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肖复兴 著

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• 音乐
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• 文化艺术

出版社： 广东教育出版社

ISBN：9787540683658

版次：1

商品编码：10847094

包装：平装

开本：16开

出版时间：2011-08-01

页数：208

内容简介

《我的音乐札记》是为孩子写得古典音乐简史，对于孩子的心灵成长，它比音乐考级重要。《我的音乐札记》从音乐家出发，从文艺复兴时期的帕莱斯特里那，到古典主义时期的巴赫、亨德尔，到浪漫主义时期的莫扎特、贝多芬，一直延续到浪漫主义的尾声，到20世纪50年代新大陆的美国音乐。最后，附录一则在北京大学的一次演讲，讲的是关于古典音乐和摇滚音乐发展青春期的相互关照和对应，除古典音乐之外，增加一点摇滚音乐的内容。

作者简介

肖复兴，北京人，1982年毕业于中央戏剧学院。现任《人民文学》杂志社副主编。已出版长篇小说、中短篇小说集、报告文学集、散文随笔集和理论集80余部。曾有长篇小说“青春三部曲”《早恋》、《一个女中学生的日记》、《青春回旋曲》，报告文学《和当代中学生对话》、《和当代中学生通信》。近著有《音乐笔记》、《音乐的隔膜》、《聆听与吟唱》、《浪漫的丧失》、《纸的生命》、《遥远的含蓄》等。曾经获得过全国以及北京上海优秀文学奖多种。《音乐笔记》获首届冰心散文奖。《那片绿绿的爬山虎》、《向往奥运》，《荔枝》，《银色的心愿》，《寻找贝多芬》等篇入选大、中、小学语文课本。

目录

自序
向蒙特威尔地和巴赫致敬
那一晚忽然洞开的窗子
感动亨德尔
倾听贝多芬
对比莫扎特和贝多芬
邀舞韦伯
舒伯特的吟唱
门德尔松之梦
肖邦的色彩
舒曼一生梦幻曲
幻想与音乐
李斯特的手
罗西尼风格的牛肉
金黄色的麦秸
英雄瓦格纳
尽管只有一部《卡门》
后浪漫主义时期的勃拉姆斯
肃穆宁静的布鲁克纳
马勒扎我们的脸有点疼
梦幻中的蓝色
俄罗斯气息
伏尔塔瓦河上的斯美塔那
走近德沃夏克
格里格三章
西贝柳斯的声音
冬天和春天里的拉赫玛尼诺夫
巴托克的启示
月光下的勋伯格
走近理查·施特劳斯
面对欣德米特
忧郁的戴留斯
威廉斯：从家开始
科普兰印象
附录：音乐在时间中流淌——在北京大学的演讲

