巴赫第六勃兰登堡协奏曲降B大调 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[德] 巴赫 作曲 著

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店铺： 英典图书专营店

出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540429560

商品编码：1463019115

包装：平装

出版时间：2003-04-01

基本信息

书名：巴赫第六勃兰登堡协奏曲降B大调

原价：6.00元

作者：(德)巴赫 作曲

出版社：湖南文艺出版社

出版日期：2003-04-01

ISBN：9787540429560

字数：

页码：36

版次：1

装帧：平装

开本：

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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巴赫的《巴赫第六勃兰登堡协奏曲降B大调》，虽然不能算作曲家乐曲创作事业上的巅峰，但这些协奏曲在音乐史上的地位却是有目共睹、无可替代的。在前面的文章中，我们已经为大家介绍过维瓦尔蒂、亨德尔、科雷利等人的协奏曲，而巴赫的《巴赫第六勃兰登堡协奏曲降B大调》无疑是这些巴洛克风格合奏协奏曲中最为出色的作品之一。本着引导初哥初妹入门的宗旨，巴赫系列首先为大家介绍的便是这六首优美动听的作品，其中并没有过多凝重的宗教色彩，也没有笨重、刻板的乐段，从中我们可以听到许多悠扬、舒心的旋律。
《巴赫第六勃兰登堡协奏曲降B大调》创作时期，当时的巴赫正处在自己一生中生活最安稳惬意的一段时期（科藤时期）。传说1719年时的一个偶然的机会，巴赫为勃兰登堡大公的儿子克利斯蒂安.路德维希演奏，这给侯爵留下了深刻的印象，他便请求巴赫为他的乐队写一些作品。两年后，巴赫送给他六首乐曲，便成就了这套传世之作。但是根据一位德国学者贝塞勒的研究，这种说法并不完整。贝塞勒认为真正要求巴赫创作这些作品的，其实是科藤的青年王子雷奥博。前文提到过，当时作曲家在科藤时正是投靠这位王子才得以获得较为安逸的物质生活，所以巴赫必须按照主人的要求创作一些音乐作品供王子欣赏，这些协奏曲便是很多作品中的一部分。而在1719至1720年间，巴赫去柏林演奏获得成功后，勃兰登堡大要求巴赫送给他一些礼物，作曲家便从自己在科藤创作的作品内选择了这六首曲子赠献给侯爵。

