具体描述
基本信息
书名:绘画技法
定价：39.80元
售价：25.9元,便宜13.9元,折扣65
作者:仲崇鑫
出版社：新世界出版社
出版日期：2017-06-01
ISBN：9787510461828
字数：
页码：
版次：1
装帧：平装-胶订
开本：16开
商品重量：0.4kg
编辑推荐
本套“绘画技法”系列丛书从线稿的描绘到上色的过程都有十分细致的讲解，并标注了每幅图所使用的彩色铅笔，这种一步步循序渐进的示范方式使读者更容易理解并掌握彩色铅笔的绘画技巧，对初学者来说非常实用。
内容提要
色笔铅画，是一种介于素描和水彩之间的绘画形式。他的独特性在于色彩丰富且细腻，可以表现出较为轻盈、通透的质感。“绘画技法”系列丛书从线稿的描绘到上色的过程都十分细腻、透彻的讲解，并标注了每幅图所使用的彩色铅笔，这种一步步循序渐进的示范方式使读者能更容易理解并掌握色铅笔的绘画技巧。本书的目的不仅仅局限于让读者学会画出书中的案例，更是希望读者通过本书培养绘画兴趣，从而提起笔去画出更多美好的事物。画画一直都是件美好而安静的事，快拿起画笔，跟着本书一起画色铅笔画吧，享受绘画带来的乐趣。
目录
作者介绍
仲崇鑫，毕业于美术院校的“90后”新生代插画师，自幼喜爱绘画，梦想有一天可以画出一个属于自己的小世界。毕业后一直从事插图绘画工作，充满想象力和创造力，经过多年的磨砺，具有深厚的绘画功底和多样的绘画表现形式，擅长色铅笔、素描、写实、Q版、小清新、小温暖多种绘画风格。
画画这件事，绝不是一件只有鲜花和掌声的事情。这条路并不平坦，有挫折，有这样或那样的阻力，但因为有着对绘画的热情，她一直未梦想而坚持！
文摘
序言
用户评价
《绘画技法》这本书，让我最为惊喜的是它在“情感与表现”上的深入挖掘。市面上很多绘画书，侧重点都在技巧本身，如何把形体画得准确，色彩调得协调。而这本书，则更关注“为什么画”。它花了相当多的篇幅去讨论，作为一名绘画者，我们应该如何将自己的情感、思考，甚至是个人的经历，融入到作品之中。它没有生硬地说“你要有情感”，而是通过大量的艺术史案例，展示了那些伟大的作品，是如何触动人心的。它分析了不同时期、不同风格的艺术家，他们是如何通过绘画来表达对人生、对社会、对自然的看法，他们是如何用画笔来呐喊、来倾诉、来赞美。它还探讨了，作为观者，我们又是如何通过画面来共鸣，来感受到作者的情绪。我印象最深刻的是，它鼓励我们去寻找自己内心深处真正想表达的东西，是什么触动了你，是什么让你产生了创作的冲动，然后，再将这份冲动，用绘画这个载体表达出来。它不回避那些“不完美”，甚至认为，恰恰是那些带有艺术家个人印记的“不完美”，才让作品更具生命力和感染力。它还提到了，如何通过一些抽象的元素，比如线条的力度、色彩的饱和度、笔触的厚重感，来直接传达强烈的情感，而无需具象的描绘。这本书让我意识到，绘画不仅仅是一项技能，更是一种与世界对话、与自我对话的方式。它让我开始反思，我的画，想要带给别人什么样的感受？我想通过我的画，传达出什么样的信息？这种对“表现”的思考，比单纯的学习技巧要深刻得多，也更能让我在绘画的道路上走得更远，更坚定。
评分从读者的角度来说，《绘画技法》这本书最大的贡献，在于它对“空间感的营造”有着非常独到和深入的见解。我以前画画，总觉得画面是“平”的，即使画了远处的山，也感觉像是在一块平板上。这本书则详细讲解了如何通过各种手法，在二维的画面上创造出三维的空间感。它从最基础的“近大远小”原理讲起，但又不止于此。它深入探讨了“空气透视”和“色彩透视”的原理，比如远处的景物色彩会变得更加灰暗、偏冷，饱和度也会降低。它还分析了“构图”在营造空间感中的作用，比如利用引导线、对角线构图，能够有效地将观众的视线引入画面深处。书中还提到了“景深”的概念，如何通过虚实对比来拉开画面层次，让近处的物体清晰锐利，远处的则模糊朦胧。我记得它有一个章节专门讲“画面中的呼吸空间”，强调了留白和背景处理的重要性，如何让画面有延伸感，而不是显得拥挤和闭塞。它还引用了许多不同画种的例子，比如西方油画中的“三度空间”的构建，以及中国画中的“散点透视”和“移步换景”的技法，让我看到了不同的文化如何理解和表现空间。这本书让我意识到，空间感不是凭空产生的，而是通过艺术家对观察、构图、色彩、光影等多种元素的综合运用，才能巧妙地在画面中“制造”出来。它让我开始重新审视我的构图，思考如何让我的画面更具深度和广度。