前言/序言

尘封的乐章：一部关于十九世纪欧洲古典音乐流派变迁的深度研究 作者： 亚历山大·冯·赫尔曼 出版社： 维也纳古典学派出版社 出版日期： 2024年10月 页数： 680页（附32页黑白插图及乐谱节选） --- 内容简介 《尘封的乐章：一部关于十九世纪欧洲古典音乐流派变迁的深度研究》，是音乐史学家亚历山大·冯·赫尔曼穷尽三十年心血的集大成之作。本书摒弃了传统传记式的叙事，转而采用宏大而精密的社会学、哲学视角，深入剖析了自贝多芬晚期至马勒早期的七十余年间，欧洲古典音乐在审美、结构、功能以及听众关系上所经历的剧烈而深刻的转型过程。 本书的核心论点在于，十九世纪的音乐革命并非孤立的艺术事件，而是与席卷欧洲的工业革命、民族主义兴起、启蒙理性主义的退潮以及浪漫主义思潮的全面胜利紧密交织的产物。赫尔曼教授将这一时期划分为三个主要阶段，并以详实的史料和独到的分析，揭示了每个阶段的内在驱动力与最终的艺术表达形式。 第一部分：从“古典的黄昏”到“浪漫的黎明”（约1815-1840年） 本部分着重探讨了贝多芬遗风的消散与早期浪漫主义的萌芽。作者细致考察了舒伯特（Franz Schubert）如何将海顿和莫扎特时代的清晰结构，内化为一种前所未有的、以“抒情性”（Lyricality）为主导的个人化表达。赫尔曼挑战了“舒伯特是纯粹的歌曲作家”的刻板印象，强调他在奏鸣曲与交响曲中对“未完成感”和“动机的碎片化”的处理，如何预示了后世对形式约束的质疑。 研究深入分析了韦伯（Carl Maria von Weber）歌剧艺术对民族精神的捕捉，以及舒曼（Robert Schumann）在《莱茵河畔的诗与歌》中，如何将文学性（如诗歌和评论）直接植入音乐思维，构建了一个“家庭音乐会”的理想空间，试图在日益世俗化的社会中重建艺术的纯粹性。赫尔曼尤其关注了这一时期“小品”（Character Piece）的兴盛，将其视为对宏大叙事疲劳的一种反动，标志着音乐开始关注瞬间的情感捕捉而非线性的戏剧发展。 第二部分：宏大叙事与艺术的英雄主义（约1840-1870年） 这是音乐进入“中世纪浪漫主义”鼎盛的阶段。赫尔曼将大量的篇幅用于剖析李斯特（Franz Liszt）的“交响诗”（Symphonic Poem）概念。作者认为，交响诗的诞生，是音乐主动寻求与非音乐领域——历史、文学、绘画——对话的决定性步骤。它不仅是曲式的创新，更是对传统器乐“抽象性”的宣战。 在歌剧领域，本书对瓦格纳（Richard Wagner）的“乐剧”（Musikdrama）理论进行了细致的解构。赫尔曼并未停留在对“主导动机”（Leitmotif）的简单罗列上，而是分析了瓦格纳如何通过对和声的极端拓展（以《特里斯坦与伊索尔德》为例），实质上是在瓦解传统调性体系的中心引力，为二十世纪的无调性音乐铺平了道路。这一部分的难点和精彩之处，在于作者如何将瓦格纳的哲学思辨（如尼采早期思想）与他对管弦乐队配器的细微调整联系起来，论证了“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）在功能上是对市民音乐会模式的彻底颠覆。 同时，本书也公正地评价了勃拉姆斯（Johannes Brahms）在这一时期的立场。勃拉姆斯被视为“保守的巨人”，但他对巴赫、贝多芬的回归，并非简单的复古，而是对“绝对音乐”（Absolute Music）纯粹性的维护，是对瓦格纳主义泛滥的一种理性的抵抗。本书通过对比勃拉姆斯的奏鸣曲结构与瓦格纳的“无限旋律”，揭示了十九世纪中叶音乐哲学上的“两条战线”。 第三部分：民族主义的回响与世纪末的焦虑（约1870-1900年） 随着民族国家的巩固，音乐的“地方性”开始被系统性地挖掘和利用。赫尔曼详细考察了东欧和北欧作曲家（如德沃夏克、斯美塔那、格里格、西贝柳斯）如何从民间音乐（Folk Music）中汲取营养，并将其结构化、交响化。这部分不仅是文化地理学的展现，更是对维也纳/巴黎中心主义的一次有力的修正。 然而，本书的后半段将焦点转向了世纪末的“颓废”与“焦虑”。在确信了调性已达极限之后，许多作曲家开始探索音乐的“极限状态”。本书细致分析了马勒（Gustav Mahler）的交响曲，特别是其对“俗世音乐”（如军乐、民间进行曲）的引入和解构，以及对“无限时空感”的追求。赫尔曼认为，马勒的交响曲本质上是十九世纪宏大精神的最后一次、也是最沉重的一次总结——一种在确认了英雄主义终结后，对生命、死亡和宇宙的深沉反思。 结语：调性的黄昏与新时代的序幕 赫尔曼在总结中指出，十九世纪的音乐史，是从对形式的绝对信仰，过渡到对个人主体和情感表达的绝对信仰，最终走向对既有结构体系（即调性）的系统性瓦解。本书通过对和声语言的演变、曲式结构的拉伸与重塑、以及音乐与社会角色的剧烈变化进行全面扫描，为读者提供了一个理解古典音乐如何完成其历史使命、并最终为二十世纪的激进变革（如无调性、序列主义）提供全部原材料的详尽路线图。 适合读者： 音乐学专业研究人员、古典音乐爱好者、十九世纪欧洲文化史研究者。本书要求读者具备一定的乐理基础和对欧洲哲学思潮的基本了解。 --- 特别说明： 本书内容完全专注于十九世纪欧洲古典音乐的流派变迁、结构创新和社会背景，未涉及任何二十世纪及以后的音乐流派（如爵士乐、流行音乐、二十世纪前卫音乐等），也不涉及任何与“音乐札记”这类个人记录或日记体相关的题材。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我拿到这本书的时候，并没有抱太高的期望。我是一个对音乐不太敏感的人，通常只是听一些耳熟能详的流行歌曲，对于所谓的“音乐鉴赏”更是望而却步。然而，《我的音乐札记》却打破了我的固有认知。作者的叙述方式异常朴实，他没有使用任何华丽的辞藻，也没有故作高深地分析音乐的结构和理论。他只是将音乐融入到他的生活日常，用一种近乎散文的笔调，记录下音乐在他生命中留下的痕迹。我读到他描述某个雨天，独自一人在家，随手播放了一张旧唱片，那旋律如何在寂静的空间中缓缓流淌，如何抚慰了他内心的烦躁。还有他去参加一场演唱会，那种现场的氛围，观众们的欢呼，以及舞台上音乐家的投入，都通过他的文字鲜活地呈现在我眼前。他对待音乐的态度，不是一种评判，而是一种体验，一种感受，一种与音乐共同呼吸的过程。这种方式让我觉得，原来音乐并不是属于少数“懂音乐”的人的，它是一种普世的情感表达，人人都可以从中找到属于自己的共鸣。读完这本书，我开始主动去寻找那些能触动我的旋律，不再局限于固定的风格，也更愿意去聆听那些曾经被我忽略的声音。

