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张伟平 等 著

图书标签:

• 山水画
• 国画
• 绘画教程
• 绘画技法
• 艺术
• 书法绘画
• 绘画
• 中国画
• 技法
• 入门

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532297474

版次：1

商品编码：11961426

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-06-01

用纸：胶版纸

页数：122

正文语种：中文

内容简介

　　山水画在我国有着悠久的历史，集中体现了我国传统国画技法的丰富表现力。《山水画法教程》主要介绍了山水画的各种基础知识，画树法、画石法、临摹与写生、创作论等，技法全面到位。范图丰富。内容扎实，体现了中国美院的山水画教学风格。

作者简介

　　张伟平，1955年生，广西桂林永福人。1984年毕业于浙江美术学院国画系山水专业，获学士学位。1997年毕业于中国美术学院国画系山水研究生专业，获硕士学位，并留校任教。现为中国美术学院国画系教授、山水教研室主任，硕士研究生导师。美术专著有意笔山水教学“名师讲座”系列丛书《山中有我》、《写意山水入门》、《中国历代名家技法集萃》（树法上册、石法下册）、《富春山居图技法析览》、《溪山行旅图技法析览》、《庐山高技法析览》等。

目录

第一章 概述
一 正确地认识中国画的本质
二 什么是“画法”？
三 中国画的“核心画法”与“基础画法”的关系
四 中国画学习路径

第二章 山水画的笔墨
一 “写意”及“笔墨”概念
二 中国画家眼里的“笔墨真境”
三 几种常见的用笔、用墨介绍
四 结体及执笔法
结体
执笔与运笔
五 写意山水的基本技法：勾皴擦染点
1．勾（或勾勒）
2．皴
3．擦
4．染
5．点
六 山水画设色法筒述
1．水墨山水
2．水墨淡彩
3．浅绛山水
4．小青绿山水
5．大青绿山水
附录：中国画“教、学”方式
范图赏析

第三章 树法
一 树体组构原理介绍
二 枯树画法
铅笔的枯树法速写
三 树的出枝画法
四 树叶的画法
点叶树的画法
夹叶树法
五 树的临摹
范图赏析

第四章 山石法
一 山石的勾勒
二 山石的皴法
三 山石的擦染法
四 山石复加用笔法
五 张伟平山石课徒稿
附录：怎样理解“画理”与“画法”的关系
范图赏析

第五章 山水画的临摹与写生
一 山水画的临摹
为什么要临摹
山水画的临摹
“临”与“摹”的区别
二 山水画的写生
山水画的写生
写生的方法与态度
三 写生与临摹的关系
范图赏析

第六章 山水画的创作
一 山水画的创作
二 山水画的“空间”表现
范图赏析
附录：书法的作用
写意山水作品欣赏

前言/序言

　

