国宝档案：绘画案 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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《国宝档案》栏目组 编

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出版社： 中国民主法制出版社

ISBN：9787516215449

版次：1

商品编码：12343909

包装：软精装

开本：16开

出版时间：2018-04-01

用纸：胶版纸

正文语种：中文

产品特色

内容简介

《国宝档案》用通俗易懂的语言和观众喜闻乐见的讲故事方式，深入浅出地把专业性极强的内容做成了让人看得懂，感兴趣的节目。《国宝档案》自开播以来，深受大众喜爱，目前已播出了内容主要有国家各级博物馆的文物精品，古迹遗址等全国重点文物保护单位，自然和文化遗产以及非物质文化遗产；为了让观众更多地了解国宝流失海外的情况，栏目还推出了海外寻宝的节目。这些内容都是我们民族优秀文化遗产的精华。

作者简介

《国宝档案》栏目是中央电视台中文国际频道一档集故事性、观赏性的日播栏目，每天十分钟。自开播以来，平均收视率一直稳列4套节目的前茅，展示了我国优秀传统文化的魅力，成为中央电视台国际频道一线品牌栏目。

丹青遗韵：近现代中国书画艺术流变研究 作者：张弘 教授 出版社：中华艺术典藏出版社 装帧：精装，插图丰富，附赠高清图录 --- 本书导言：时代洪流中的笔墨变革 本书旨在对晚清至二十世纪中叶，即中国社会经历剧烈转型、中西文化激烈碰撞的近现代这一关键历史时期，中国书画艺术所经历的深刻变革、多元探索与最终定型进行一次全面而深入的梳理与剖析。此阶段的艺术史，绝非简单的风格更迭，而是艺术家群体在国家命运、社会思潮、哲学观念以及西方艺术思潮冲击下，对“笔墨精神”这一核心命题的重新叩问与艰难突围。我们试图跳脱出传统“以人为本”的个体成就叙事，着重考察社会结构、教育体制、艺术社团以及全球视野如何共同塑造了这一时期独特的艺术面貌。 第一编：晚清遗韵与革新的序曲（1840-1911） 第一章：旧制残存与士人画的困境 本章首先探讨鸦片战争后，传统文人画在体制上的萎缩与观念上的僵化。清廷对艺术的官方审美导向（如“四王”体系的僵化），使得创新动力被压抑。重点分析这一时期，以吴昌硕、任伯年为代表的“海派”艺术家的出现，如何通过对民间艺术、碑学、金石学的借鉴，以及对传统笔墨的“写意”精神进行强力重塑，为后续的变革积累了势能。我们详细考察了吴昌硕“点铁成金”的篆隶入画实践，以及任伯年折衷中西的写实与写意手法，如何实现了对传统“士气”的现代性诠释。 第二章：金石碑学的复兴与“新国画”的萌芽 金石学风的兴起并非孤立的美学运动，它代表着知识分子群体对古老文化源头的重新探寻，是对僵化程式的一种“考古式”反抗。本章聚焦于康有为等人对南北朝碑刻的推崇，如何直接影响了书法的结构与绘画的用笔——笔触趋于雄强、结构更显拙朴。我们分析了这种“复古”倾向如何与时代对“力量感”的呼唤相契合，为“国画”概念的建构提供了视觉语言基础。 