在宗教画卷中悄然渗透的细节。 第三卷：文艺复兴的觉醒——人文主义与科学的交融 这是本书最厚重、资料最为详尽的部分之一。卢浮宫的文艺复兴早期和盛期收藏，尤其是意大利和北方文艺复兴的杰作，构成了其世界声誉的核心。 本书系统梳理了佛罗伦萨和威尼斯画派的流变。读者将领略达·芬奇对解剖学和空气透视法的革命性运用，米开朗基罗雕塑中“未完成”的内在张力，以及拉斐尔构图的完美和谐。不同于简单地罗列名作，我们构建了“地域性画派分析”的框架，例如，如何区分安德烈亚·德尔·维罗基奥（Andrea del Verrocchio）工作室的风格特征，以及提香（Titian）晚期色彩处理的“未完成感”与他那个时代对色彩地位的重新定义。 北方文艺复兴部分，则着重考察了尼德兰地区艺术家们对细节的惊人专注和象征主义的运用。扬·凡·艾克（Jan van Eyck）的油画技术革新、汉斯·梅姆林（Hans Memling）的肖像画深度，以及阿尔布雷希特·丢勒（Albrecht Dürer）的版画艺术，都被置于当时神学变革和新兴市民阶层赞助的背景下进行剖析。 第四卷：古典主义的回归与巴洛克的激情——十七与十八世纪的戏剧性 十七世纪是欧洲艺术的转折点，本书详细探讨了巴洛克艺术如何作为天主教反宗教改革的有力工具，以及在绝对君主制国家中如何为权力服务的。 卡拉瓦乔（Caravaggio）的戏剧性光影（Chiaroscuro）、彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens）笔下动态丰沛的人物群像，以及伦勃朗（Rembrandt van Rijn）对人物内心世界的深刻挖掘，构成了本卷的核心。书中特别设置了“巴洛克：光线与运动的哲学”专题，解析了这些艺术家如何通过构图的对角线、强烈的明暗对比，以及瞬间性的捕捉，来达到情感的最高激发点。 十八世纪的洛可可艺术（Rococo）则被视为对巴洛克宏大叙事的温和回应，本书分析了让-安托万·华托（Jean-Antoine Watteau）的“朝拜盛会”场景中那种优雅的忧郁，以及弗拉戈纳尔（Fragonard）作品中感官享乐主义的精致表达。 第五卷：从新古典主义到浪漫主义的革命 法国大革命与拿破仑时代，催生了艺术风格的剧烈碰撞。本书详细记录了新古典主义如何试图回归古罗马的秩序与理性（以雅克-路易·大卫 Jacques-Louis David 为代表），以及浪漫主义运动作为对其过度理性化的反叛。 在浪漫主义部分，本书聚焦于欧仁·德拉克洛瓦（Eugène Delacroix）作品中对色彩的解放和对异域主题的迷恋，以及席里柯（Théodore Géricault）对当代悲剧的道德关注。我们探讨了艺术如何开始承担起社会批判和民族精神塑造的重任。 本书的特别之处：技术性分析与语境重建 《世界殿堂：卢浮宫珍藏鉴赏指南》的价值不仅在于作品的收录广度，更在于其分析的深度。每件关键作品都附有高精度全彩图版，并辅以： 1. 技术细节解构： 对颜料使用、画布或木板的处理、以及不同时期修复历史的详细记录。 2. 赞助人与市场分析： 探讨艺术品委托方（王室、教会、新兴资产阶级）对作品主题与尺幅的影响。 3. 全球语境对比： 将卢浮宫的藏品置于同一时期其他主要艺术中心（如佛罗伦萨、罗马、佛兰德斯）进行横向比较，突出其独特性和时代共性。 本书采用进口高克重艺术纸印刷，全彩高清影印，装帧坚固，旨在成为每一位艺术研究者书架上必备的、能够经受时间考验的权威参考书。它不仅仅是一本画册，更是一部深入洞察人类创造力与历史进程的视觉史诗。 ---