《山水画法教程》 序言： 在中国画的浩瀚星河中，山水画以其独特的魅力，承载着千载以来文人墨客的精神寄托与审美情趣。它不仅仅是对自然景色的描摹，更是画家胸中丘壑的抒发，是天地精神的感应。一山一石，一草一木，皆可化为胸中丘壑，笔下乾坤。然，山水画法博大精深，古法今踪，变化万千，初学者往往望而生畏，不知从何下手。本书旨在为渴望走进山水画殿堂的爱好者们，提供一条清晰而坚实的入门之路。我们力求在传承经典技法的同时，融入现代的视角与教学理念，使传统绘画语言焕发新的生机，让更多人能够领略中国山水画的无穷韵味。 第一章：识境——山水画的灵魂与基础 在提笔挥毫之前，理解山水画的“境”至关重要。山水画的“境”并非简单地指代一处风景，它包含了景、情、理的融合。 景（形）： 这是山水画的物质基础，即我们所见的自然景物。包括山峦的走势、树木的形态、云水的变幻、建筑的结构等等。如何观察、捕捉并理解这些景物的基本形态，是学习山水画的第一步。我们将从最基本的“皴法”入手，这是中国山水画的骨骼，是表现山石纹理、质感的关键。 披麻皴： 模仿悬崖峭壁上垂直的石纹，用流畅的线条层层叠加，表现山峰的陡峭与层叠。 斧劈皴： 模仿山石被斧头劈过的痕迹，线条刚劲有力，转折明显，表现山石的坚硬与块面感。 解索皴： 模仿山石被藤蔓缠绕、交织的纹理，线条粗细不一，变化丰富，表现山石的沧桑与厚重。 云头皴/鬼脸皴： 模仿云气缠绕或岩石斑驳的形态，线条圆润或带点块状，表现山峦的柔和或嶙峋。 牛毛皴/乱柴皴： 模仿细密的石纹或断裂的柴枝，线条细碎而密集，表现山石的粗糙与肌理。 重点解析： 本章将详细讲解每种皴法的基本笔法、运笔要领，并通过大量的范例图示，让读者直观感受不同皴法所能表现出的山石特点。我们将强调，皴法并非孤立存在，而是要根据山石的实际形态、质地以及画家想要表达的情感进行选择与组合。 情（意）： 山水画不仅仅是“画山水”，更是“画我胸中山水”。“情”即画家对景物的感受、情感的融入。是壮阔、是秀美、是幽静、是苍茫，这些情感需要通过笔墨来传达。 笔墨的情感指向： 刚劲的线条可以表现阳刚之气，流畅的线条可以表现柔美之态，疾速的笔触可以表现动感，迟重的笔触可以表现沉稳。 虚实的结合： “虚”即留白，是中国山水画的精髓之一，它代表着空间、空气、声音、意境，给予观者无限的想象。实处点染，虚处留白，形成画面的呼吸与张力。 意境的营造： 什么是“意境”？它是指画面所传达出的超乎形迹的、具有感染力的情感氛围。本章将探讨如何通过构图、用墨、用色以及点景人物的设置来营造不同的意境。 理（法）： 即绘画的法度与规律。包括构图的原则、透视的运用（中国画的透视与西画有所不同）、墨法的变化、色彩的搭配等等。 构图的“三远法”： 远眺、平远、高远，这是中国山水画中经典的构图法则，也是理解空间关系的重要方法。 墨法的变化： “墨分五色”，即浓、淡、干、湿、润。如何运用墨的层次来表现山石的体积感、层次感和空间感，将是重点讲解的内容。 色彩的运用： 中国画的色彩讲究“以墨为主，以色为辅”，或“墨分五彩，色助墨彩”。我们将介绍传统青绿山水的设色方法，以及水墨写意的设色理念。 第二章：笔墨——山水画的语言与工具 笔墨是中国山水画的灵魂，是传达“境”的根本。掌握了笔墨的运用，才能真正将胸中山水化为纸上的丹青。 笔法： 笔法是中国画的“筋骨”，直接影响画面的筋骨与神韵。 用笔的八法： 点、线、面、勾、皴、擦、染、点苔。本章将详细讲解每种笔法的基本动作、运笔技巧，以及在不同景物（山石、树木、水、云）上的具体应用。 笔法的变化： 强调“中锋、侧锋、逆锋、顺锋”的灵活运用，以及“提、按、顿、挫”等笔法变化对线条质感的影响。 线与形的统一： 讲解如何用富有表现力的线条勾勒出景物的基本形态，并融入皴法，使线条与形体浑然一体。 墨法： 墨法是中国山水画的“血肉”，是表现景物的立体感、层次感和空间感的关键。 墨色的运用： “墨分五色”的理论在实践中的具体体现。如何调配墨色，从浓墨的沉厚到淡墨的空灵，表现景物的不同质感和远近关系。 墨法的技巧： 破墨法： 先用浓墨勾勒或皴染，再趁湿用淡墨或清水破之，使墨色自然晕染，产生丰富的层次。 积墨法： 用浓淡不同的墨层层叠加，反复皴染，使画面墨色厚重，富有立体感。 飞白法： 运笔时用力不均，使笔画中出现飞白（纸色），表现景物的苍劲、古老或粗糙质感。 宿墨法： 用隔夜墨，其粘度大，易产生飞白和厚重感。 墨韵的追求： 墨韵是指墨色在纸上的晕染效果，以及由此产生的诗意、韵味。我们将探讨如何通过控制笔触的干湿、墨色的浓淡，来达到“墨韵”的最高境界。 