绘画技法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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仲崇鑫 著

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• 绘画教程
• 绘画技巧
• 素描
• 色彩
• 构图

店铺： 诗书雅韵图书专营店

出版社： 新世界出版社

ISBN：9787510461859

商品编码：29453884072

包装：平装-胶订

出版时间：2017-06-01

基本信息

书名:绘画技法

定价：39.80元

售价：25.9元,便宜13.9元,折扣65

作者:仲崇鑫

出版社：新世界出版社

出版日期：2017-06-01

ISBN：9787510461859

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装-胶订

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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本套“绘画技法”系列丛书从线稿的描绘到上色的过程都有十分细致的讲解，并标注了每幅图所使用的彩色铅笔，这种一步步循序渐进的示范方式使读者更容易理解并掌握彩色铅笔的绘画技巧，对初学者来说非常实用。

内容提要

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色笔铅画，是一种介于素描和水彩之间的绘画形式。他的独特性在于色彩丰富且细腻，可以表现出较为轻盈、通透的质感。“绘画技法”系列丛书从线稿的描绘到上色的过程都十分细腻、透彻的讲解，并标注了每幅图所使用的彩色铅笔，这种一步步循序渐进的示范方式使读者能更容易理解并掌握色铅笔的绘画技巧。本书的目的不仅仅局限于让读者学会画出书中的案例，更是希望读者通过本书培养绘画兴趣，从而提起笔去画出更多美好的事物。画画一直都是件美好而安静的事，快拿起画笔，跟着本书一起画色铅笔画吧，享受绘画带来的乐趣。

目录

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作者介绍

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仲崇鑫，毕业于美术院校的“90后”新生代插画师，自幼喜爱绘画，梦想有一天可以画出一个属于自己的小世界。毕业后一直从事插图绘画工作，充满想象力和创造力，经过多年的磨砺，具有深厚的绘画功底和多样的绘画表现形式，擅长色铅笔、素描、写实、Q版、小清新、小温暖多种绘画风格。