评分《绘画技法》这本书，让我最受用的地方，在于它对“观察与理解”的强调，这绝对是超越单纯技巧本身的内容。通常的绘画书，会告诉你“眼睛看到什么就画什么”，或者给出一些练习来提高你的“手眼协调能力”。但这本书，它更进一步，它在教你如何“看”，如何“理解”。它花费了大量篇幅去讲解，作为一名画家，我们不仅仅是用眼睛去“看”，更要用心去“感受”和“理解”我们所看到的事物。它鼓励我们去思考，为什么这个物体会是这个形状？它的结构是怎样的？它在光线下呈现出怎样的形态？它的材质有什么特点？它背后有什么样的故事？它还特别强调了“主动观察”的重要性，而不是被动地接受信息。它提供了一些非常有趣的观察练习，比如让你去观察一片落叶，不仅仅看它的形状和颜色，还要去观察它的脉络，它的纹理，它在风中的姿态，它所处的环境。它还提到了，如何通过“拆解”物体来理解它的构成，比如一棵树，可以看作是树干、树枝、树叶的组合，而每一部分又有其自身的规律。更重要的是，它将这种“观察与理解”的能力，与“绘画表现”紧密地联系起来，告诉我们，只有真正理解了事物的本质，才能在绘画中将其表现得更加生动、更加传神，而不是停留在表面的模仿。这本书让我明白，绘画不仅仅是“画得像”，更是“理解得深”。它让我从一个“模仿者”变成了一个“思考者”，让我开始更深入地去探索我所描绘的对象，让我的画不仅仅是视觉的呈现，更是我对世界的一种理解和表达。
评分说实话，《绘画技法》这本书的优点，我得从它不落俗套的“入门”方式说起。我之前也接触过一些绘画书籍，很多上来就是介绍画材、工具，然后直接跳到素描的五大调，或者水彩的晕染技巧。但这本不一样，它选择了一个更有趣的切入点——“形状与构成”。它没有一开始就教你画出逼真的物体，而是从最基本的点、线、面开始，讲解它们如何组合，如何形成不同的形状，以及这些形状在画面中的动态关系。我记得它举了一个例子，用最简单的三角形、圆形、方形，就能组合出各种有趣的图案，从抽象的构成，到具象的物体轮廓。这种由简到繁的逻辑，让我觉得非常清晰，就像在搭积木一样，一点点构建起对画面的理解。书中还详细讲解了“留白”的重要性，这点非常打动我。很多时候，我们总想着把画面填满，生怕空着不好看，但作者却强调了留白的空间感，如何通过留白来引导观众的视线，如何让画面有呼吸感，不至于显得拥挤和压抑。它分析了很多经典作品，比如一些中国画和日本画，是如何巧妙运用大面积的留白来突出主题，营造意境的。我还特别喜欢它关于“重复与变化”的章节，讲解了如何通过重复的元素来形成节奏感，又如何通过细微的变化来增加画面的趣味性，避免单调。这本书让我意识到，构成不仅仅是物体在空间中的摆放，更是艺术家在画面中思考和安排的一种内在逻辑。它教会我，在动笔之前，先思考一下“我要画什么”，以及“我希望观众看到什么”，然后如何用最有效的方式去组织画面元素。这种方法论的指导，比单纯的技术指导要深刻得多，它让我从一个“搬运工”变成了一个“建筑师”。
评分《绘画技法》这本书，它在“光影的魔力”这一块，真的给我打开了新世界的大门。我之前一直认为，光影就是用来区分亮部和暗部的，怎么画都可以。但这本让我彻底颠覆了这个认知。它从最基础的光源分析开始，深入浅出地讲解了不同光源（自然光、人造光、散射光、硬光、软光）对物体形态、色彩以及整个画面氛围的影响。它不仅仅告诉你“哪里亮”，还告诉你“为什么亮”，亮部的色彩会受到什么影响，暗部又会呈现出什么样的色彩倾向。它详细分析了“反光”和“投影”的原理，以及它们如何影响物体的立体感和空间感。更重要的是，它强调了光影在“塑造情绪”方面的巨大作用。比如，戏剧性的侧光可以营造出紧张、神秘的氛围；柔和的散射光则能带来宁静、温馨的感觉。它还讲解了如何通过“色彩的冷暖对比”来表现光影的层次和质感，比如在暖色调的环境中，冷色的反光会更加突出。书中还有很多对经典油画作品的光影处理的分析，让我看得目不暇接，那些大师们是如何运用光影来引导观众视线，如何用光影来强调人物的情感，如何用光影来营造空间的深度。它让我意识到，光影不仅仅是物体表面的明暗变化，它本身就是一种“语言”，一种能够直接影响观者情绪和感受的视觉元素。它鼓励我主动去观察生活中的光影变化，并尝试用笔触和色彩去捕捉和表现它们。
