舞台灯光设计概要(中央戏剧学院教材) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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冯德仲 编

图书标签:

• 舞台灯光
• 灯光设计
• 戏剧教学
• 中央戏剧学院
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• 文化艺术

店铺： 博库网旗舰店

出版社： 中国戏剧

ISBN：9787104020578

商品编码：1029446750

开本：16

出版时间：2007-08-01

基本信息

• 商品名称：舞台灯光设计概要(中央戏剧学院教材)
• 作者：冯德仲
• 定价：46
• 出版社：中国戏剧
• ISBN号：9787104020578

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2007-08-01
• 印刷时间：2007-08-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：200
• 字数：220千字

编辑推荐语

本书内容从演出和教学的实际需要开始，简要介绍了舞台灯光的历史发展状况，从专业词汇开始认识镜框舞台剧场；概述了舞台演出灯光空间构成的要点，结合灯光设计专业基础知识的教学和训练内容，以图解的方式阐明了舞台灯光造型艺术的规律和要点以及舞台布光、制图、装台、拆台的制作方法及安全管理要点等演出灯光创作的基本构成；以演出灯光制作实例说明舞台灯光设计创作的过程，以便加深对舞台灯光专业的了解，明确灯光设计专业职责以及舞台协作的相互关系。附录部分编译介绍了国外若干剧场的设备系统状况和与舞台灯光艺术创作相关的专业信息，为演出灯光设计的创作和教学过程的不同阶段提供参考和提示。

作者简介

冯德仲，中央戏剧学院舞台美术系教授，灯光设计与技术专业研究生导师，致力于促进舞台、影视灯光艺术创作的发展和灯光设计专业基础教育的完善。曾在国内外发表多篇学术论文，并主编《国际专业照明设备辑要》等专业书籍。

目录

序
前言
一 剧场与舞台
剧场建筑及舞台照明的发展
舞台常用名称术语
舞台照明常用灯具
二 舞台灯光应用原理
舞台灯光的视觉空间构成
舞台布光造型基础
三 舞台灯光设计基础
布光设计的基本要点
案头剧目剧本分析及灯光设计范例
舞台灯光设计专业本科毕业论文范例
四 舞台灯光设计制图
灯光设计平面制图及手绘制图模板
舞台、电视灯光设计制图系列模板使用图例
从预想到实现的舞台空间——wysiwyg灯光设计软件
五 演出灯光设计创作过程
创作过程和要点
剧场演出剧目灯光设计实例
六 演出灯光的安全要点
附录
镜框舞台剧场实例
舞台监督与灯光设计的工作关系
活跃在美国的女灯光师