画画这件事，绝不是一件只有鲜花和掌声的事情。这条路并不平坦，有挫折，有这样或那样的阻力，但因为有着对绘画的热情，她一直未梦想而坚持！

文摘

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序言

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《绘画技法》图书简介：一场探索视觉语言的旅程 《绘画技法》并非一本单纯的教程，而是一扇通往视觉艺术无限可能的大门。它带领读者穿越写实主义的严谨，触碰印象派的光影流转，感受抽象表现主义的奔放，最终抵达当代艺术的多元探索。这是一场关于如何“看”与“画”的深度对话，一次对绘画语言精髓的挖掘，更是对艺术家内心世界的细腻洞察。 第一章：基础的奠基——透视、结构与比例的奥秘 本书的起点，是回归绘画最根本的视觉语言。在这一章，我们将摒弃任何预设的风格，专注于解析二维平面如何呈现三维空间，以及物体在视觉感知中的真实形态。 透视的科学与艺术： 我们将从最基础的空气透视和线性透视入手，深入剖析一点透视、两点透视乃至多点透视的原理。这不仅仅是几何学的应用，更是艺术家理解空间深度、营造画面纵深的秘密武器。我们将通过大量的实例，展示如何运用透视学原理，使画面中的景物具有逼真的空间感，仿佛能将观者引入画面的深处。例如，我们将分析如何通过准确的消失点和视平线，绘制出宏伟的建筑，或者如何通过巧妙的透视变化，展现蜿蜒的道路和层叠的山峦。不仅仅是理论的讲解，我们还会提供一系列练习，引导读者亲手去实践，去感受透视带来的空间变化，去理解“近大远小”背后隐藏的视觉规律。 解构与重塑——人体与物体的结构分析： 无论是栩栩如生的人物肖像，还是充满质感的静物写生，都离不开对物体内在结构的深刻理解。本章将以人体骨骼、肌肉结构为基础，讲解如何在二维画面上准确地捕捉人物的体态、动态和比例。这并非要求读者成为解剖学专家，而是要理解形体的基本构成，以及它们如何影响外在的视觉表现。我们将从最简单的几何形体出发，逐步构建出复杂的人体和物体，学习如何识别和表现不同材质的纹理和光泽，例如金属的冷硬、布料的柔软、木材的粗糙等。通过对基本形的分解和组合，读者将能够更加自信地处理各种复杂的形体，摆脱对照片的盲目模仿，而是真正理解形体是如何被塑造出来的。 和谐的韵律——比例的运用与突破： 比例是画面和谐与否的关键。我们将探讨黄金分割、三分法等经典的构图比例，以及它们在不同绘画风格中的应用。然而，本书并非拘泥于教条，更鼓励读者在理解基本比例的基础上，进行大胆的尝试和创新。我们将分析一些经典作品，探讨艺术家是如何巧妙运用比例来引导观者的视线，突出主体，营造画面的节奏感和韵律感。同时，也会展示一些突破传统比例的例子，解释其背后的艺术考量和情感表达。 第二章：色彩的魔法——光影、调色与情感的交响 色彩是绘画中最具表现力的语言之一，它能直接触动观者的情绪，传递画家的心绪。本章将深入探索色彩的奥秘。 光影的逻辑——明暗关系与体积塑造： 光影是赋予物体生命力的关键。我们将从自然光和人造光入手，分析不同光源下的光线走向、阴影的形成以及高光的位置。通过对明暗关系的准确把握，画面中的物体将立刻获得立体感和真实感，仿佛触手可及。我们将学习如何运用不同层次的灰阶来表现物体的体积感，以及如何通过微妙的明暗变化来营造画面的戏剧性。无论是清晨的柔和晨曦，还是午后的强烈阳光，亦或是夜晚的神秘灯光，都将被一一解析，展示其在画面中的视觉效果。 调色的艺术——色彩混合与色彩情感： 颜色的选择和搭配，是画家表达情感的重要手段。本章将详细介绍色彩三原色、三间色、复色以及互补色、邻近色等基本概念。我们将通过大量的实验和案例，展示如何通过色彩混合，调出丰富细腻的色彩变化，并理解不同色彩组合所带来的视觉感受，例如暖色系的活力与热情，冷色系的宁静与忧郁。更重要的是，我们将探讨色彩的情感属性，学习如何运用色彩来唤起观者的共鸣，例如用红色表达激情，用蓝色传递忧伤，用绿色象征生机。 色彩的语言——色彩的情绪与风格： 本章将进一步拓展对色彩的理解，探讨色彩在不同绘画流派中的运用，以及它们所传达的情绪和象征意义。我们将分析印象派画家如何捕捉光线下的色彩瞬间，表现瞬息万变的自然景象；我们将审视野兽派大胆而自由的色彩运用，理解其对传统色彩理论的颠覆；我们将解析表现主义画家如何通过扭曲的色彩来宣泄内心的情感。通过这些分析，读者将不再将色彩视为简单的“颜色”，而是将其理解为一种强大的视觉语言，能够承载复杂的思想和情感。 