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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弦上的巴洛克回响：探寻音乐史的辉煌篇章 书名： 弦上的巴洛克回响：探寻音乐史的辉煌篇章 内容概述： 本书并非聚焦于某一特定作曲家的某部作品，而是致力于构建一幅宏大而精细的巴洛克音乐全景图。我们旨在带领读者穿越时空，深入到十七世纪上半叶至十八世纪中叶这个充满活力、结构严谨且情感深邃的音乐时代。全书以时间线索和主题分析相结合的方式，系统梳理了巴洛克音乐的起源、发展脉络、核心美学思想以及对后世音乐产生的深远影响。 第一部分：巴洛克曙光——孕育与确立（约1600-1650年） 本部分将考察巴洛克风格从文艺复兴晚期的复调音乐中萌芽的过程。重点分析“第二实践”（Seconda Prattica）理论的提出，它如何挑战了传统的对位法则，转而追求通过音乐来表达强烈的人类情感——“激情”（Affetti）。 第一章：蒙特威尔第与歌剧的诞生 我们将详细探讨克劳迪奥·蒙特威尔第在费拉拉和曼图亚宫廷的创作实践。分析其对早期歌剧《奥菲欧》的革命性贡献，特别是如何运用调性、和声色彩和宣叙调（Recitative）来推动戏剧冲突。本章还会涉及早期清唱剧和神剧的特点，展示音乐如何从纯粹的宗教服务走向世俗的娱乐与情感渲染。 第二章：早期协奏曲的雏形与奏鸣曲的探索 在器乐领域，本章将回顾早期奏鸣曲（Sonata）形式的探索，包括室内奏鸣曲（Sonata da Camera）和教堂奏鸣曲（Sonata da Chiesa）的区别。着重分析维也纳学派的作曲家如乔瓦尼·加布里埃利（Giovanni Gabrieli）在威尼斯圣马可大教堂中对空间音响和多合唱团（Polychoral）技巧的运用，这些为后来的协奏曲精神奠定了基础。同时，对早期大提琴的演奏法和键盘乐器的发展进行简要梳理。 第二部分：巴洛克黄金时代——风格的成熟与扩张（约1650-1725年） 这是巴洛克音乐风格达到顶峰的时期。国家风格（法国、意大利、德国）开始清晰分化，而作曲家们则在对位、和声语言和曲式结构上达到了前所未有的精湛程度。 第三章：意大利器乐的辉煌——协奏曲与炫技 本章的核心在于探讨意大利协奏曲（Concerto）的成熟。我们将详细剖析“快-慢-快”的三乐章结构是如何被固定下来的，以及“合奏与独奏”（Tutti and Solo）之间的戏剧性对话如何构成协奏曲的本质。重点分析小提琴演奏技巧的飞跃，以及以阿坎杰罗·科雷利和安东尼奥·维瓦尔第为代表的大师如何将这种结构推向极致，奠定协奏曲的范式。 第四章：法国路易十四宫廷的典雅与“歌舞”的统治 法国巴洛克的风格以其精致的装饰性、严谨的舞曲节拍和对歌剧序曲的独特处理而著称。本章将聚焦于让-巴蒂斯特·吕利（Jean-Baptiste Lully）对法国歌剧的改革，特别是其“法国式序曲”的结构（慢-快-慢）对欧洲器乐的影响。同时，深入探讨法国键盘音乐中“组曲”（Suite）的典范，如库朗特、萨拉班德、加沃特等舞曲的程式化演绎。 第五章：德国精神的融合——对位法的巅峰 德国音乐家们如何吸收了意大利的协奏精神和法国的结构精致，并将其提升到神学与数学完美结合的高度，是本部分的重中之重。我们将探讨乔治·弗里德里克·亨德尔在伦敦的成功，分析其清唱剧（Oratorio）如何将歌剧的戏剧性与新教的虔诚完美结合，特别是其宏大的合唱段落如何体现出一种普世性的崇高感。 第三部分：巴洛克晚期——集大成与过渡（约1725-1750年） 本部分关注巴洛克音乐的最后一次集中爆发，这是体系化、结构化达到极致的阶段，同时也预示着向洛可可和古典主义过渡的微妙信号。 第六章：对位法的终极探索——赋格的建筑美学 本章将集中讨论赋格（Fugue）这一最复杂和最精密的复调形式。我们将通过分析不同时期赋格的演变轨迹，揭示作曲家如何运用主题的翻转（Inversion）、逆行（Retrograde）和扩大（Augmentation）等技法，构建起逻辑严密、如同建筑般宏伟的音乐结构。探讨赋格作为一种思维方式在器乐和声乐中的体现。 第七章：数字低音的终结与和声语汇的扩展 数字低音（Basso Continuo）作为巴洛克音乐的“骨架”，其作用在这一时期达到了鼎盛。本章将分析键盘乐器（大键琴、管风琴）在低音部即兴演奏和和声支撑中的关键作用。同时，考察作曲家们如何开始尝试更丰富、更不稳定的和弦色彩，为古典主义时期更清晰的调性功能铺平道路。我们也将简要探讨这种对“固定低音”的依赖性如何在新的“旋律优先”的理念下逐渐瓦解。 第八章：器乐合奏的精细化与交响的萌芽 本章将审视巴洛克晚期室内乐的发展，特别是弦乐四重奏雏形的出现。分析作曲家们如何尝试在更小的编制中实现更精细的对话，以及对速度记号、力度记号的精确化要求，这些都体现了对音乐表达精确性的追求。最后，展望“狂飙突进”（Sturm und Drang）思潮对既有巴洛克框架产生的冲击，以及协奏曲和奏鸣曲形式向古典奏鸣曲式转变的必然性。 结语：巴洛克遗产的永恒回响 本书最后一部分将总结巴洛克音乐对后世音乐的遗产，包括其对和声理论的奠基、对管弦乐队编制的初步规范化，以及其在结构逻辑和情感表达上的不朽价值，引导读者重新审视这一辉煌时代的深远意义。 本书特色： 结构清晰： 采用时间轴与主题分析相结合的方式，确保读者能把握历史脉络。 深度解析： 摒弃浅尝辄止的介绍，深入到当时的作曲技法、美学观念和宫廷文化背景中。 强调语境： 每一部作品的分析都置于其所处的社会、宗教和政治语境之下，力求还原音乐的“原味”。 图表辅助： 包含大量的曲式结构图解、和声进行示意图和早期乐器插图，增强视觉理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书（或演奏）的编排脉络清晰得如同精密计算后的航海图。它没有试图用宏大的交响乐编制去压制作品的室内本色，而是忠实地还原了那种小团体的亲密感和互动性。每一个声部都像是独舞者，但他们的舞步却总是围绕着中心的主题完美契合。我特别注意到了低音部的处理，通常在协奏曲中容易被掩盖的低音提琴和羽管键琴的持续低音，在这里被赋予了坚实的支撑力量，它们构成了音乐的“地基”，使得上层的旋律得以自由翱翔而不失根基。这种对基础支撑的重视，体现了对作品结构深层次的理解。它不是一蹴而就的激情爆发，而是一层层精心堆砌的成果，每一次重复都带来新的细节和理解的深化。对于那些渴望深入研究巴洛克复调音乐的听众来说，这无疑是一份极具参考价值的范本。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的整体构思与演奏的室内乐质感，让我仿佛置身于一个光线柔和、有着精致雕花的巴洛克沙龙之中。乐章之间的情绪过渡处理得极其细腻，每一个声部的独立性与整体的和谐性达到了近乎完美的平衡。特别是慢板乐章的处理，那悠长、近乎冥想般的旋律线条，简直是时间凝固的艺术。演奏者似乎没有试图去“解读”巴赫，而是选择了一种更贴近历史本真的方式，让乐谱自己说话。音色的选择偏向温暖、圆润，而非那种现代录音中常见的尖锐或过度清晰，这使得整体听感极为舒适，非常适合在深夜，伴着一杯红酒，沉浸其中。它不像某些版本那样追求炫技或戏剧性，反而展现出一种沉静的力量，让听者能够真正专注于对位法的精妙结构，感受那份数学般精确的美感。从序曲的宏大叙事到赋格的严谨逻辑，这部诠释展现了极高的专业素养和深厚的音乐理解力。它不是快餐式的消遣，而是一次需要耐心品味的审美体验。