舞台灯光设计：技术、艺术与实践的深度探索 本书旨在为舞台灯光领域提供一套全面、深入且具有前瞻性的指导。它不侧重于特定剧目的案例分析，而是聚焦于构建灯光设计知识体系的核心要素，涵盖了从基础光学原理到复杂数字控制系统的全方位内容。 本书的结构设计遵循了从理论到实践、从基础到高级的逻辑递进关系，力求为读者构建一个扎实且富有应用性的知识框架。 第一部分：光学的物理基础与视觉感知 本部分详尽阐述了灯光设计赖以存在的基础——光本身的物理特性及其在人类视觉系统中的转化过程。 1. 光与色彩的科学原理： 深入探讨了可见光谱的构成、光的传播、反射、折射及衍射现象。详细解析了色温（CCT）、显色指数（CRI）的量化标准及其在舞台环境中的实际意义。重点解析了色彩混合理论（加色混合与减色混合），并结合舞台实践，探讨了如何通过不同光谱的混合来精确控制舞台色彩的情绪基调与视觉层次。此外，本书还用大量的图表和实验数据，解释了滤光片的工作原理，包括其光谱截止特性和热稳定性要求。 2. 人眼的生理与心理响应： 本章超越了纯粹的光学计算，转向了人机交互的层面。研究了视觉暂留、明暗适应机制，以及色彩恒常性在舞台动态变化中的影响。详细分析了视觉错觉在灯光设计中的应用潜力，例如如何通过亮度对比和色彩对比来引导观众的注意力焦点，如何利用运动光线创造速度感或稳定感。对心理学层面的色彩象征意义进行了跨文化对比分析，强调设计者在进行情感表达时必须考虑的观众群体基础。 3. 舞台照明的物理环境建模： 分析了不同材质（如织物、金属、皮肤）对光线吸收、散射和漫射的差异。本书提供了计算不同角度光照强度（照度）所需的光通量模型，并介绍了如何利用照度计和测光表对舞台空间进行精确的预评估。探讨了雾气、烟雾等大气介质对光束可见性（Beam Angle）和光场均匀性的影响。 第二部分：灯具、光源与控制系统的技术演进 本部分聚焦于实现灯光效果的“工具箱”，系统地梳理了现代舞台照明设备的技术发展脉络及其核心性能参数。 1. 传统与现代光源技术对比： 详细比较了白炽灯、卤素灯、荧光灯、高强度气体放电灯（HMI、Metal Halide）以及最前沿的LED光源在效率、寿命、发热量、色彩还原能力和响应速度上的优劣。对LED技术的驱动电路、散热管理和色彩混合技术（如RGBW、RGBAL等）进行了深入剖析。着重讲解了不同光源在实际演出中可能出现的“频闪”问题及其规避措施。 2. 灯具光学结构与功能分类： 对聚光灯（Profile Spot）、泛光灯（Wash Light）、电脑灯（Moving Head Fixture）等主流灯具的光学路径进行了结构分解图解。深入讲解了菲涅尔透镜、艾斯平透镜、格栅透镜的成像原理及其在不同场景下的适用性。本书对灯具内部的机械结构（如摇头机构、调焦机构、调光系统）的可靠性设计进行了技术评估。 3. 数字调光与控制网络协议： 系统介绍了舞台灯光控制从电阻调光、晶闸管（SCR）调光到更先进的固态调光器的技术演变。重点讲解了DMX 512协议的数据结构、传输时序及常见故障排查方法。此外，本书投入大量篇幅介绍新型网络化控制系统，如Art-Net和sACN协议的工作原理、IP寻址设置以及网络拓扑结构设计，强调了系统稳定性和容错性设计的重要性。 第三部分：灯光设计方法论与流程管理 本部分将技术工具与艺术创意相结合，构建起一个完整的、可复制的设计工作流程。 1. 设计理念的提炼与可视化： 强调设计前期“文本分析”的重要性，指导设计者如何从剧本、导演阐述和历史背景中提取核心视觉需求。系统介绍了概念草图（Thumbnails）、侧视图（Section View）和灯位图（Plot Drawing）的绘制标准与规范。重点解析了如何利用“情绪板”（Mood Board）和“灯光效果示意图”（Light Cue Sheet Mock-up）与技术团队进行有效沟通。 2. 舞台空间与布景的集成设计： 探讨了灯光如何与舞台建筑结构、多媒体投影表面以及实体布景发生空间关系。分析了“上光”、“下面光”、“侧逆光”等基础光位对演员体型塑造和空间层次感构建的影响。强调了在多层空间和大型结构中，如何利用光线引导观众视线，避免光束间的相互干扰。 3. 预编程与现场执行的精确控制： 详细阐述了灯光编程的艺术性与精确性。讲解了如何设置调光曲线（Fading Curves）以实现不同情绪的平滑过渡或突变效果。系统介绍了“追光”（Followspot）的操作技巧、多机位切换的调度策略，以及在彩排过程中进行“灯光修正”（Touch-up）的有效方法，确保设计意图在技术层面上得到完美再现。 4. 场地适应性与技术安全规范： 本章作为实践环节的保障，详细列举了不同类型演出场地（如黑匣子、镜框式、伸展式舞台）对灯光系统的特殊要求。涵盖了负载计算、电路安全规范、防火措施，以及紧急状态下的灯光备份与切换预案，确保所有设计方案均符合行业最高的安全标准。 本书的编写风格严谨、逻辑清晰，注重原理的深入探讨而非仅仅停留在操作层面，旨在培养设计者独立思考和解决复杂技术问题的能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书真正体现出“中央戏剧学院教材”的权威性与实用价值，在于它对规范和标准的坚持。在灯光设计的世界里，精确度和安全性是至关重要的，书中对安全用电、设备维护、以及行业标准术语的界定，都做得一丝不苟。这对于一个希望未来能进入专业领域的人来说，是无价的财富。它不仅仅是传授设计灵感，更是培养一种职业素养。我尤其欣赏其中穿插的那些关于“设计伦理”的讨论，比如如何平衡艺术效果与预算限制，如何与导演、舞美部门进行高效沟通的技巧。这些“软技能”的指导，往往是其他技术类书籍所忽略的。总而言之，这本书提供了一个全景式的、结构严谨的灯光设计知识图谱，让人从理论基石到实践操作，都有了清晰的路径指引，是系统学习该领域的必备工具书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排得非常巧妙，它似乎遵循着从宏观到微观，再到实践运用的逻辑链条。初期的基础知识奠定了坚实的理论框架，让你在面对复杂的舞台设计图纸时，不会感到迷茫。而当我翻到关于不同剧种的灯光处理章节时，那种感觉尤为强烈。例如，对歌剧、话剧、舞剧在照明需求上的区分，清晰地展示了媒介差异如何影响技术选择。它不像市面上那些泛泛而谈的入门书籍，仅仅是罗列一些通用的技巧，而是真正深入到不同艺术形式的内核中去探讨“光为谁服务”的问题。尤其让我受益匪浅的是其中关于历史灯光风格演变的部分，了解了从油灯时代到现代LED时代的变迁，这不仅是设备的发展史，更是审美趣味的迭代史，让我能站在更高的历史维度上去审视当下的设计趋势，避免陷入盲目追新的误区。