第三章：笔触的灵魂——媒材、技法与风格的演变 绘画的魅力，不仅在于“画了什么”，更在于“如何画”。本章将聚焦于绘画的肌理和表现力，探索不同媒材和技法所能带来的独特视觉效果。 媒材的多样性——油画、水彩、丙烯、素描的探索： 我们将分别探讨油画、水彩、丙烯、素描等主流绘画媒材的特性，包括它们的质感、透明度、干燥速度以及表现力。我们将学习如何根据不同的绘画目标，选择最适合的媒材。例如，油画的厚重与层次感，水彩的轻盈与通透，丙烯的快速与多变，素描的黑白灰韵律。每一种媒材都拥有其独特的魅力，理解并掌握它们，将极大地丰富我们的绘画语言。 技法的精粹——厚涂、薄涂、晕染、刮擦的运用： 本章将深入介绍各种经典的绘画技法，并分析它们在不同画家作品中的实际应用。我们将学习厚涂法如何营造出丰富的肌理和强烈的体积感，薄涂法如何展现细腻的层次和微妙的光影变化。我们将探索晕染技法如何创造出柔和的过渡和梦幻般的氛围，刮擦技法如何制造出粗犷的质感和独特的视觉肌理。通过对这些技法的理解和实践，读者将能够根据自己的创作意图，灵活运用不同的表现手法，赋予画面独特的生命力。 风格的形成——从模仿到创新的路径： 风格并非凭空产生，而是建立在对基础技法的熟练掌握和对个人情感的深刻表达之上。本章将引导读者思考，如何在掌握了各种技法之后，逐渐形成属于自己的绘画风格。我们将审视不同艺术流派的典型风格特征，例如古典主义的严谨，浪漫主义的激情，现实主义的客观，以及现代主义的多元。我们将分析这些风格是如何通过特定的技法、色彩运用和构图方式来体现的。更重要的是，本书将鼓励读者进行大胆的实验，将所学技法与个人情感、生活体验相结合，最终找到属于自己的独特表达方式。 第四章：构图的智慧——视觉引导与叙事的张力 构图是绘画的骨架，它决定了画面的平衡、和谐以及信息的传达效率。本章将揭示构图的智慧。 元素的组织——点、线、面在画面中的作用： 我们将从最基本的视觉元素——点、线、面入手，探讨它们在画面中的构成关系和视觉心理效应。如何通过点的分布营造节奏感，如何通过线的走向引导视线，如何通过面的组合形成空间和体积。我们将分析不同类型的线条，例如直线、曲线、折线，它们各自所能带来的不同情感和视觉感受。 平衡与韵律——画面节奏的控制： 画面中的平衡感是观者舒适度的重要来源。我们将介绍对称、非对称、放射等多种构图平衡方式，并探讨如何在画面中制造出引人入胜的节奏感，引导观者的视线在画面中自由流动。我们将分析艺术家如何通过元素的疏密、大小、远近来制造视觉上的韵律，使得画面既有稳定感，又不失活力。 叙事的张力——主题的突出与情感的表达： 优秀的构图不仅能呈现美感，更能有效地传达信息和情感。本章将探讨如何通过构图来突出画面的主题，营造画面的叙事性，以及如何利用构图来增强画面的情感张力。我们将分析一些经典的构图案例，理解艺术家是如何通过画面的组织来讲述故事，引发观者的思考和共鸣。例如，如何通过人物的朝向、眼神的交流来暗示人物关系，如何通过前景、中景、远景的设置来构建出引人入胜的空间层次。 第五章：超越技法——观察、理解与创造的无限可能 绘画技法固然重要，但真正赋予作品生命力的，是对世界的敏锐观察、深刻理解以及不懈的创造力。 “看见”的艺术——培养敏锐的观察力： 绘画的起点是观察。本书将引导读者学会如何“看”，不仅仅是看到表面的形状和颜色，更是要看到事物的本质、内在的联系和细微的变化。我们将提供一些练习，帮助读者打破固有的视觉模式，培养对光影、色彩、形态、空间的高度敏感性。 理解的深度——从形似到神似的飞跃： 技法是通往“神似”的桥梁。本书并非鼓励读者一味追求形似，而是要通过对技法的精进，去理解和捕捉事物的内在精神和情感。我们将探讨如何通过笔触的力度、色彩的倾向、构图的安排，来传达画家的情感和对描绘对象的理解。 创造的疆界——探索个人艺术语言： 绘画最终是为了表达自我。本书将激励读者在掌握了基本技法之后，勇于探索属于自己的艺术语言。我们将鼓励读者将生活经验、内心感受、哲学思考融入到创作中，不断尝试新的媒材、技法和风格，最终形成独一无二的艺术风格。这本书，将是读者在绘画道路上不断探索、不断进步的忠实伙伴，它提供的是方法，是启示，是无限的可能。 《绘画技法》将引导读者进行一次深刻的视觉探索，从基础的透视与结构，到迷人的色彩与光影，再到多样的媒材与技法，以及精妙的构图智慧，最终触及到绘画的本质——观察、理解与创造。这是一场关于如何用画笔描绘世界，用色彩表达情感，用线条诉说故事的旅程。无论您是初学者，还是有一定基础的绘画爱好者，本书都将为您打开一扇通往艺术殿堂的崭新大门，激发您内心深处的创作潜能。