第二编：民国肇始：学院化与民族艺术的自觉建构（1912-1937） 第三章：教育革新与“美专”的兴衰 民国初期，教育体系的现代化是艺术转型的关键驱动力。本书将着重分析蔡元培倡导的“美育”思想，以及上海、北京等地美专的设立，如何首次将中国传统绘画纳入规范化的学院教育体系。我们详细考察了杭州、上海、北京三地美专在课程设置、师资聘请（如对留日画家的吸纳）上的差异，以及这些学府如何成为新旧观念交锋的主战场。 第四章：“国画”概念的確立与流派纷争 “国画”一词的诞生，本身就是一种文化主权的宣示。本章深入剖析了以“岭南画派”和“金陵画派”为代表的地方性风格，如何通过地域特色与现代传播手段，上升为全国性的艺术话语。重点分析了关于“素描入画”的争论，这场争论实质上是中国艺术在面对西方形体观念时，对自身“写意”本质的捍卫与重构。我们探讨了对水墨画媒介的“纯化”倾向是如何在这一时期形成其理论基础的。 第五章：徐悲鸿的写实主义与“中国画改良” 徐悲鸿被视为“中国画改良”运动的核心人物。本章不将其简单定位为引进了西方素描，而是将其视为一种社会责任的承担者。分析徐悲鸿如何通过对唐代壁画、宋元院体画的重新发掘，结合法国写实主义的结构观念，试图建立一种既有民族性又有现代普适性的视觉语言。我们对比研究了他在不同时期的教学大纲与创作实践，揭示其改良路径的复杂性与局限性。 第三编：艺术的转型与张力的积蓄（1937-1949） 第六章：西南联大的艺术流亡与文脉的坚守 抗日战争时期，中国艺术的中心南移至昆明，形成了独特的“西南联大”现象。本章聚焦于这一时期艺术家的精神状态与创作主题。在极端的物质匮乏和民族危亡之下，绘画从学院的精英游戏转向了对民间、对历史的深层回溯。重点分析了民间美术（如木刻、皮影）对艺术家的启发，以及水墨画如何在这种流亡中达到了前所未有的精神高度，表现出对家国土地的深沉眷恋。 第七章：新水墨的先声：抽象化的萌芽与媒介的实验 在战争的间歇期，部分前卫艺术家开始探索超越具象描摹的领域。本章详述了受到抽象艺术思潮影响的早期实验。分析了一些艺术家如何通过对笔墨的解构、对宣纸特性的极端发挥，尝试将中国书法的结构美与西方抽象表现主义的动势相结合。尽管这些尝试在当时并未形成主流，但它们为战后“现代水墨”的爆发，提供了不可或缺的理论和视觉积累。 第八章：地域风格的成熟与“中西调和”的再思考 抗战胜利后，艺术界对如何定位“中国艺术的未来”展开了更激烈的辩论。本章详细对比了以张大千的敦煌临摹与再创作，以及上海画家对色彩的吸收与运用。张大千对传统壁画和敦煌艺术的回归，被视为对传统资源进行深度“考古式”开采的典范，而新一代画家则在色彩和构图上更积极地拥抱了立体主义和野兽派的影响，试图在“中西调和”中找到更具个人色彩的平衡点。 结语：从“国画”到“中国画”的语义转换 本书最后总结了近现代近百年间，中国书画艺术如何从一个被动接受外部冲击的“传统艺术”，通过内生的革新与痛苦的自我构建，最终确立起“中国画”这一具有现代性、自觉性和独立学科地位的文化符号。这种转变，不仅是技法的变化，更是文化主体性在现代世界中的艰难确立。本书配有大量罕见的历史照片、早期教科书插图及重要的未刊印手稿，为研究者提供了坚实的视觉证据。 --- 主要章节关键词： 海派、金石学、美育、素描入画、岭南画派、国画改良、西南流亡、新水墨先声、敦煌艺术、现代笔墨精神。

