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列文 著

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• 钢琴
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• 基础技巧
• 入门教程
• 音乐教学
• 演奏技巧
• 音乐基础
• 钢琴练习
• 音乐学习

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103013588

版次：1

商品编码：11084479

品牌：人民音乐出版社（PEOPLE’S MUSIC PIBLISHING HOUSE）

包装：平装

开本：32开

出版时间：1981-05-01

用纸：胶版纸

页数：53

正文语种：中文

内容简介

《钢琴弹奏的基本法则》以钢琴学习者和钢琴教师为对象，以讲座的形式，用散文的体裁，讲述了钢琴弹奏各个方面的基本法则。著者提出，弹奏钢琴时应当用指尖的衬有肉垫的部分去触键，手指触键时只用掌指关节（即手掌和手指连接的关节）的运动，以便产生“美音”；放松腕部作为产生美音的辅助作用；以及在纤巧弹奏时以手臂“漂浮在空中”的感觉，来代替普通所谓的“放松”，等等。这些基本法则，在今天的钢琴演奏和钢琴教学上仍然是广泛被人采用的一个学派的方法。

内页插图

目录

译者序
第一章
现代的钢琴
不可忽略的学习事项
对于休止符的不注意
发展节奏感
听节奏明显的音乐

第二章
音乐家的基础
听觉训练的意义
佳良触键的要义
把琴键压到底

第三章
美音的秘密
嘹亮如歌的音
腕部在产生美音时的作用

第四章
纤巧的弹奏
技巧方面
漂浮在空中
一些重要的问题
强力弹奏和它的意义
腕部的自然清晨作用
弹奏上的准确性

第五章
准确的弹奏
两个重要的因素
关于断奏的二三事
优美连奏的基础

第六章
关于很快学会背奏的人
每天的练习
保证练习的多样化
快速弹奏的要求
炫技弹奏的危险
踏板运用时的危险

精彩书摘

第三章
美音的秘密
在前章我们曾允诺过将就美音的秘密加以探讨。在这里，我们必须特别注意个性的问题。首先，每个钢琴的学习者要想得到美音，心中应有明确的概念：怎样才是美音。有的人天生有美音的感觉，他无需旁人告诉他，自己就知道怎样是美音。美音好像有些人在色彩方面所具有的对照的感觉。在色彩方面，没有这种感觉的人叫做“色盲”。假使你有美音的感觉，那你是幸运的。假使没有，也不要失望；因为你下一番苦功，注意聆听富有美音的大钢琴家的演奏，也能发展美音的感觉。我曾看见无数学习者，他们本来弹出的音很不好听，但由于通过顽强努力发展了美音，使其达到异常美好的程度。不过，如果对美音完全是一个“音盲”，那是没有什么希望的。
另一方面，有些学习者具有音的自然的感觉，可是没有技术上的能力，使他能在钢琴上奏出美音来。我现在就是针对着这班人来讲述的。使手和臂适合于产生美音的条件，整个问题就解决了一大半。这就是说，学习者必须在心目中明确怎样才能在弹奏上促进美音的产生。在我向老师学习和个人就技术法则进行探讨中，还有通过倾听从安东·鲁宾什坦直到现代的许多大钢琴家的演奏，我所发现的某些基本事实表明，有美音者与无美音者是大有区别的。
在前章里，我们曾经讲过手指触键的部分。如果触键的部分是衬有肉垫的，则所发之音远比硬的、多骨的手指所弹出的为优。所以，要想获得优美、嘹亮、如歌的美音，去代替生硬的、金属性的音，首先要尽力甩手指的有弹性的部分来触键。指尖的哪个部分是有弹性的昵，肯定不是靠近抬甲的部分，甩那个部分弹出来的音是生硬的、千巴巴的；应当是在手指第一节稍靠下面的部分，那里有一块柔软而富子弹性的肉垫。要用手指的这个部位来触键，而不是像旧的欧洲教学法所主张的那样用指尖部分来触键。为求做到这一点，你要特别注意第——章里所示的图例（第17页），在那里曾明白地指出，手指作为一个整体在运动，屈曲的部分仅在手与指关连的那一节。
……