评分☆☆☆☆☆

这部《舞台灯光设计概要（中央戏剧学院教材）》的书名本身就给人一种严谨、专业的印象，让人联想到学术殿堂里的扎实基础训练。我拿起它的时候，首先被吸引的是那种教科书特有的排版风格，虽然不像小说那样情节跌宕起伏，但它自带一种沉静的力量，仿佛在邀请你一步步走进光影艺术的殿堂。我本来是对灯光设计很有兴趣，但总觉得这个领域既神秘又技术性太强，难以捉摸。这本书的引入，让我感觉像是有了一个资深的导师在身边，耐心地为你拆解每一个概念。比如，书中对不同色温灯光的物理特性解析，那种深入到光谱层面的讨论，虽然初看起来有些枯燥，但一旦理解了背后的科学原理，你再去看任何舞台表演时，对灯光色的情感表达就会有一个全新的认识。它不再是简单的“亮”与“暗”，而是充满了物理学和美学的交织。书中对舞台空间的处理，也绝非仅仅是提供几个照明角度的图例，而是探讨如何通过光束的汇聚与消散，来引导观众的视线，建立场景的层次感与深度感，这种对空间戏剧性的构建，让我对灯光有了更深层次的敬畏。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余爱好者，我原本以为灯光设计无非就是学会操作控台，堆砌设备参数。然而，这本书真正让我震撼的是它对于“光的情绪语言”的挖掘。它不是教你“怎么做”一个效果，而是教你“为什么”要这么做。记得书中有一章节专门讲了如何用逆光来塑造人物的轮廓和心理状态，那种细腻的笔触，将物理的光线与角色的内心活动紧密地联系起来，读来令人拍案叫绝。那种感觉，就像是突然拿到了一个解读莎士比亚戏剧隐喻的密钥。它让我意识到，顶尖的灯光设计师不仅仅是技术人员，更是视觉诗人。我开始重新审视过去看过的那些经典剧目，那些曾经让我感动流泪的瞬间，现在回想起来，背后都有精准的光学设计在支撑。这种对艺术哲思的探讨，远超出了我对于一本“概要”的期待，它更像是一部关于如何用光线叙事的宣言书，强调了光线在戏剧结构中不可替代的主导地位。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的阅读过程，需要一定的专注力和耐性，它不是那种可以快速“扫读”就能掌握的材料。每一个案例分析和术语的解释，都要求读者有主动思考的过程。对我而言，最大的挑战在于那些关于照明控制系统和设备选型的部分。书中对不同年代控制台的原理描述，虽然详尽，但也确实需要结合实际的设备图才能更有效地吸收。不过，正是这种“需要投入”的特性，反而让我更加珍惜读到的每一个知识点。它教会了我，艺术的殿堂不是靠运气就能进入的，而是需要脚踏实地的学习和反复的推敲。读完之后，我再去看那些专业的灯光设计书籍，感觉就像是跨越了一个门槛，原本晦涩难懂的专业术语，现在都变得清晰起来，这是一种由量变引发质变的飞跃感。