用纸与用墨的配合： 不同的宣纸（生宣、熟宣、半生熟宣）与不同的墨法、笔法有着密切的关系。本章将指导读者如何根据创作需求选择合适的纸张，并掌握水墨在纸上的晕染规律。 第三章：景物——山水画的基本构成单元 山水画的构成离不开对各种自然景物的描绘。本章将逐一讲解山、石、水、云、树、建筑等要素的画法。 山峦的画法： 山体的骨骼： 如何运用皴法表现山体的基本形态和走向。 山峦的层次： 如何通过墨法和构图表现山峦的远近、高低、起伏。 山体的体感： 如何用墨色和皴染来塑造山体的体积感。 水景的画法： 水的形态： 江河、湖泊、瀑布、溪流等不同形态水的表现。 水的动态： 如何表现水的流动、波纹、水汽。 水的墨韵： 利用水墨的晕染来表现水的透明感、光泽感和 volume。 云气的画法： 云的形态： 祥云、雾气、雨云等不同云彩的表现。 云的虚实： 利用留白和淡墨表现云的飘逸、灵动。 云的意境： 云是山水画中营造意境的重要元素，它可以烘托山势，增加画面的神秘感。 树木的画法： 树的基本结构： 树干、树枝、树叶的画法。 树种的表现： 松、柏、柳、竹等不同树木的特征。 树木的组合： 疏林、密林、远树、近树的画法。 点叶法： 各种点叶方法（介字点、圆点、 Crab claw点等）的运用。 建筑与点景人物的画法： 建筑的基本结构与风格： 亭台楼阁、茅屋、桥梁等。 建筑的透视： 中国画的透视处理方法。 点景人物的意趣： 如何用简洁的笔触勾画出小小的点景人物，以增加画面的生气和故事性，并起到衬托山水、烘托意境的作用。 第四章：构图与章法——山水画的整体布局 构图是山水画的骨架，是安排景物、组织画面、突出主题的关键。章法是指画面整体的布局与气势。 构图原则： “计白守黑”： 通过黑白灰的对比来组织画面，突出主体。 “疏可跑马，密不透风”： 画面疏密得当，留有余地，避免拥挤。 “虚实相生”： 虚与实相互依存，共同构成画面。 “远近高低，各显其形”： 充分利用“三远法”等原理，表现空间的深远。 经典构图形式： 横披式： 展现宽广的景致。 立轴式： 强调高度与垂直感。 册页式： 连绵的景致或系列主题。 扇面式： 独特的圆形构图。 构图的重点与留白： 如何确立画面的视觉中心，以及如何巧妙地运用留白来引导观者的视线，并烘托意境。 章法的经营： 起承转合： 画面要有自然的过渡与衔接。 气势的贯通： 画面整体要有一股连贯、流畅的气势。 画面的呼吸： 通过疏密、虚实的对比，使画面具有生命的活力。 第五章：设色与渲染——山水画的色彩之美 在中国山水画中，色彩的运用并非简单地为画面“涂抹”，而是服务于意境的表达。 色彩的传统观念： “以墨为主，以色为辅”： 墨是骨，色是魂，二者相辅相成。 “色不碍墨，墨不碍色”： 强调色彩与墨色之间的关系，避免相互遮盖。 设色技法： 渲染法： 用清水调和颜色，层层晕染，表现色彩的层次感。 罩染法： 在墨色或已干的颜色之上再罩染一层颜色，使色彩更加丰富、厚重。 点染法： 用笔蘸取颜色，点画在画面上，表现色彩的明暗对比或细节。 传统设色类型： 水墨写意： 以墨为主，辅以淡彩，追求笔墨的韵味。 青绿山水： 以石青、石绿等矿物质颜料为主，色彩浓郁鲜艳，装饰性强。 浅绛山水： 以墨为主，浅淡设色，注重墨韵的体现。 色彩的象征意义： 不同颜色所代表的寓意和情感。 第六章：创作实践——从临摹到写生与创作 理论的学习最终要落实在实践中。本章将引导读者如何一步步地走向独立创作。 临摹的重要性与方法： 为何临摹： 学习古人笔墨技法、构图章法、意境营造的有效途径。 如何临摹： 精临、意临、摹古。强调理解而非死搬硬套。 临摹范本的选择： 从历代大家的作品中选取适合初学者的范本。 写生的意义与技巧： 写生的目的： 培养对自然的观察能力，丰富创作素材。 写生的方法： 速写、写生与写意结合。 写生的取舍： 如何从自然景物中提炼出具有绘画价值的元素。 独立创作的思路： 主题的确定： 确定想要表达的情感或思想。 素材的积累： 结合临摹与写生所得。 构思与草稿： 构思画面布局，绘制草稿。 落笔与完成： 审慎落笔，精益求精。 第七章：常见问题与进阶探讨 初学者常犯的错误分析。 如何解决画面“死板”或“散乱”的问题。 进阶技法赏析： 如皴法的变化与创新，墨法的更深层次运用，色彩的现代探索等。 山水画的当代意义与发展趋势。 结语： 山水画的学习是一条漫长而充满乐趣的旅程。本书所呈现的，仅仅是一个起点，一个入门的阶梯。真正的领悟，离不开持之以恒的练习，对自然的深刻体察，以及对中华传统文化的深入理解。愿本书能成为您山水画道路上的良师益友，助您在笔墨的世界里，寻找到属于自己的那片天地，绘出心中那独一无二的山水。