前言/序言

好的，这是一份关于一本名为《建筑结构设计原理》的图书的详细介绍： --- 《建筑结构设计原理》 导论：结构思维的基石 《建筑结构设计原理》是一部面向土木工程、建筑学及相关领域专业人士和学生的综合性教材与参考手册。本书的核心目标是构建读者对现代建筑结构系统在各种荷载作用下的响应机制的深刻理解，并阐明从概念设计到详图实施的全过程中的基本设计准则与规范要求。 本书不涉及具体的乐器演奏技巧、乐理知识或音乐历史等内容。它专注于固体力学在工程领域的应用，是理解如何使人造结构安全、耐久、经济地矗立于大地之上的理论与实践指南。 第一部分：结构力学的理论基础与分析方法 本部分旨在为读者奠定坚实的力学分析基础，这是所有结构设计工作的出发点。 第一章：材料力学基础回顾与拓展 本章系统回顾了应力、应变、弹性模量、泊松比等基本概念，并在此基础上深入探讨了材料在复杂应力状态下的行为。重点分析了广义胡克定律、 Mohr 圆在二维和三维应力分析中的应用，以及材料的屈服准则（如冯·米塞斯准则）。对于钢筋混凝土和结构钢材，详细阐述了不同应力状态下的本构关系模型，包括弹塑性变形的描述。 第二章：结构体系与静力平衡 本章界定了结构的基本组成单元——杆件、梁、柱、板和壳体，并清晰地分类了结构体系（如框架结构、剪力墙结构、筒体结构等）。核心内容聚焦于静定结构与超静定结构的判定。对于静定结构，通过平衡方程直接求解内力；对于超静定结构，则系统介绍了位移法（刚度法） 和挠度变形法（柔度法） 的基本原理和应用步骤，为后续的计算机分析打下理论基础。 第三章：梁与框架结构的内力分析 本章是结构分析的实践核心。详细阐述了梁的剪力图（V-图）和弯矩图（M-图）的绘制方法，包括集中荷载、均布荷载以及动荷载下的分析技巧。对于多层和高层框架结构，引入了荷载分配法和倾覆力矩的计算，并分析了平面框架在水平荷载作用下的位移和内力响应。 第四章：结构动力学初步 本章引入时间变量，探讨结构在动态荷载下的响应。从单自由度体系的自由振动和受迫振动分析入手，推导了振动方程。重点分析了地震作用的模拟方法，介绍了反应谱分析的基本概念及其在结构抗震设计中的应用，强调了结构自振周期的重要性。 第二部分：荷载的确定与结构抗力设计 理解结构需要承受什么（荷载）以及如何抵抗这些荷载（抗力设计）是设计规范的核心。 第五章：建筑荷载的确定与组合 本章全面梳理了结构设计中必须考虑的荷载类型，包括恒载、活载、风荷载、雪荷载、地震作用以及温度作用。详细阐述了国家和国际规范（如Eurocodes或AISC/ACI）中关于各种荷载取值、计算域的规定。特别强调了荷载分项系数和组合系数的选取原则，以确保结构的可靠性水平。 第六章：钢结构设计原理与细部构造 本章聚焦于结构钢材的应用。从材料特性出发，讲解了承载力极限状态设计理念。核心内容包括：梁的抗弯、抗剪承载力验算，柱的轴心受压和偏心受压稳定性分析（欧拉公式的局限性与实际应用的修正），以及连接的设计（焊缝与螺栓连接的强度和刚度设计）。本书还深入探讨了钢结构的疲劳验算和局部失稳的预防措施。 第七章：钢筋混凝土结构设计原理 本章是关于混凝土作为受压材料、钢筋作为受拉材料的组合体系的设计。详细介绍了截面极限承载力分析，包括大偏心受压、小偏心受弯等各种情况的计算模型（如平面假设、应力-应变曲线的选取）。重点阐述了抗剪承载力设计、裂缝控制和长期作用下（徐变与收缩）的应力重分布问题。 第八章：结构整体稳定性与抗倾覆 本章关注整体结构的宏观失稳问题。对于高层建筑，系统讲解了侧向刚度的设计要求，包括剪力墙的布置原则、支撑体系的优化以及框架的刚性位移限值。详细分析了风荷载和地震作用下的倾覆验算，确保结构在极端荷载下基础处的稳定。 第三部分：现代理论与先进设计方法 本部分超越了传统的设计规范，引入了现代结构分析和优化技术。 第九章：极限状态设计法与可靠性理论 本书采用了现代结构设计的核心思想——概率极限状态设计法（LSD）。详细解释了抗力分项系数和荷载分项系数的确定依据，以及如何通过可靠指标 $eta$ 来量化结构的安全性。这使得读者能够理解规范背后蕴含的风险控制逻辑，而非仅仅进行数值套用。 第十章：板、壳与地基结构 深入研究二维和三维受力构件的设计。梁板体系中，详细分析了双向板的应力分析（如荷载格架法或弹性理论解）。对于地基结构，讲解了地基的承载力确定、地基变形计算，以及筏板基础和桩基础的初步设计原则，确保上部结构与持力层的有效衔接。 第十一章：结构优化与性能化设计概述 本章展望了未来结构工程的发展方向。探讨了拓扑优化在结构布局中的应用，以及如何通过多目标优化实现材料使用效率与结构性能之间的平衡。简要介绍了隔震减震技术、结构健康监测（SHM） 的基本原理，以及如何在规范框架外，实现更高性能的结构设计目标。 结语 《建筑结构设计原理》是一本力求严谨、全面且与工程实践紧密结合的著作。它强调理论的深度与实践的可操作性并重，旨在培养工程师的结构直觉与严谨的科学态度，确保所设计的建筑能够在生命周期内安全、高效地服务于社会。本书内容与音乐、弹奏等领域完全无关。 ---

