Music Theory in Practice, Grade 3 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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Eric Taylor 著

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出版社： Associated Board of th...

ISBN：9781860969447

商品编码：1200422563

包装：平装

外文名称：Music Theory in Practi...

出版时间：2008-05-15

页数：40

图书基本信息

Music Theory in Practice, Grade 3
作者： Eric Taylor
ISBN13： 9781860969447
类型： 平装(简装书)
出版日期： 2008-05-15
出版社： Associated Board of the Royal Schools of Music
页数： 40
重量（克）： 158
尺寸： 228 x 2 x 303 mm

商品简介

Fully revised, this workbook remains the best way to prepare for ABRSM's Grade 3 Theory of Music Exam. Features a clear explanation of music notation, many worked examples and practice exercises, definitions of important words and concepts, specimen exam questions and helpful tips for students.

和声的架构与色彩：A Practical Guide to Harmony and Counterpoint 本书旨在为音乐学习者提供一套深入而实用的和声与对位法基础知识体系，通过清晰的理论阐述、丰富的实例分析以及大量的练习题，帮助学习者构建稳固的音乐语法基础，并将其应用于创作与分析之中。 第一部分：传统和声基础 (Tonal Harmony Fundamentals) 第一章：音级与调性系统 (Pitch, Intervals, and Tonal Framework) 本章从最基础的音高概念入手，详细解析十二平均律下的音高系统，并深入探讨音程的性质（协和与不协和，纯净与变化）。继而，系统阐述大小调的音阶结构、调性中心的确立以及关系大小调的转换。重点讨论了调性中心对音乐情绪和结构的影响，通过巴赫早期作品的实例，展示调性如何成为组织音乐材料的骨架。 第二章：三和弦的构建与功能 (Triads: Construction and Function) 详细剖析三和弦的构成要素——根音、三音和五音，以及它们在不同调性中的构成规则（大、小、增、减）。本章的核心在于“和声功能”理论：主和弦 (Tonic, T)、下属和弦 (Subdominant, S) 和属和弦 (Dominant, D) 的明确界定及其在乐句中的角色。我们将分析如何运用这些基本和弦构建出稳定、流畅的终止式（正终止、半终止、伪终止）。 第三章：七和弦的扩展与色彩 (Seventh Chords: Expansion and Color) 超越三和弦，本章深入探讨最常用、最具色彩的七和弦，特别是属七和弦 (V7) 的结构、解决方式以及其强大的导向作用。随后，介绍大小七和弦 (Maj7)、小七和弦 (m7) 和减七和弦 (Dim7) 的功能性差异。特别关注减七和弦在转调中的重要桥梁作用，通过莫扎特钢琴奏鸣曲中的转调段落，演示其多功能性。 第四章：和声连接的法则 (Rules of Chord Progression) 本章是和声学实践的核心。它超越了单纯的“T-S-D-T”序列，探讨了更复杂的和声进行模式，包括： 级进与跳进： 讨论和弦根音的进行距离对音乐流畅性的影响。 副属和弦 (Secondary Dominants)： 详细解析如何运用 V/V、V/IV 等和弦，以暂时性地强调某个非主音级，从而增加和声的色彩深度和复杂性。 借用和弦 (Borrowed Chords)： 探索同主音小调中的和弦如何被借用到大调中（如使用 iv 级），以增添忧郁或戏剧性的色彩。 和声导向与回避： 分析如何通过和声的“张力-解决”过程来引导听众的预期，并讨论如何故意打破这些预期以达到特殊效果。 