评分☆☆☆☆☆

这本《山水画法教程》无疑是我近年来阅读过的最令我惊喜的艺术类书籍之一。作者在内容编排上独具匠心，将枯燥的技法讲解融入到对山水意境的描绘之中，读起来丝毫不会感到乏味。他用一种诗意的语言，引导我们去感受山水的呼吸，去聆听风的低语，去触摸岩石的纹理。书中的每一幅范例都宛如一首无声的诗，一幅流动的画，作者不仅展示了最终的作品，更重要的是，他细致地剖析了创作过程中的每一个关键节点。例如，在讲解如何勾勒山体轮廓时，作者并没有简单地告诉我们“画线条”，而是深入分析了不同山形地貌的内在结构，以及如何通过线条的粗细、疏密、曲直来表现其力量感与体积感。对于墨的运用，作者更是倾注了大量笔墨，他从墨的“浓淡干湿”入手，阐述了如何运用“飞白”制造云雾的飘渺，如何用“宿墨”表现岩石的苍劲，如何用“破墨”技法增强画面的层次感与空间感。更让我印象深刻的是，作者对“意境”的强调。他反复提及，山水画不仅仅是对景物的描摹，更是画家内心世界的抒发。他用大量的文字和生动的案例，教导我们如何通过构图、笔墨、色彩的选择，来传达出一种悠远、宁静、雄浑或灵秀的意境。读完这本书，我感觉自己不再仅仅是学习一种绘画技巧，更是走近了一种哲学，一种对自然和生命的理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书以其精美的插图和深入浅出的讲解，让我这个初学者也能轻松入门山水画的世界。作者在开篇就详细阐述了传统山水画的起源与发展，从史前岩画的粗犷写意，到唐宋山水的精工细描，再到元明清的文人画风，梳理得条理清晰，让我对中国山水画有了宏观的认识。接着，便是关于笔墨技法的系统教学。无论是皴法的讲解，如披麻皴、斧劈皴、雨点皴的形态和运用，还是墨法的变化，如焦墨、浓墨、淡墨、湿墨的晕染效果，都配以大量的示范图例，并附有详细的步骤解析。我尤其喜欢作者对“骨法用笔”和“随类赋彩”的解读，这不仅仅是技巧的传授，更是对山水精神的体悟。作者强调，每一笔都应有其生命力，如同山川的脉络，每一色都应遵循自然规律，表达山水的真实情感。书中还特别辟出章节讲解了如何观察和表现自然山水，作者鼓励我们走出画室，深入大自然，去感受云的飘渺，水的灵动，山的巍峨，从而将真情实感融入画作。这种“外师造化，中得心源”的理念，对我影响颇深。全书从理论到实践，循序渐进，即使是没有任何绘画基础的人，也能在这本书的引导下，逐步掌握山水画的基本要领。