评分☆☆☆☆☆

这本书像是一次意外的发现，偶然间在书店的一角瞥见，封面朴实无华，却散发着一种莫名的吸引力。我平日里对音乐的热情并非狂热，但却总是能在生活中寻找那些能触动心弦的旋律。翻开它，映入眼帘的是一种非常个人化的叙述方式，作者并没有用高深莫测的音乐理论来构建篇章，而是将音乐的体验融入到生活的点滴之中。从童年时期第一次接触到收音机里传来的歌声，到青春期时随着摇滚乐的热血沸腾，再到成年后在静谧的午后独自品味古典的悠扬，每一个段落都像是在诉说着一个关于音乐与成长的故事。我尤其喜欢作者描绘的那些因为一首歌曲而串联起来的记忆片段，那些模糊但又格外清晰的画面感，仿佛我也置身其中，感受着那个时代的氛围，体验着人物的情感。书中的一些描述，比如“那段旋律像是一把钥匙，打开了我尘封已久的某个角落”，或是“音乐不仅仅是声音，它是一种气味，一种颜色，一种触摸”，都让我深思，原来音乐的触角可以延伸得如此之广。它没有强求我理解复杂的乐理，而是引导我用更感性的方式去感受音乐，去发现音乐在生命中的意义。读完后，我重新审视了自己听歌的习惯，开始尝试去聆听那些曾经被我忽略的曲风，也更愿意去探索那些隐藏在旋律背后的故事。