评分我得说，《绘画技法》这本书，它在“意境的营造”这方面，真的是做到了独树一帜，而且给我的冲击力特别大。很多绘画教程，都是教你如何把东西画得更像，如何把色彩调得更准，但这本书却一直在强调“画面之外的东西”。它不直接告诉你怎么画好一棵树，而是先让你思考“你想要表现的是什么样的树？是一棵苍劲的老树，还是春天里生机勃勃的小树？它在什么样的环境下？”然后，它会引导你如何通过构图、色彩、光影，甚至是最细微的笔触，去烘托出这种“意境”。它讲到，有时候，少即是多，画面中不画出来的部分，反而比画出来的内容更能引发观众的想象。它引用了很多中国山水画的例子，分析了大师们是如何通过留白、虚实对比，来营造出烟雨朦胧、高远辽阔的意境。它还探讨了如何通过画面中的“氛围感”来传达情感，比如暖色调可能带来温馨、宁静，冷色调可能制造神秘、孤寂。我之前画画，总觉得自己画的东西太“实”，太平淡，没有灵魂。这本书让我明白了，意境不是靠把细节画得越精确就越能体现，反而是通过整体的协调和氛围的营造，让画面“活”起来。它鼓励我去尝试用一些象征性的手法，去表达一些抽象的情感和概念，而不是仅仅停留在对物体的描摹。它还提到，有时候，一个简单的道具，比如一把雨伞，一个飘落的叶子，都能成为点亮整个画面的“意境符号”。这本书让我开始从一个“描绘者”转变为一个“创造者”，去思考如何用画面来“说故事”，来传达一种情绪，一种氛围，一种属于我自己的“意境”。
评分《绘画技法》这本书，我最欣赏它的一个地方在于，它打破了许多传统绘画教学中那种“非黑即白”的僵化观念，尤其是在“笔触与肌理”的处理上。很多教程都告诉你，画素描要用铅笔的各种笔触去表现明暗，画油画要用画刀刮出厚重的肌理。但这本书更进一步，它深入探讨了笔触和肌理不仅仅是表现“技巧”的手段，更是“情感”和“态度”的载体。它分析了不同工具、不同手法所产生的独特“肌理感”，比如用粗糙的画布、大号的画笔，配合快速、有力的笔触，能够营造出一种粗犷、原始的力量感；而用细腻的羊毫，配合轻柔、反复的渲染，则可以表现出丝绸般的柔滑或水墨般的淡雅。它甚至还介绍了如何通过“故意”保留笔触痕迹，来突出画面的手工感和艺术家的创作过程，而不是像照片一样追求绝对的平滑和完美。我记得它举了一个关于表现“动态”的例子，说明如何通过变化多端的笔触，比如短促的、飞溅的、连绵的笔触，来表现风的流动、水的奔涌，甚至是人物的运动速度。这一点让我大开眼界，原来笔触本身也可以“运动”。书中还专门讲了如何根据不同的绘画材料（铅笔、炭笔、水彩、油画、丙烯等）来选择和运用最适合的笔触和肌理表现方式，并且给出了很多非常具体的示范，不是那种“画得很好”的示范，而是“你可以这样尝试”的示范。它鼓励我去探索自己独特的笔触语言，而不是盲目模仿。这本书让我意识到，绘画的魅力不仅仅在于画了什么，还在于“怎么画”的这个过程本身，笔触和肌理就是这个过程留下的最生动的痕迹，是艺术家与画布对话留下的印记。