评分☆☆☆☆☆

一本让我觉得“相见恨晚”的书！作为一名对山水画充满好奇但又不知从何下手的“小白”，这本书简直是我的福音。《山水画法教程》的讲解方式非常独特，它并没有直接灌输技法，而是先带领读者去“读懂”山水。作者从中国哲学中对“山水”的理解入手，讲解了山水的“阴阳”、“虚实”、“动静”等概念，让我意识到，画山水，不仅仅是画“形”，更是画“气”。在笔墨的讲解上，这本书做得尤为出色。作者从最基础的“执笔”讲起，强调了如何正确地握笔，以获得更好的笔墨控制力。接着，他详细讲解了“点、线、面”在山水画中的不同作用，以及如何通过笔墨的组合来表现山石的纹理和质感。我最喜欢的是他关于“皴法”的讲解，他并没有简单地罗列皴法的名称，而是用生动的语言，配合大量的范例图，来讲解每一种皴法是如何形成的，以及在实际绘画中应该如何运用。例如，在讲到“斧劈皴”时，他会形象地比喻它像是在山石上劈砍出来的痕迹，从而让我们更容易理解其形态和表现力。此外，书中对“构图”的讲解也给了我很大的启发，作者强调了“虚实相生”的构图原则，以及如何通过画面的疏密关系来营造出深远的空间感。这本书让我感觉，学习山水画，不再是枯燥的模仿，而是一个充满诗意和哲思的探索过程。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本《山水画法教程》时，心中是抱着试一试的心态，毕竟网上的教程太多了。但没想到，这本书给我带来了巨大的惊喜。作者在内容的选择上非常精炼，他没有罗列过多的技法，而是选择了最核心、最实用、最能体现山水画韵味的部分进行深入讲解。他花了大量篇幅去讲解“笔”和“墨”的结合，强调“笔墨一体”是中国山水画的精髓。他解释了如何通过笔的提按顿挫来表现山体的结构，如何通过墨的浓淡干湿来营造画面的层次感和空间感。我尤其喜欢他关于“用笔”的讲解，他不仅仅是告诉你“怎么握笔”，更是告诉你“如何用意念去引导笔触”，让每一笔都充满了生命力。书中对“皴法”的讲解也是条理清晰，他会根据不同的山石形态，选择合适的皴法，例如，如何用披麻皴来表现层叠的山峦，如何用斧劈皴来表现陡峭的岩壁。更让我惊喜的是，书中还涉及了“设色”的部分，作者在讲解设色时，并没有拘泥于传统的“随类赋彩”，而是强调“以墨为主，以色为辅”，如何用淡雅的色彩来烘托墨韵，如何通过色彩的冷暖对比来表现季节的变化和画面的氛围。这本书让我认识到，山水画不仅仅是黑白的艺术，更是色彩与墨韵的和谐统一。