评分☆☆☆☆☆

这本书绝对是我近期遇到的最令人惊艳的艺术类书籍之一！初拿到手时，就被其沉甸甸的分量和精美的封面设计所吸引，仿佛捧在手里的是一件艺术品本身。翻开书页，扑面而来的是一股浓郁的艺术气息，色彩的运用、构图的考究，无不彰显出作者的深厚功底和独特品味。我最喜欢的是其中关于光影表现的部分，作者并没有简单地罗列理论，而是通过大量精选的古典大师作品，细致入微地分析了不同光源下物体受光、背光、以及环境色对色彩的影响。比如，在讲解逆光下的轮廓光时，书中选取了一幅文艺复兴时期某位大师的肖像画，不仅展示了轮廓线上那迷人的金色边缘是如何营造出立体感和空间感的，还深入剖析了背景色如何烘托出这种光线效果。更绝的是，作者还附带了一些局部放大图，将那些微妙的色彩过渡和笔触变化一一呈现，让我有机会近距离观察大师是如何用色彩“雕刻”出光线的。这不仅仅是理论学习，更是一种视觉上的盛宴和心灵上的启迪。我常常会一边阅读，一边对照着书中的范例，在自己的画板上尝试模仿，从中体会到那种“恍然大悟”的乐趣。这本书让我对“光”这一绘画中最基础也是最关键的元素有了全新的认识，感觉自己的绘画视野一下子开阔了许多，也更有信心去驾驭那些复杂的光影表现了。

评分☆☆☆☆☆

这本书对我理解“透视”这个概念，起到了至关重要的作用。我之前一直认为透视就是枯燥的几何学，是用来画出“正确”的建筑和空间的，但这本书完全颠覆了我的看法。作者从视觉原理和心理感知出发，详细讲解了如何运用透视来增强画面的空间感、深度感，甚至影响观者的情绪。他并没有给出死板的公式，而是通过大量的实例，展示了不同类型的透视（一点、两点、甚至多点透视）在实际绘画中的运用。我最喜欢的一段是关于“空气透视”的讲解，作者解释了远处的景物会因为空气中的灰尘和水分而变得模糊、色彩变浅，从而营造出一种景深效果。他还用一些户外写生作品举例，分析了画家是如何通过色彩和细节的减弱来表现远近关系的。更让我惊喜的是，书中还探讨了“主观透视”，也就是艺术家如何根据自己的情感表达需要，适当地夸张或扭曲透视，来达到特定的艺术效果。这本书让我意识到，透视不仅仅是科学的测量，更是一种充满创造性的艺术手段，它赋予了我构建逼真而又富有表现力的空间的能力。