评分☆☆☆☆☆

我一直对钢琴演奏有着一种莫名的向往，但总觉得自己没有“天赋”，很难学好。市面上也看了不少钢琴教程，但要么是过于初级，要么是过于高深，让我无从下手。直到我翻开这本书，我才找到了真正的方向。这本书的语言非常亲切，就像和一位经验丰富的老朋友在聊天，它用最简单、最易懂的方式，解释了那些曾经让我头疼不已的乐理概念。我最喜欢的是它关于“力度控制”和“踏板运用”的讲解。我以前弹琴总是控制不好力度，要么太轻，要么太重，听起来非常生硬。这本书通过一系列的练习，让我逐渐掌握了细腻的力度变化，能够弹奏出柔软如丝、有力如锤的各种音色。而且，它对踏板的讲解也让我茅塞顿开，原来踏板不仅仅是为了让声音延长，更是能够塑造声音的色彩和空间感。我发现，当我真正理解了踏板的用法，我的演奏立刻变得更加丰满和富有层次。这本书让我重新找回了学习钢琴的信心，并且让我相信，只要方法得当，任何人都可以弹出优美的音乐。

评分☆☆☆☆☆

这本书的设计真的太贴心了！我之前学习钢琴，最大的困扰就是不知道如何将理论知识转化为实际的演奏技巧。这本书恰恰弥补了这一点。它不像其他教材那样，只是罗列一堆枯燥的公式和规则，而是通过大量的实际案例，将枯燥的理论知识“具象化”了。我印象深刻的是书中关于“和弦构成”和“转调技巧”的讲解。我以前总是觉得和弦非常复杂，难以记忆和运用。这本书用非常直观的方式，将和弦的构成拆解开来，并且提供了很多实用的练习，让我能够快速地掌握和弦的运用。而且，它在讲解转调时，也非常注重音乐的连贯性和流畅性，避免了生硬的跳跃。我发现，当我能够灵活地运用和弦和进行转调时，我能够弹奏的曲目范围一下子就扩大了很多。这本书的编排也很有条理，每一章都承接上一章的内容，让我能够循序渐进地学习，不会感到 overwhelming。总之，这本书让我感觉就像拥有了一位全方位的钢琴指导老师，让我能够系统地、有效地提升自己的钢琴演奏水平。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，简直就是为我这样半路出家的钢琴爱好者量身定做的！我之前尝试过很多方法学琴，但总是卡在某个瓶颈，感觉自己永远也无法达到那种“行云流水”的境界。这本书就像一座桥梁，把我从迷茫带到了清晰。它没有回避任何基础乐理的重要性，但又巧妙地将它们融入到实际的演奏技巧中。我印象最深刻的是关于“手指独立性”的讲解，书中用非常形象的比喻，比如想象每个手指都像一个独立的士兵，有自己的任务和指令，这让我不再觉得手指协调训练是件枯燥的事情，反而充满了一种策略性和趣味性。而且，这本书非常注重“听觉”的训练，提醒我们时刻关注自己弹奏出来的声音，学会辨别音色、音量、音准的细微差别。我开始意识到，很多时候我们觉得自己弹得不好，并不是因为手指不够灵活，而是我们没有“听”到自己弹奏出的问题。书中提供的一些聆听练习，帮助我建立了一个更敏锐的听觉系统，现在我能够更准确地找到自己需要改进的地方。这本书让我感觉到，学习钢琴不再是一件“苦差事”，而是一个不断发现和探索的过程，充满了惊喜和成就感。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我拿到这本书的时候，并没有抱太大的期望。我之前看过不少钢琴教学的书籍，大多数都让我觉得过于理论化，或者过于浅显，很难真正触及到我想要提升的那个层面。但是，这本书完全打破了我的刻板印象。它的深度恰到好处，既有扎实的理论基础，又有着极其丰富的实践指导。我尤其欣赏它在讲解“乐句划分”和“节奏处理”方面的独到之处。很多时候，我们弹奏的乐曲听起来干瘪乏味，就是因为缺乏情感的起伏和节奏的呼吸感。这本书通过大量的例子，教会我们如何去“呼吸”音乐，如何让乐句像说话一样有起伏和抑扬顿挫。它引导我去思考每一个音符背后的情感，去体会作曲家想要传达的意境。我开始尝试着将书中的一些概念运用到我的日常练习中，结果是惊人的。我的演奏不再是简单的音符堆砌，而是充满了生命力和感染力。我甚至开始能够理解一些更复杂的音乐作品，并且能够用自己的方式去解读和表达。这本书不仅仅是一本教材，更像是一个音乐的启蒙者，让我重新认识了音乐的魅力。