评分这本《绘画技法》算是我近期翻阅过的比较有意思的工具书了。说实话，刚拿到手的时候，我以为会是一本枯燥乏味的教程，毕竟“技法”这两个字听起来就充满了各种理论和规范。但出乎意料的是，它并没有一开始就抛出大量的素描、色彩理论，而是从一些非常基础但又常常被忽视的细节入手。比如，它花了相当长的篇幅去讲如何观察光影，不是简单地说“哪里亮哪里暗”，而是细致地分析了不同光源（自然光、人造光、点光源、面光源）对物体表面的影响，以及如何通过笔触、色彩的冷暖变化来表现出光线的质感。我印象最深刻的是关于“体积感”的讲解，作者并没有直接说“用明暗来表现体积”，而是通过一个又一个的实例，比如球体、立方体、圆柱体，一步步地剖析了光线如何在这些几何体上形成高光、亮部、灰部、暗部、反光和投影，以及这些区域之间微妙的色彩和明暗过渡。他甚至还提到了一些艺术家如何巧妙地运用“不确定性”的光影来营造氛围，这让我感到非常新奇。我一直以为画画就是把眼睛看到的照搬下来，但这本书让我意识到，绘画其实是一个理解和再创造的过程，是对现实世界的“翻译”。它还提供了一些非常实用的练习方法，比如让我对着台灯，画不同角度的球体，然后分析我画的和实际的有什么区别，为什么会有这种区别。这种带着思考的练习，比单纯模仿范画要有效得多，也更能激发我主动去观察和思考。而且，书中大量的插图并不是那种精美得不真实的示范图，而是很多带有笔触痕迹、甚至看起来有些“不完美”的手绘稿，这反而让我觉得更亲切，更愿意去尝试，因为它告诉你，即使是专业画师，也可能经过反复的修改和尝试。这本书让我真正理解了“技法”不是死板的规则，而是灵活的工具，是帮助我们更好地表达想法和情感的手段。
评分我不得不承认，《绘画技法》这本书在“细节的刻画与提炼”方面，给予了我非常大的启发。我之前画画，总是倾向于把所有东西都画得“完整”，生怕漏掉什么细节。但这本书却告诉了我，有时候，“提炼”比“完整”更重要。它深入分析了，在画面中，哪些细节是需要被强调的，哪些细节是可以被忽略或者简化的。它提出了“视觉焦点”的概念，认为画面应该有明确的主体，而所有其他的元素都应该为这个主体服务。它通过大量的范例，展示了如何通过调整物体的清晰度、色彩的饱和度、光影的对比度，来突出画面中的重点。比如，一个人物的眼睛，往往是传达情绪的关键，所以需要被细致刻画；而远处的背景，则可以适当模糊处理，以衬托前景。它还讲解了“概括”的重要性，尤其是在表现大型物体或者复杂场景时，如何抓住事物的本质特征，用最简练的笔触和色彩来表现，而不是陷入细节的泥潭。它还鼓励我们去研究不同物体表面的“纹理”和“质感”，比如布料的褶皱、金属的光泽、树木的年轮，但同时强调，这些纹理的刻画，应该是服务于整体氛围和情感表达的，而不是机械的复制。这本书让我明白了，绘画的“真”不仅仅在于形似，更在于神似，而这种“神似”，往往就体现在对细节的精准把握和巧妙提炼上。它让我开始学会“取舍”，学会用最少的笔触，描绘出最生动、最有表现力的画面。
评分我之所以给《绘画技法》打高分，很大程度上是因为它在“色彩的语言”这一块做得极其深入且富有启发性。通常的绘画书籍在讲色彩的时候，无非就是讲三原色、三间色、冷暖色、对比色之类的基础知识，然后给你一堆调色板的图片。但这本书不同，它更多地是在探讨“色彩的情感表达”。作者从色彩心理学出发，分析了不同颜色在不同文化和语境下所传达的情感信息。比如，为什么红色会让人感到热情、危险，而蓝色则会带来平静、忧郁。然后，它将这种情感理论与绘画实践结合起来，通过大量的案例分析，展示了艺术家是如何运用色彩来塑造人物性格、烘托场景氛围、甚至传达抽象概念的。我印象特别深刻的是关于“色彩的和谐与冲突”的论述，它不是简单地说“互补色放在一起会冲突”，而是深入分析了色彩在画面中如何通过对比、呼应、过渡来达到视觉上的和谐，或者是有意制造冲突来吸引观众注意力。书中还专门辟了一个章节讲解“色彩的统一性”，这一点对我来说是很大的启发。我之前画画，常常会用到很多鲜艳的颜色，导致画面杂乱无章，没有重点。这本书告诉我，可以通过一个主导色，或者一套色彩关系，来统一整个画面，让所有的色彩都围绕这个主题服务。它还介绍了许多历史上著名画家是如何运用色彩的，比如梵高那极具冲击力的色彩，莫奈印象派的光影色彩，以及伦勃朗的暗部色彩处理。这些分析让我觉得，色彩不仅仅是颜料的混合，更是一种能够“说话”的视觉语言。它让我开始尝试用色彩去“讲故事”，去表达我内心深处的情感，而不是仅仅去“描绘”我看到的。
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