评分☆☆☆☆☆

在我看来，这本书最大的优点在于其“接地气”的讲解方式。作者并没有用太多艰深晦涩的术语，而是用一种非常通俗易懂的语言，来阐述山水画的精髓。他知道很多读者可能和我一样，是第一次接触山水画，所以他从最基础的笔墨符号开始讲起，比如“点”的各种形态和意义，如用于表现草木、山石的细节；“线”的粗细、方圆、曲直以及它们所能表达的情感，如刚劲的山脊、柔和的水流。随后，他循序渐进地讲解了各种皴法的具体运用，他会告诉你，例如斧劈皴适合表现哪些类型的山石，以及如何在皴擦的过程中加入墨色的变化，以增强画面的立体感。令人印象深刻的是，书中还专门辟出了一个章节，讲解如何处理画面中的“留白”。作者认为，“留白”是中国画的灵魂所在，它不仅仅是画面空间的空余，更是意境的延伸，是观者想象的载体。他通过大量的范例，示范了如何运用留白来表现天空、云雾、水面，以及如何通过画面的虚实对比来营造深远的空间感。整本书的结构非常清晰，内容丰富而不冗杂，每一章都像是在为读者铺设一条通往山水画艺术的道路，让人充满探索的欲望。

评分☆☆☆☆☆

我一直对中国传统文化情有独钟，尤其是水墨山水画，总觉得它蕴含着一种深沉的东方哲学。这本书的出现，彻底满足了我对山水画的向往。《山水画法教程》在内容的编排上，给我一种“循序渐进，层层深入”的感觉。作者在开篇就为我们勾勒了山水画的基本构架，他不仅仅是介绍“峦头”（山体形态），更重要的是讲解“气韵”（画面的精神气质）。他强调，画山水，首先要“观其形，察其势”，然后才能“得其神”。在笔法方面，作者对“点、线、面”的运用进行了非常详细的解析，他会告诉你，每一个点，每一条线，在画面中都有其独特的意义和功能。比如，用点可以表现山石的肌理，用线可以勾勒山体的轮廓，用面的组合可以构成山峦的体块。他尤其强调了“用笔”的力道和变化，他说：“笔是骨，墨是肉，两者相辅相成，才能塑造出生动的山水形象。”书中对“皴法”的讲解更是让我印象深刻，他不仅仅是列举了各种皴法的名称，更重要的是，他会通过大量的范例，告诉你这些皴法是如何巧妙地组合运用，以表现不同质感的山石。此外，书中还对“构图”进行了深入的探讨，如何取舍，如何虚实结合，如何营造画面的“深远”、“平远”、“高远”等多种意境，都给出了具体的指导。

评分☆☆☆☆☆

这是一本让我眼前一亮的山水画教程。我一直觉得山水画高不可攀，但这本书彻底改变了我的看法。作者的讲解方式非常有趣，他用一种对话式的语言，仿佛在和我这位学生面对面交流。在讲解“点”的运用时，他会幽默地说：“我们画点，不是随便点几下，而是要让每一个点都有自己的‘表情’，有的饱满，有的瘦劲，有的松散，有的紧密，它们组合起来，就能描绘出花草树木的生机勃勃。”这种生动的比喻，让我一下子就记住了这些看似简单的技巧。书中对“墨法”的讲解更是让我受益匪浅。作者从墨的“五色”——焦、浓、淡、清、白，讲到墨的“晕染”和“积墨”，再到“破墨”和“宿墨”等高级技法，他都一一进行了拆解。我特别喜欢他讲解“宿墨”的部分，他用形象的比喻来形容宿墨的运用，说它像是“陈年的老酒，越品越有味道”，能给画面带来一种苍劲古朴的韵味。书中还穿插了许多作者的写生过程记录，这些记录让我看到了一个真实的创作过程，看到了画家是如何从眼中之景，转化为心中之画。这种分享，让我感觉这本书不仅仅是技法的传授，更是情感的交流。