第五章：非功能性和弦的初步探索 (Introduction to Non-Functional Harmony) 在严格的调性框架内，引入一些超越传统三功能体系的和弦概念，例如： 增六和弦 (Augmented Sixth Chords)： 意大利式、德国式和法国式增六和弦的结构、解决至属和弦的机制，及其在增强导向性时的强大效果。 帕姆和弦 (Neapolitan Sixth Chord)： 降二级大三和弦（常以第一转位出现）的特性及其在增强属和弦前的戏剧性铺垫作用。 第二部分：对位法的精髓 (The Essence of Counterpoint) 第六章：对位法的基础原理与种类 (Foundations of Counterpoint) 本章奠定对位法的基础，解释对位法（将两条或多条独立的旋律线有机结合）与和声（横向与纵向的统一）之间的关系。详细介绍皮尔森 (Palestrina) 风格的对位法原则，强调旋律线的独立性、呼吸感以及声部的平衡。 第七章：两部对位——巴赫的对话 (Two-Part Writing: Bachian Dialogue) 核心内容是“两条独立旋律线的写作”。 节奏对位 (Note Against Note)： 详细讲解严格的“音对音”写作，严格限制平行五度、八度的出现，并深入分析“反向进行”、“斜向进行”和“同向进行”的运用时机和限制。 节拍对位 (Florid Counterpoint)： 引入不同节奏型（如全音符对二分音符，或四分音符对八分音符）的结合，探讨如何在节奏变化中维持旋律线的连贯性和清晰度。通过巴赫二部创意曲的精选片段，展示旋律动机如何在不同声部间“模仿”与“竞争”。 第八章：三部与四部对位：空间的拓展 (Three and Four-Part Writing: Expanding the Space) 将对位原则扩展到更多声部。本章侧重于： 声部导向 (Voice Leading in Multiple Parts)： 在增加声部后，如何确保所有声部的进行都符合旋律逻辑，避免声部交叉和不必要的跳进。 模仿技巧 (Imitative Writing)： 介绍卡农 (Canon) 和赋格 (Fugue) 的基本概念。分析模仿的间隔（音高）和时值（节奏）如何影响复调织体的复杂性和统一性。重点解析主题的呈示与展开。 第三部分：实践与分析 (Application and Analysis) 第九章：终止式的深化与乐句结构 (Advanced Cadences and Phrase Structure) 将和声与对位法应用于分析实际的音乐结构。本章不再满足于简单的终止，而是分析： 延展的终止式 (Elaborated Cadences)： 如何利用和弦的转位和装饰音延长终止式的紧张感。 乐句的构建与连接 (Phrasing and Period Construction)： 如何通过和声的强弱变化（如在半终止处使用较弱的和弦）来明确划分乐句，以及如何运用“呼应式”或“对比式”结构连接两个乐句。 第十章：织体的转换与配器思考 (Texture Shifts and Orchestral Considerations) 本章桥接理论与实际编配。讨论从主调织体（Homophony）到复调织体（Polyphony）的转换如何影响音乐的表达。虽然本书主要关注和声与对位，但本章将简要介绍： 声部功能的清晰化： 在多声部写作中，如何确保旋律主导声部清晰，伴奏声部起到支撑作用。 重音的平衡： 讨论不同声部在重音和弱拍上的处理，如何利用音区（高音区、中音区）的分配来维持整体的听觉平衡。 附录：练习与案例研究 本书附带大量的习题，涵盖从基础和弦识别到复杂的三部对位写作。精选了大量来自文艺复兴晚期、巴洛克早期和古典主义早期的无标题音乐片段，供学习者进行和声分析和对位填空练习。所有练习都要求学生不仅要写出正确的音符，更要解释其背后的功能性或对位逻辑。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常简洁有力，色彩搭配既专业又不失亲和力，那种略带磨砂质感的纸张拿在手里就让人感觉踏实。我尤其喜欢它在版式上的处理，字体选择清晰易读，重点内容和示例都用不同的粗细和阴影做了区分，这对于长时间盯着乐谱和理论文字的读者来说，简直是福音。翻开书页，首先映入眼帘的是对基础乐理概念的系统梳理，它并没有直接堆砌枯燥的术语，而是通过一系列精心设计的、与实际演奏紧密相关的例子来引入概念。比如，在讲解调式和弦进行时，作者没有仅仅罗列公式，而是配上了不同风格的短小练习曲片段，让学习者能立刻“听”到这些理论在音乐中的实际作用。这种“理论服务于实践”的编排思路，极大地降低了初学者的畏难情绪。