评分☆☆☆☆☆

我不得不说，这本书在构图原理的阐释上，简直是教科书级别的存在！作者并没有止步于“三分法”或“黄金分割”这些基础概念，而是将构图的艺术提升到了一个全新的维度。他深入探讨了视觉引导线的使用，如何巧妙地利用画面中的线条，将观者的视线引向焦点，从而增强画面的叙事性和情感张力。书中列举了大量不同风格的画作，从摄影作品到油画、水彩，甚至一些电影场景截图，都经过了作者的细致分析。我印象特别深刻的是，有一页专门讲解了“负空间”的运用，作者通过对比两幅构图相似但处理方式截然不同的作品，生动地说明了留白的重要性，以及如何通过负空间来强调主体、制造呼吸感和意境。他甚至还举例说，就像音乐中的休止符一样，负空间并非“空白”，而是画面不可或缺的组成部分，它能让画面“喘息”，让观者有想象的空间。除此之外，书中还提到了“节奏”和“平衡”在构图中的作用，通过色彩、形状、线条的重复与变化，创造出画面的动感和稳定性。我通过阅读这本书，学会了不再盲目地将物体堆砌在画面上，而是开始思考如何“组织”画面，如何通过构图来“讲故事”，这对我理解和创作具有深刻意义的画面起到了至关重要的作用。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于“写意画”的解读，简直是让我眼前一亮，茅塞顿开！我一直认为写意画就是随意的挥洒，但这本书却揭示了其背后深厚的功底和精妙的构思。作者并没有简单地介绍传统写意画的技法，而是从“意境”的营造出发，探讨了如何通过寥寥几笔，寥寥数色，来传达出画面背后无穷的韵味。他详细分析了中国传统写意画大师的作品，解读了他们是如何通过“留白”、“虚实相生”、“以形写神”等手法，来创造出充满诗意的画面。我印象最深刻的是，书中有一部分专门讲解了“墨色的变化”，作者分析了浓、淡、干、湿、焦等不同的墨色运用，是如何影响画面的层次感、质感和意境的。他还鼓励读者去“读懂”画面，去感受其中蕴含的情感和哲思。这本书让我意识到，写意画并非“不画”，而是“少画”，是用最精炼的笔墨，去传达最深远的意境，这对我理解和创作写意风格的作品，起到了至关重要的启发。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于色彩理论的讲解，简直是颠覆了我以往的认知！我一直以为色彩学就是个死记硬背的色轮和互补色关系，但这本书完全打破了这个框架。作者从色彩的情感联想和心理效应出发，探讨了色彩是如何影响观者情绪的，这一点我之前从未深入思考过。他列举了大量不同文化背景下的色彩运用案例，例如，红色在西方文化中常代表热情和危险，而在东方文化中却象征着喜庆和吉祥，这种跨文化的对比分析让我大开眼界。更让我惊喜的是，书中还详细讲解了“色彩氛围”的营造，比如如何通过冷暖色调的对比，或者同类色的微妙变化，来塑造画面的整体情绪。我最喜欢的一段是关于“色彩和谐”的讨论，作者并没有给出僵化的公式，而是鼓励读者去“感受”色彩之间的关系，去尝试不同的色彩搭配，并在实践中找到最适合自己的表达方式。他甚至还分享了一些色彩搭配的“秘诀”，比如利用对比色来提亮主体，或者使用邻近色来营造柔和的过渡。这本书不仅仅是色彩的知识，更是一种对色彩的“感知力”的培养，让我对色彩有了更深层次的理解和运用能力，现在我敢于大胆尝试各种色彩组合，不再畏惧那些看似“危险”的搭配了。

评分☆☆☆☆☆

这本书关于“肌理”的阐释，简直是我绘画生涯中的一次“破壁”！我之前总觉得肌理是画材本身带来的，或者需要非常复杂的技法才能实现，但这本书让我看到了肌理的无限可能性。作者从材料的物理特性出发，讲解了如何通过不同的绘画媒介、工具，甚至辅助材料，来创造出丰富多样的肌理效果。我特别喜欢他对于“厚涂法”的详细解析，不仅展示了颜料堆叠带来的立体感，还分析了不同笔触如何与颜料的厚度相互作用，形成独特的肌理。此外，书中还介绍了如何利用刮刀、海绵、甚至日常物品来制造肌理，这给了我极大的创作灵感。我尝试着将书中提到的某些肌理处理方法运用到我的作品中，比如用粗糙的砂纸在颜料未干时摩擦，制造出一种风化岩石的质感，或者在颜料中混入细小的颗粒，让画面产生一种独特的粗粝感。这本书让我明白，肌理不仅仅是表面的装饰，更是画面情感和氛围的重要载体，它赋予了我的作品触感和生命力。