评分☆☆☆☆☆

这本书实在是太出乎我的意料了！我原本以为会是一本枯燥乏味的理论讲解，结果完全颠覆了我的认知。这本书的语言非常生动有趣，作者仿佛是一个经验丰富的老师，用循序渐进的方式，将那些原本可能让人望而却步的乐理知识，变得如同故事一般引人入胜。我尤其喜欢它对于“感觉”的探讨，很多时候我们学琴，只是机械地模仿，却不知道为什么。这本书深入浅出地剖析了手指的触感、踏板的运用如何影响声音的质感，甚至连呼吸的节奏都与音乐的表达息息相关。它不仅仅是告诉你“怎么弹”，更重要的是让你明白“为什么这么弹”。我经常在练习的时候，脑海里会浮现书中的一些比喻，比如将手指比作小鸟的翅膀，要有力量又要有弹性，这让我的演奏立刻变得更加生动。而且，书中提供的练习方法也非常实用，不是那种纸上谈兵的空洞理论，而是真正能够帮助我们在实际演奏中解决问题。我发现自己对乐谱的理解也变得更加深刻了，不再是孤立的音符，而是能够感受到它们之间的联系和情感的流动。这本书给我带来的不仅仅是技巧上的提升，更多的是一种对音乐的全新理解和热爱。