更值得称赞的是，书中对节奏的解析部分，它引入了一种非常直观的图形化表示方法，将复杂的复合拍号分解成易于理解的“脉冲块”，配合配套的音频资源（虽然我没能找到全部资源，但仅凭书上的引导，已经能感受到其深意），让那些总是数错拍子的学生也能找到节奏感的支点。总而言之，这本书在视觉和结构上的用心程度，已经超越了一本普通的教材，更像是一位经验丰富的老教师，耐心且有条不紊地为你铺设知识的阶梯。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度超出了我对一个“三年级”级别教材的预期，它巧妙地平衡了严谨性和可操作性。我特别欣赏它在和声分析章节的处理方式，作者似乎深谙现代音乐教育的趋势，没有停留在传统的三和弦和功能和声的讲解上，而是非常自然地引入了七和弦的扩展和色彩和弦的运用。在介绍属七和弦解决规律时，它并没有像很多老教材那样一板一眼地要求“导音必须解决到主音”，而是结合了浪漫主义时期一些作曲家的处理手法，展示了不同解决路径带来的情绪张力变化，这对于想要深入理解和声“语境”的学生来说，是极大的启发。此外，对配器的基本概念也有涉及，虽然篇幅不多，但对于理解管弦乐队的声部布局以及不同乐器音区对和声色彩的影响，已经提供了非常扎实的入门知识。我用它来指导我的一个学生进行基础的室内乐改编练习，他反馈说，书中关于对位法的入门介绍，虽然只是初步，但其清晰度远超他之前使用的其他书籍，特别是对手法限制的讲解，不是单纯的“不许这样做”，而是解释了“为什么不建议这样做”背后的声学逻辑。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配套练习设计堪称一绝，它们的设计逻辑和难度递进曲线处理得极其平滑，几乎没有让人感到“卡壳”的突兀跳跃。我通常很关注教材的习题部分是否只是对概念的机械重复，但这里明显投入了大量的精力去设计具有“迁移性”的练习。比如，在学习了特定的小调和弦连接后，紧接着的练习并不是简单地让你重复这个连接，而是要求你用这个连接来创作一个两小节的旋律动机，这立刻将理论知识转化为创作实践。而且，这本书似乎非常注重听觉训练的同步进行，虽然我没有看到配套的CD，但书中反复出现的“听辨练习引导”和“模仿练习建议”，都暗示着作者期望读者能够同步发展听觉和动手能力。我尝试着根据书中的指示，自己录制了一些和弦进行，然后试着在不看书的情况下听辨出其中的色彩变化，结果发现效果出奇地好，这说明书本内容本身就内嵌了强大的听觉训练模块。对于一个在自学过程中缺乏老师实时反馈的学生来说，这种设计提供的“自我反馈机制”是无价的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的写作风格非常像一位博学的音乐家在与你进行一场深入的对话，而不是冷冰冰的知识灌输。它的语言充满了洞察力，尤其是在描述音乐情感和结构关系时，那些措辞的选择非常精准而富有画面感。例如，书中在讲解乐段结构划分时，使用了“音乐的呼吸”和“主题的辩证关系”这类比喻，使得原本抽象的“呈示部-发展部-再现部”结构变得鲜活起来。我个人认为，对于那些偏向直觉理解、不太喜欢纯逻辑推导的学习者来说，这种带有文学性的描述能更好地帮助他们建立起音乐的整体感知。另一个让我印象深刻的则是它对音高的历史演变的简单回顾，作者用非常精炼的语言勾勒出了十二平均律是如何逐渐确立其统治地位的，这种宏观的历史视角能帮助学习者跳出当前的练习曲束缚，理解他们正在学习的这套系统是如何形成的。这本书的价值在于，它不仅教你“如何做”，更让你思考“为什么是这样”，这种对理论背后的哲学思考的引导，才是真正区分优秀教材和普通教材的关键所在。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程中，我体会到了一种非常现代的教学理念，那就是将知识模块化并强调跨学科的联系。不同于以往那种将所有内容死板地排列成“音符→节奏→音程→和弦”的线性结构，这本书在讲解的同时，会穿插一些关于音乐史或文化背景的小插曲。比如，在讲解到某种特定琶音技巧时，作者会简要提及这种技巧在巴洛克时期是如何被视为一种“装饰”手法的，这让学习技巧不再是孤立的机械动作，而是有了文化和历史的依托。这种编排方式极大地丰富了学习体验，让学习过程变得更加立体和有趣。此外，书中对节奏复杂度的处理尤其值得称赞，它没有仅仅停留在四分音符和八分音符上，而是用非常清晰的图示和文字，系统地讲解了附点音符、休止符以及三连音在不同拍号下的精确时值控制，这对于那些在演奏速度加快后容易混乱的读者来说，提供了坚实的基石。整体来看，这本书不仅是一本工具书，更像是一本引导读者建立起完整、全面、且充满历史厚重感的音乐思维框架的向导。