评分☆☆☆☆☆

我花了整整一个下午，沉浸在对几幅经典作品的细节探索中。这本书的文字叙述风格非常独特，它没有采用那种生硬的学术腔调，而是像一位学识渊博的老友，带着你徐徐走进画作的背后故事。讲解的角度非常新颖，它不只是简单地罗列创作年代和人物生平，而是深入挖掘了那些被历史尘封的“八卦”和艺术家的内心挣扎。比如，对于某幅肖像画的解读，作者巧妙地联系到了当时社会背景下的权力博弈和个人情感纠葛，使得原本静态的画面顿时鲜活起来，充满了戏剧张力。这种叙事方式极大地降低了欣赏艺术的门槛，让即便是初次接触古典艺术的人也能迅速找到共鸣点，感受到艺术的温度。阅读过程中，我时常会情不自禁地停下来，对照着书中的文字描述，反复审视图片中的某个细微之处，那种“原来如此”的豁然开朗感，是单纯看图集所无法给予的。它真正做到了将知识的深度与阅读的乐趣完美结合。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑给我留下了极为深刻的印象。它并非简单地按照时间线索或画派风格进行排列，而是构建了一个非常精妙的“主题游览”路径。就像是策展人精心设计的一条参观路线，每翻过一个章节，你仿佛就从一个展厅走到了另一个截然不同的空间，视野和心境也随之转换。这种结构上的巧妙安排，引导读者在不同历史时期、不同艺术理念之间进行对话与比较。例如，一个章节可能聚焦于光影的运用，将文艺复兴的细腻与巴洛克的激情并置讨论，这种跨越时空的对比分析，极大地丰富了我的理解层次。这种非线性的、更注重概念关联的组织方式，打破了传统艺术史教材的刻板印象，让整个阅读过程充满了探索的乐趣，仿佛自己不是在被动接收信息，而是在主动地构建自己的艺术认知体系。

评分☆☆☆☆☆

这本书带来的精神体验是沉静而充实的。在快节奏的日常生活中，能够捧起一本如此厚重、内容精良的书籍，本身就是一种难得的心灵休憩。翻阅它时，外界的喧嚣仿佛被隔绝在外，我完全沉浸在那些穿越了数百年的目光和情感之中。它没有激昂的口号，没有时髦的理论，只有艺术长河中那些永恒的、关于美与人性的思考。读完之后，合上书本，闭目凝神，那些色彩、线条和人物的命运仿佛还在眼前浮动，留下的不是知识的堆砌，而是一种更深层次的审美陶冶和精神滋养。这种感觉非常难以言喻，就像是品尝了一杯陈年的佳酿，余味悠长，让人心神宁静，对生活和美的感知也变得更加敏锐和深刻。它成功地将“看画”的行为，提升为一种“与历史对话”的深度体验。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的艺术爱好者角度出发，这本书最吸引我的地方在于其对“细节的偏执”。在很多普通图册中，一些次要人物的面部表情、背景中的风景处理，甚至是画框的装饰细节，往往会被忽略。然而，在这本书中，即便是背景中的一棵树、角落里的一件道具，都得到了细致的考证和解读。这体现了编纂团队极高的专业素养和对艺术的敬畏之心。我特别喜欢那些关于材料和技法的探讨部分，虽然语言专业，但解释得非常形象到位，让我对“油画的层次感”有了更直观的认识。它让我意识到，一件伟大的作品，其伟大之处往往蕴藏在那些最不引人注意的角落里。这种对“见微知著”的追求，极大地提升了这本书的收藏价值，它提供了一个可以反复研读、每次都能发现新东西的宝库。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是令人赞叹。封面采用了厚实的卡纸，触感温润而富有质感，仿佛已经预示了内部内容的精良。打开书本，首先映入眼帘的是那大幅的彩印插图，色彩还原度极高，光影的捕捉细腻到位，即便是对着屏幕看惯了数码影像的我，也被这种纸质媒介带来的视觉冲击力深深吸引。版式编排上，文字与图像的留白处理得恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又突出了作品本身的力量，让人在翻阅时不会感到拥挤或信息过载。我尤其欣赏它那种“大开本”的尺度感，它赋予了那些宏伟画作应有的尊重和展示空间，细节纤毫毕现，仿佛能透过纸页感受到画笔的笔触和颜料的厚度。这种对物理形态的极致追求，让它不仅仅是一本阅读材料，更像是一件可以收藏和把玩的艺术品。每一次抚摸书脊，或是轻轻翻动沉甸甸的纸页，都像是在进行一场仪式，是对艺术殿堂的致敬。对于一个偏爱实体书、注重阅读体验的人来说，这种精心打磨的物理呈现，是数字化时代里难得的奢侈享受。