评分☆☆☆☆☆

我欣赏这种克制而内敛的表达方式。在充斥着浮躁和快速消费的时代背景下，这本书（或唱片）提供了一个难得的静心之所。它不强迫听者去接受某种激烈的观点或表演方式，而是提供了一个邀请，邀请你进入巴赫那个严谨而又充满美感的音乐世界。它的“美”不是那种外放的、耀眼的光芒，而是一种从内部散发出来的、经久不衰的光泽。特别是那些慢速段落，它们被处理得极其舒缓，仿佛演奏者正在小心翼翼地呵护着每一个音符的生命周期。这种对音符的尊重，延伸到乐句的呼吸、休止符的重量，都显示出极高的艺术修养。它不追求在听觉上的冲击力，而是追求在精神层面的渗透力，让音乐的逻辑和美感在不知不觉中重塑听者的内心秩序。这是一次对“少即是多”原则的完美实践。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，理解巴赫的协奏曲，关键在于把握住“对话”的艺术，而这本书（或者说这张唱片）在这方面做得令人印象深刻。它并非简单地将独奏乐器与合奏团区分开来，而是让它们像几位高谈阔论的哲人，彼此切磋、互相启发。我尤其欣赏其中对节奏处理的灵活性——那些看似笔直的十六分音符跑动，在不同的乐句中被赋予了微妙的弹性，这让音乐摆脱了机械感，充满了生命的气息。它不像某些版本那样刻意强调速度的极限，而是将重点放在了清晰度和呼吸感上。这让我联想到建筑学上的“空间感”，每一个音符都有其恰当的位置和份量，使得整个结构既坚固又轻盈。阅读（或聆听）过程中，我多次被那些意想不到的和声推进所吸引，那些看似不经意的转调，实则蕴含着极其复杂的逻辑推演，体现了作曲家对人类情感的深刻洞察力。这是一次对纯粹音乐形式的致敬。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我起初有些担心这种“传统”的处理方式会不会显得过于沉闷或老套，但事实证明，我的顾虑完全是多余的。这本书（或者说这张专辑）巧妙地在历史准确性和现代可听性之间找到了一个黄金分割点。它保留了巴洛克音乐的韵味，比如在某些高音区的处理上，那种略带“嘶哑”或“颗粒感”的音质，反而比现代乐器追求的完美无瑕更具感染力。最让我感到惊喜的是它对“幽默感”的挖掘。在某些快板乐章中，那种快速的对答和模唱，演奏者处理得非常机智风趣，让人忍不住嘴角上扬，而不是仅仅停留在技术的赞叹上。它成功地证明了巴赫的音乐绝不是学院派的枯燥教条，而是充满活力和人情味的杰作。它需要的不是服从，而是共鸣，而这张专辑的演奏家显然做到了这一点，他们让人感到了音乐中蕴含的喜悦与庆祝的氛围。