评分☆☆☆☆☆

当我拿到这本《山水画法教程》时，首先映入眼帘的是它精美绝伦的封面设计，但这仅仅是个开始。翻开书页，一股浓郁的艺术气息扑面而来。作者在开篇就对传统山水画的文脉进行了梳理，这一点非常重要，因为只有了解了其历史渊源，才能更好地理解其艺术精髓。他不仅介绍了历代名家的代表作品，更着重分析了他们各自独特的风格和创新的地方，这让我对山水画的发展脉络有了更清晰的认识。紧接着，便是关于绘画工具的介绍。从毛笔的种类、特性，到墨的研磨、使用，再到纸张的选择，作者都一一进行了详细的说明，并配以实物图片，让我这个新手能够一目了然。随后，书中展开了对基本笔法的讲解，如点、线、面的运用，以及各种皴法的形态与表现力。作者的讲解非常细致，他会告诉你如何根据山石的纹理来选择合适的皴法，如何通过笔墨的提按顿挫来表现山体的体积感和质感。特别值得一提的是，书中还穿插了大量的写生作品和写意作品的分析，作者会一步步拆解这些作品的构图、用笔、用墨，让我们能够从中学习到大师们的创作思路。这本书给我最大的感受是，它既有扎实的理论基础，又有丰富的实践指导，让我感觉学起来既有方向，又不至于感到迷茫。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我买过不少绘画教程，但很多都流于表面，要么就是技巧讲解过于公式化，要么就是范例作品缺乏生命力。直到我发现了这本《山水画法教程》，我才真正体会到什么叫做“匠心之作”。作者在书中的每一个细节都体现了他的用心。他不仅仅是简单地告诉你“怎么画”，更是告诉你“为什么要这样画”。比如，在讲解用笔时，他会追溯到古代书法用笔的道理，强调笔墨的“书写性”，让我意识到山水画的用笔与书法的深层联系。在讲解构图时，他更是花了很大的篇幅去分析“经营位置”的奥秘，如何取舍，如何虚实结合，如何通过画面的疏密关系来营造空间感和意境。书中的示范作品，无论是写实山水还是写意山水，都充满了灵气，仿佛能听到泉水叮咚，看到白云悠悠。作者在讲解过程中，并没有回避难点，而是用一种极其耐心和友好的方式，将复杂的技法化繁为简。我尤其喜欢他关于“积墨”和“泼墨”的讲解，这些技法往往让初学者望而却步，但在这本书里，作者通过清晰的步骤图和生动的文字描述，让我茅塞顿开，仿佛找到了通往这些高难度技法的钥匙。总而言之，这本书不仅仅是一本教程，更像是一位循循善诱的老师，引领我一步步走进中国山水画的殿堂。

评分☆☆☆☆☆

这本书的优点在于它不仅仅是一本绘画技巧的传授，更像是一位经验丰富的老师，在引领读者去感受中国山水画的独特魅力。作者在讲解过程中，总是引用大量的中国古典诗词和哲学思想，这让我感觉自己不仅仅是在学习绘画，更是在学习一种文化，一种意境。他会告诉你，画山水，不仅仅是描摹眼前所见，更是要将心中的情感、对自然的感悟融入画中。在笔法方面，这本书的讲解非常系统，从最基本的“点”的运用，如表现树叶、草丛，到“线”的勾勒，如表现山石的轮廓和纹理，再到“面”的铺陈，如表现山体的体积和厚重感，都进行了详细的阐述。我尤其喜欢他对“墨法”的讲解，他将墨的“浓淡干湿”形容为“五彩”，认为墨的丰富变化，可以表现出比色彩更加深邃的意境。书中对“皴法”的讲解也是非常到位，他会根据不同的山石结构，选择不同的皴法，例如，如何用披麻皴表现山峦的起伏，如何用雨点皴表现岩石的斑驳。更让我惊喜的是，书中还涉及了“构图”的艺术，如何通过“经营位置”来安排画面中的景物，如何通过虚实对比来营造空间感，如何通过留白来表达画面的意境，都给出了非常实用的建议。

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挺不错的教材

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很不错的本书，适合自学。

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看起来还不错，领卷买的，实惠

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购书便宜又方便

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需要一点基础在看会比较好吧。

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挺好的

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很好

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