评分☆☆☆☆☆

这本《我的音乐札记》实在是太出乎我意料了，我原本以为会是一本枯燥的乐评集，没想到它带给我的是一场别开生面的音乐旅行。作者的笔触细腻而充满画面感，他不是在评判音乐的好坏，而是在分享他与音乐相遇的故事。我读到他描述自己在某个城市的街头，偶然听到一段街头艺人的演奏，那段音乐如何瞬间击中了他内心深处的情感，让他停下了匆忙的脚步，沉醉其中。还有他回忆起一段模糊的童年记忆，而那段记忆恰恰是通过一首老歌被唤醒的，这让我联想到自己也有过类似的经历，某些歌曲总是能勾起我内心深处最柔软的回忆。书中对不同音乐风格的描绘也十分生动，他用非常接地气的方式来形容那些复杂的音乐，比如将爵士乐比作“一场即兴的对话”，将电子乐形容为“在数字的海洋中遨游”。这让我这个对音乐理论不太懂的人也能轻松理解，并且对这些音乐产生了浓厚的兴趣。最让我感动的是，作者始终强调音乐是一种陪伴，它陪伴着我们经历人生的喜怒哀乐，是我们情绪的出口，也是我们情感的共鸣。读这本书，我感觉自己不是在阅读，而是在与一个老朋友分享他珍藏的音乐记忆，这种亲切感让我非常享受。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉就像是走进了一个充满故事的音乐盒。作者没有像乐评人那样，一丝不苟地分析乐器的配置、和弦的走向，而是用一种非常温暖、非常个人化的视角，去讲述他与音乐之间发生的种种“事件”。我读到他对于某首老歌的深深眷恋，以及这首歌如何成为他某个特殊时期的精神寄托。他还分享了自己在旅行途中，如何因为一段当地的音乐而更加深入地理解了那个地方的文化和人们的情感。这种将音乐置于生活场景中的描绘，让我觉得异常真实和 relatable。我能从中感受到他分享音乐时的那种纯粹的快乐，那种因为音乐而产生的感动。他甚至用一些非常意想不到的比喻来形容音乐，比如将某个乐章比作“一段蜿蜒的山路”，将一段节奏感强的歌曲比作“一场酣畅淋漓的运动”。这些生动的比喻，让我这个对音乐理论不甚了解的人，也能轻松地理解作者想要传达的情感。这本书最打动我的地方在于，它让我明白，音乐从来都不是孤立存在的，它与我们的生活、我们的情感、我们的经历息息相关，它是一种连接，一种慰藉，一种永恒的陪伴。

评分☆☆☆☆☆

初读《我的音乐札记》，我以为会看到一堆关于音乐流派、作曲家生平的介绍，但事实完全不是这样。这本书更像是一本私人化的情感日志，只不过，日记的主角是音乐，而记录者是他对音乐最真挚、最细腻的感受。作者的文字充满了生活的气息，他没有卖弄学识，而是用非常朴素的语言，讲述了音乐如何渗透进他的生活，又如何影响了他的心境。我尤其喜欢他描写那些因为一首歌而勾起的回忆，那些模糊但又充满温度的画面，仿佛我也可以借由他的文字，触摸到那些逝去的时光。他对待音乐的态度，与其说是“鉴赏”，不如说是“聆听”，是一种全神贯注地投入，一种与旋律共舞的沉醉。他会因为一段熟悉的旋律而嘴角上扬，也会因为一首悲伤的歌曲而潸然泪下。这种真诚的情感流露，让我觉得非常动容。书中对音乐的描述，也常常出乎意料，他不会去套用那些专业的音乐术语，而是用一些生活化的、形象的比喻，来传达他对音乐的理解，比如将某个旋律形容为“一阵拂过脸颊的微风”，将一段高亢的乐章比作“冲上云霄的渴望”。这本书让我意识到，原来音乐并非遥不可及，它就在我们身边，触手可及，并且能够以各种意想不到的方式，滋养我们的心灵。

评分☆☆☆☆☆

《k我的音q乐札记v》x（肖复NF兴）【摘K要

评分☆☆☆☆☆

试X读W】-

评分☆☆☆☆☆

他让你看见自己真正在乎的东西，他怂恿你去追，成功或者失败，都是你自己的事，他不负任何责任。他让你更诚实，他让你更勇敢，他让你看清你自己，和你的梦。

评分☆☆☆☆☆

希望你能越做越好，成长有你有我大家一起来，很好的宝贝。

评分☆☆☆☆☆

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i《我U的音q乐t札记v》（肖BC复兴）W【K摘要O

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《我的o音乐su札记》（肖BB复兴）H【摘NO要 书评 U试读】-b 京东ih图书

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王尔德说，为富有诗意的事业破产是一种荣誉。但是我想，并不是每个人都具备破产的资格，多数人还是渴望没有风浪的、安定的生活。

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但是你不是他，你有作为大人的身不由己和责任，你不能像他那样任性固执，你没有舍弃一切的决心和勇气，因为你根本不能。你不怕面对众人的议论和眼光，但是你受到自己良心的谴责。你觉得自己不能那样做，尽管你真的想。