评分☆☆☆☆☆

我在阅读过程中，对书中关于“笔触”的探讨尤为着迷。作者并非简单地介绍不同画种的笔触特点，而是将笔触上升到了情感表达和风格塑造的高度。他通过对比油画的厚重笔触、水彩的流畅笔触、以及素描的粗犷笔触，阐释了不同的笔触所能传达出的独特质感和韵味。我印象最深的是，书中用了很多篇幅来分析抽象表现主义画家的作品，详细解读了他们的笔触是如何充满力量感和表现力的，以及如何通过笔触的叠加和交织，来构建出画面的层次感和深度。作者甚至还分享了一些“让笔触说话”的技巧，比如如何通过改变画笔的压力、角度、以及颜料的干湿程度，来创造出丰富多样的笔触效果。我尝试着按照书中的指导，在自己的练习中刻意去运用不同的笔触，比如用粗糙的笔触来表现岩石的坚硬，用细腻的笔触来描绘丝绸的光泽，感觉画面的表现力立刻提升了一个档次。这本书让我明白，笔触不仅仅是绘画的工具，更是艺术家个性的体现，是我与画面进行直接对话的一种方式，从中我获得了极大的启发。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于“构图与色彩的结合”的深入探讨，简直是让我豁然开朗，仿佛打通了任督二脉！我之前总是将构图和色彩视为独立的环节，分别进行学习和练习，但这本书让我看到了它们之间密不可分的联系。作者从“如何用色彩来引导构图”、“如何用构图来突出色彩”的角度出发，为我提供了全新的思路。他详细分析了大量不同风格的画作，解读了艺术家是如何通过色彩的冷暖、明暗、纯度对比，来增强画面的视觉冲击力和引导性，从而更好地服务于构图的整体意图。我印象最深刻的是，书中有一部分专门讲解了“色彩在构图中的平衡”的艺术，作者分析了如何通过大面积的色块来稳定画面，如何用小面积的对比色来制造视觉焦点，以及如何通过色彩的过渡来连接画面的不同部分。他还强调了“情绪”在色彩与构图结合中的作用，艺术家如何通过色彩和构图的有机统一，来传达出画面的整体情感和氛围。这本书让我明白了，构图和色彩是相辅相成的，它们共同作用，才能创作出具有生命力和感染力的艺术作品，这对我今后的绘画创作，给予了极大的帮助和指导。

评分☆☆☆☆☆

这本书在“风景画”的描绘方面，简直是开启了我全新的视角。我之前总觉得画风景就是把眼前的景色忠实地记录下来，但这本书让我看到了风景画背后更深层次的艺术表达。作者从自然界的“光线”、“空气”、“色彩”等基本元素出发，探讨了如何通过绘画来捕捉和表现自然的瞬息万变。他详细分析了不同天气、不同季节下，光线和色彩是如何随着时间和环境而变化的。我最喜欢的一段是关于“季节色彩”的讲解，作者用大量对比鲜明的例子，展示了春天的嫩绿、夏天的浓郁、秋天的斑斓、以及冬天的静谧，是如何通过不同的色彩运用体现在画作中的。他还强调了“情绪”在风景画中的重要性，艺术家如何通过对自然景物的选择和处理，来抒发自己的情感，营造出特定的氛围。这本书让我意识到，风景画不仅仅是对景物的复制，更是艺术家内心世界与自然对话的载体，它赋予了我用色彩和笔触来“歌唱”自然的能力。

评分☆☆☆☆☆

我在这本书中，对“人物绘画”的理解达到了一个新的高度。我一直以为画好人物就是掌握好比例和解剖，但这本书远不止于此。作者从人物的“灵魂”出发，探讨了如何通过表情、姿态、眼神来捕捉人物的内在情感。他深入分析了不同时代、不同文化背景下的人物肖像，解读了艺术家是如何通过微妙的笔触和色彩来传达人物的性格和心境的。我印象最深刻的是，书中有一部分专门讲解了“眼神的刻画”，作者分析了眼睛的光泽、瞳孔的大小、眼睑的细微变化，是如何影响观者对人物情绪的判断。他还鼓励读者去观察生活中的人，去捕捉他们真实的情感瞬间，并将这些观察融入到绘画创作中。此外，书中还探讨了人物的服装、发型、以及背景如何与人物本身相互呼应，共同构建出画面的叙事性和氛围感。这本书不仅仅是教会我如何“画”一个人，更是让我学会如何“理解”一个人，如何通过绘画来展现一个鲜活的生命，这对我的人物创作起到了决定性的作用。