评分☆☆☆☆☆

很薄的小册子，但很实用。属大家小书吧，值得购买，很有帮助。

评分☆☆☆☆☆

好书，值得推荐。

评分☆☆☆☆☆

很好很好很好很好很好

评分☆☆☆☆☆

起源古典音乐是一个含义广泛的术语，广义的西洋古典音乐是指那些从西方中世纪开始至今、并在欧洲主流文化背景下创作的音乐，或者指植根于西方传统礼拜式音乐和世俗音乐，其范围涵盖了约公元9世纪至今的全部时期。主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐。在地理上，这些音乐主要创作于欧洲和美洲，这是相对于非西方音乐而言的。另外，西洋古典音乐主要以乐谱记录和传播，和大多数民间音乐口传心授的模式不同。　　亦有人认为“古典”是对应于“流行”而言的，因为这些音乐经得起时间的考验，能够引起不同时代听众的共鸣，故认为应当称之为“经典”（classic）的音乐。　　但如果细究古典一词，本意可以理解为古代留传下来堪称经典的音乐作品（古代+经典），但是一般来说，古典音乐是具有规则性本质的音乐，具有平衡、明晰的特点，注重形式的美感，被认为具有持久的价值，而不仅仅是在一个特定的时代流行。这也体现于“古典”（classical）与“经典”（classic）的不同。　　古典音乐（classical music）本来是专指德奥在1750—1830年间以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的音乐，即所谓“维也纳古典乐派”的音乐（或翻译为“维也纳古典主义音乐”）。这就是狭义的古典音乐。　　从这个狭义的古典音乐概念出发，我们可以向前追溯到巴赫、韩德尔，乃至更早的宗教音乐（含天主教即罗马公教，东正教，基督新教），向后延伸到浪漫主义、民族乐派，以及20世纪西方的现代音乐。这些都是广义的古典音乐，也就是基于这个传统的，无论是继承和发扬这个传统，还是试图以创新来突破这个传统的音乐创作尝试，都可以归入古典音乐之内。而在这个传统外独立发展的音乐，虽然有借鉴和影响古典音乐创作的，但是一般也不归入古典音乐之内，比如爵士乐、摇滚乐，以及东方一些民族的音乐。　　因此对于广义的“古典音乐”这个词来说，欧洲艺术音乐的定义更加准确。历史沿革格里高利时期古典音乐丛书　　说到欧洲古典音乐，不能不提到中世纪伊丽莎白时期，格里高利时期的音乐，其中，占主导地位的是宗教音乐！当时的人们对基督的信仰与崇拜，直接影响到了当时社会的政治与音乐，当时的音乐，只是纯粹的宗教用途，只限于在教堂中演唱，没有乐器，但是，却对今后的音乐发展起到了重要的作用！文艺复兴的影响　　到了1450年，欧洲音乐开始进入了文艺复兴时期，因为当时的欧洲政治的不稳定，教廷的威信与势力开始衰弱，资产阶级萌芽，为了适应当时社会的发展与人们的新思想，音乐开始宣扬以人为本的思想，所以在各个领域里都开始了文艺复兴运动，也就是在那时，欧洲传统的大小调式逐渐形成！　　欧洲到了1600年开始，进入了一个大发展的时期——巴洛克时期，那时候不仅产生了象大家所熟知的巴赫，亨德尔等伟大的作曲家，歌剧，协奏曲，奏鸣曲等题材相继被创造发展出来。乐风转变　　当欧洲音乐进入古典时期后，也就是在1750年巴赫逝世后，欧洲复调后继无人，乐风转向简洁实用的主调，那时候，出现了三位音乐大师：“交响乐之父”海顿，“神童”莫扎特，以及“乐圣”贝多芬！音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐！　　在1827年贝多芬逝世后，结束了严谨的古典主义时期。当时的欧洲正在接受浪漫主义的洗礼，当时的作曲家把作曲当作抒发内心情感的手段，对音乐的审美也有了进一步的发展，产生了炫技等音乐表现手法！如当时的帕格尼尼，李斯特等就是那时红极一时的演奏家！音乐表现，风格也日趋丰富，出现了一些以民族音乐语言进行创作的民族作曲家，如芬兰的西贝柳斯，挪威的格里格，俄罗斯的五人强力集团等，都是民族乐派的伟大作曲家。 古典音乐丛书时间进入19世纪，出现了以德彪西为首的印象派音乐！音乐表现极具色彩化，和当时的绘画风格有相同之处！　　在浪漫主义后期，也就是欧洲调性体系发展到了最辉煌也是最后的时期，我不得不提到拉赫马尼诺夫，马勒等作曲家，他们把欧洲传统作曲法发展到了极致，当然也包括新的尝试，出现了像马勒第八交响曲《千人合唱》这样的宏大的作品。再者，就是斯特拉文斯基，他的新古典主义崇尚复调和对位法，采用多调性，为以后的传统作曲法到先锋音乐的过渡起到了至关重要的作用！