评分☆☆☆☆☆

我得承认，这本书的装帧和版式设计也为它的内容增色不少。那些高清的细节图，简直是教科书级别的存在。很多时候，书店里那些图录印刷的色彩总是有偏差，但这部书在这方面做到了极高的还原度。尤其是在描述那些色彩运用极其复杂的作品时，例如清代宫廷画师对宝石色泽的模仿，书中的配图能够清晰地展示出颜料的层次感和光泽度，这一点对于远程阅读的我们来说至关重要。另外，作者在引用古代文献时，处理得非常干净利落，不会像有些学术著作那样，把大段的古文堆砌在正文里让人望而却步，而是精准地选取最核心的考证点进行阐释，脚注部分则提供了详尽的原始出处，兼顾了学术的严谨性和大众的可读性，这种平衡拿捏得恰到好处，让人读起来非常顺畅和愉快。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对“档案”类的书籍是抱有戒心的，总觉得会是那种佶屈聱牙、充斥着专业术语的学术论文集合。但这本书完全颠覆了我的预期。它成功地将高深的绘画理论知识，巧妙地融入到一个个引人入胜的故事线索中。比如，对于某幅元代花鸟画的鉴定过程，作者并没有直接抛出结论，而是详细描述了不同流派画家在处理“墨分五色”时的细微差别，如何通过观察花瓣边缘的干湿浓淡来判断是否符合特定画家的“指纹”。这种“授人以渔”的讲解方式，让即便是对古代绘画了解不多的读者，也能快速建立起一套自己的审美框架。阅读过程中，我常常需要停下来，对照着书中的图示反复琢磨，体会那种“原来如此”的顿悟感。作者的文字如同放大镜下的微观世界，将那些肉眼难以察觉的笔触变化，通过细腻的文字描绘出来，让观画变成了一种全方位的感官体验，远比在博物馆隔着玻璃看要来得震撼和深刻。

评分☆☆☆☆☆

这本书的格局很大，它超越了单一艺术品的介绍，构建了一个宏大的文化生态系统。它探讨的不仅仅是“画了什么”，更是“为什么这样画”以及“画如何影响了社会”。例如，书中有一章专门分析了明代文人画的兴盛与当时士大夫阶层对功名利禄的反思之间的关联。作者引入了当时的政治气候、哲学思潮，甚至包括造纸业和制墨业的技术进步，来解释为何那一时期的绘画风格会突然转向内敛和写意。这种跨学科的分析视角，让整本书的深度和广度都得到了极大的提升。我感觉自己不是在读一本绘画书籍，而是在重温一部浓缩的、关于中国文人士大夫精神世界的社会史。它激发了我对中国传统文化中“器物与精神”关系的反思，读完之后，看任何一件传世之作，都会多一层对时代背景的敬畏和理解。

评分☆☆☆☆☆

这部《国宝档案：绘画案》的选题角度非常独特，它没有落入传统艺术史的窠臼，而是像一个侦探小说一样，将每一幅国画的流传、修复、甚至背后的政治风波都当作一个“悬案”来细致剖析。我最欣赏的是作者叙事的节奏感，初读时你会觉得这是一部枯燥的文物报告，但随着深入，那些尘封的印章、题跋中的蛛丝马迹，如何被现代科技（比如X光和红外线）一点点揭开真相，那种阅读的快感，简直堪比福尔摩斯在贝克街解谜。特别是对于一幅流传有序的宋代山水画，作者不仅考证了历代收藏者的身份，还通过比对不同朝代的纸张老化程度和颜料成分，推断出画作的某些“失落篇章”可能被割裂或二次装裱的细节。这不仅仅是鉴赏，更是一种跨越时空的对话，让那些冰冷的文物重新拥有了鲜活的生命力和复杂的人性故事。这种将历史考据与悬疑叙事完美结合的笔法，实在令人拍案叫绝，让人忍不住想放下手头所有事情，一口气读完那些关于笔墨和时间的秘密。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我最大的震撼是关于“失落与重构”的主题。它没有回避艺术品在历史长河中遭受的破坏、篡改和误读。其中有一篇关于一幅早期壁画摹本的研究尤为触动我。作者通过对不同时期摹本的对比，细致地还原了原壁画可能具有的原始风貌，并探讨了历代临摹者基于自身审美趣味对原作进行的“二次创作”。这种对历史“不完美性”的坦诚，反而让这部作品显得更加真实和可信。它告诉我们，我们今天所接触到的“国宝”，往往是一个被时间打磨、被无数双手修改过的复合体。阅读它，就像参与了一场漫长而艰辛的文物修复工作，我们不仅欣赏了艺术之美，更理解了历史的脆弱与传承的不易。这本书远不止于知识的传递，更是一种对文化记忆的深沉致敬。