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起源古典音乐是一个含义广泛的术语，广义的西洋古典音乐是指那些从西方中世纪开始至今、并在欧洲主流文化背景下创作的音乐，或者指植根于西方传统礼拜式音乐和世俗音乐，其范围涵盖了约公元9世纪至今的全部时期。主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐。在地理上，这些音乐主要创作于欧洲和美洲，这是相对于非西方音乐而言的。另外，西洋古典音乐主要以乐谱记录和传播，和大多数民间音乐口传心授的模式不同。　　亦有人认为“古典”是对应于“流行”而言的，因为这些音乐经得起时间的考验，能够引起不同时代听众的共鸣，故认为应当称之为“经典”（classic）的音乐。　　但如果细究古典一词，本意可以理解为古代留传下来堪称经典的音乐作品（古代+经典），但是一般来说，古典音乐是具有规则性本质的音乐，具有平衡、明晰的特点，注重形式的美感，被认为具有持久的价值，而不仅仅是在一个特定的时代流行。这也体现于“古典”（classical）与“经典”（classic）的不同。　　古典音乐（classical music）本来是专指德奥在1750—1830年间以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的音乐，即所谓“维也纳古典乐派”的音乐（或翻译为“维也纳古典主义音乐”）。这就是狭义的古典音乐。　　从这个狭义的古典音乐概念出发，我们可以向前追溯到巴赫、韩德尔，乃至更早的宗教音乐（含天主教即罗马公教，东正教，基督新教），向后延伸到浪漫主义、民族乐派，以及20世纪西方的现代音乐。这些都是广义的古典音乐，也就是基于这个传统的，无论是继承和发扬这个传统，还是试图以创新来突破这个传统的音乐创作尝试，都可以归入古典音乐之内。而在这个传统外独立发展的音乐，虽然有借鉴和影响古典音乐创作的，但是一般也不归入古典音乐之内，比如爵士乐、摇滚乐，以及东方一些民族的音乐。　　因此对于广义的“古典音乐”这个词来说，欧洲艺术音乐的定义更加准确。历史沿革格里高利时期古典音乐丛书　　说到欧洲古典音乐，不能不提到中世纪伊丽莎白时期，格里高利时期的音乐，其中，占主导地位的是宗教音乐！当时的人们对基督的信仰与崇拜，直接影响到了当时社会的政治与音乐，当时的音乐，只是纯粹的宗教用途，只限于在教堂中演唱，没有乐器，但是，却对今后的音乐发展起到了重要的作用！文艺复兴的影响　　到了1450年，欧洲音乐开始进入了文艺复兴时期，因为当时的欧洲政治的不稳定，教廷的威信与势力开始衰弱，资产阶级萌芽，为了适应当时社会的发展与人们的新思想，音乐开始宣扬以人为本的思想，所以在各个领域里都开始了文艺复兴运动，也就是在那时，欧洲传统的大小调式逐渐形成！　　欧洲到了1600年开始，进入了一个大发展的时期——巴洛克时期，那时候不仅产生了象大家所熟知的巴赫，亨德尔等伟大的作曲家，歌剧，协奏曲，奏鸣曲等题材相继被创造发展出来。乐风转变　　当欧洲音乐进入古典时期后，也就是在1750年巴赫逝世后，欧洲复调后继无人，乐风转向简洁实用的主调，那时候，出现了三位音乐大师：“交响乐之父”海顿，“神童”莫扎特，以及“乐圣”贝多芬！音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐！　　在1827年贝多芬逝世后，结束了严谨的古典主义时期。当时的欧洲正在接受浪漫主义的洗礼，当时的作曲家把作曲当作抒发内心情感的手段，对音乐的审美也有了进一步的发展，产生了炫技等音乐表现手法！如当时的帕格尼尼，李斯特等就是那时红极一时的演奏家！音乐表现，风格也日趋丰富，出现了一些以民族音乐语言进行创作的民族作曲家，如芬兰的西贝柳斯，挪威的格里格，俄罗斯的五人强力集团等，都是民族乐派的伟大作曲家。 古典音乐丛书时间进入19世纪，出现了以德彪西为首的印象派音乐！音乐表现极具色彩化，和当时的绘画风格有相同之处！　　在浪漫主义后期，也就是欧洲调性体系发展到了最辉煌也是最后的时期，我不得不提到拉赫马尼诺夫，马勒等作曲家，他们把欧洲传统作曲法发展到了极致，当然也包括新的尝试，出现了像马勒第八交响曲《千人合唱》这样的宏大的作品。再者，就是斯特拉文斯基，他的新古典主义崇尚复调和对位法，采用多调性，为以后的传统作曲法到先锋音乐的过渡起到了至关重要的作用！

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译者序第一章 现代的钢琴 不可忽略的学习事项 对于休止符的不注意 发展节奏感 听节奏明显的音乐第二章 音乐家的基础 听觉训练的意义 佳员触键的要义 把琴键压到底第三章 美音的秘密 嘹亮如歌的音 腕部在产生美音时的作用第四章 纤巧的弹奏 技巧方面 漂浮在空中 一些重要的问题 强力弹奏和它的意义 腕部的自然消震作用 弹奏上的准确性第五章 准确的弹奏 两个重要的因素 关于断奏的二三事 优美连奏的基础第六章 关于很快学会背奏的人 每天的练习 保证练习的多样化 快速弹奏的要求 炫技弹奏的危险 踏板运用时的危险