插画设计与应用 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

刘平云 著

图书标签:

• 插画
• 设计
• 绘画
• 艺术
• 创意
• 应用
• 视觉传达
• 插图
• 手绘
• 平面设计

出版社： 江西美术出版社

ISBN：9787548051466

版次：1

商品编码：12119492

包装：精装

开本：16开

出版时间：2017-01-01

用纸：胶版纸

编辑推荐

　　本书深入浅出地讲解了插画的相关知识，体例丰富，每个章节设有课题概述、教学目标以及章节重点，内容详尽、案例精彩，是艺术专业学生的精品教材，也可作为行业工作人员的参考用书，更值得广大插画爱好者收藏。

内容简介

　　书籍中强调插画的设计与应用，针对角色、插画、衍生品设计等范畴进行整体且系统的插画教学。书籍分为认知篇、基础篇、实践篇三大篇章，按照插画教学时间进程进行编排。为强化本书的实录形式，书中呈现的图例以美术学院的学生作品为主，包括必修与选修等课程的作业。尤其是实践篇，细致讲解插画创作步骤，充分展示海量精品案例赏析，大量不同主题的优秀作品，并辅以作品点评，让读者轻松掌握插画创作方法。

作者简介

　　刘平云，男，1974年生。广州美术学院视觉艺术设计学院副院长、副教授，广州国家广告产业园运营公司常务副总。2003年毕业于广州美术学院设计学院，获硕士学位。长期致力于商业插画的设计、产业研究与品牌推广。著有《动画角色设计》《卡通造型设计教学》《贩卖卡通》《卡通新课堂》《生肖总动员》等书，发表设计相关文章多篇。创作作品多个（幅）并被企业采用或发表，部分作品获国际奖项。包括“中国具影响力的广告平面设计师100人”(1979——2004)；广州亚运会吉祥物征集“十佳”作品奖（第16届亚运会组委会）、第三届中国视协动画短片奖之优秀卡通形象设计奖（中国视协卡通艺委会）；中华人民共和国第一届全国青年运动会吉祥物设计优秀奖等。

内页插图

精彩书评

　　有幸提前拜读了刘平云教授新著《插画设计与应用》的电子书稿，颇受启发。该书理论篇和基础篇对插画设计的基本理论与特性进行了阐述，有利于普遍性的教与学。实践篇则展示了美术学院的教学特色，无论是教学方式还是作品表现都值得同行借鉴。特别可贵的是，书中将插画的应用进行了较为详尽的阐述，将给插画、角色的创意乃至视觉设计带来启迪，对动漫产业发展亦有参考价值。
　　——金城
　　中国美协动漫艺委会副主任
　　教育部高校动漫与数媒教指委委员
　　广东省动漫艺术家协会主席

好的，以下是一本与“插画设计与应用”主题不相关的图书的详细简介，侧重于其独立的内容体系： --- 《现代水墨的观念革新与技法探索》 导言：传统与当下的交汇点 本书深入剖析了二十世纪中叶以来，中国水墨画在面对全球艺术思潮冲击时所经历的深刻变革。它并非传统意义上对古典笔墨的复述，而是聚焦于当代艺术家如何解构、重塑并赋予传统水墨以新的时代精神与哲学内涵。全书以严谨的学术视角和丰富的案例分析，探讨了水墨艺术如何从古典的“文人趣味”转向更具现代性、批判性与普世性的视觉语言。 第一部分：观念的重塑——从笔墨本体到媒介的拓展 第一章：水墨的“在场”与“缺席” 本章首先界定了现代水墨的哲学基础。传统水墨强调“计白当黑”的虚实关系，而现代水墨则更关注“留白”作为一种有意识的结构性元素，而非仅仅是背景。我们详细分析了抽象表现主义、极简主义等西方思潮如何反哺中国水墨，促使艺术家重新思考“墨”本身作为一种物质（碳基颜料）的物理特性，而非仅仅作为一种符号（如山水、花鸟）。 第二章：材料的革命与界限的模糊 水墨的媒介不再局限于宣纸和特制的墨汁。本章系统梳理了艺术家对材料的实验性运用：从使用工业颜料、丙烯混合水墨，到在非传统载体（如金属板、树脂、透明亚克力）上进行创作。重点探讨了“湿性”与“干性”技法的当代语境，以及如何在材料的物理限制中寻找新的表现张力。例如，某些艺术家尝试用高压水枪或特定的化学药剂来控制墨的洇化，创造出无法预期的“意外美学”。 第三章：空间观念的转向：二维平面到三维构成 现代水墨的图式不再囿于单点透视或散点透视的传统范式。本部分着重分析了水墨语言如何被抽离出传统的画框，进入装置艺术、空间介入和大地艺术的范畴。探讨了“晕染”过程中的时间性被如何固化或放大，以及如何通过多重媒介的叠加，构建出具有深度和层次感的非具象空间。 第二部分：技法的演变——线条、渲染与结构 第四章：线条的“非书法性”表达 书法是中国水墨的灵魂，但现代水墨对线条的运用发生了本质变化。本章批判性地考察了“减弱笔锋的力度感”和“强化线的物质性”两种趋势。一方面，艺术家试图摆脱传统楷、行、草的书写规范，将线条还原为纯粹的轨迹记录；另一方面，一些探索者运用喷洒、滴落或刮擦的方式，使线条脱离了手腕的控制，呈现出更具随机性和结构感的视觉效果。对“焦墨”在现代构图中的应用进行了细致的技法分解。 第五章：墨色的层次控制与单色调的张力 水墨的魅力在于“墨分五色”，但这种“五色”的控制不再是模仿自然界的浓淡层次，而是通过对水份、覆盖次数和干燥速度的精确计算，来营造强烈的心理氛围。本章专门设立案例研究，分析了如何通过极端的“干笔皴擦”与大面积的“湿墨平涂”进行对比，以在单色调体系中实现最大的视觉冲击力。 第六章：结构与形体的解构主义实践 本章聚焦于对传统“物象”的碎片化处理。艺术家不再追求描摹山川楼宇，而是将物象的结构元素（如树的枝杈、岩石的肌理、水的流动性）抽象为几何符号或纯粹的结构线。通过对比分析抽象表现主义水墨与后现代的拼贴手法，阐述了结构性解构如何服务于表达现代人的疏离感和复杂的心灵图景。 第三部分：语境与对话——水墨在当代文化中的定位 第七章：东西方对话的深层结构 本章超越了简单的“融合”概念，深入探讨了水墨艺术家在国际语境中如何定位自身。分析了水墨艺术在欧美“抽象表现主义”脉络下被重新解读的现象，以及艺术家如何巧妙地利用观众对“东方神秘主义”的刻板印象，反过来强化其作品的原创性和批判性。 第八章：文化身份与历史叙事 水墨不再仅仅是对历史的继承，也成为反思历史的工具。本章选取了数位具有强烈社会关怀的艺术家，分析了他们如何利用水墨的“不稳定”和“易逝性”来隐喻和批判宏大历史叙事下的个体命运与集体记忆的消解。讨论了当代水墨在表现城市化、环境危机等议题时的独特优势。 第九章：数字时代的水墨未来展望 最后，本书探讨了数字技术（如高清扫描、动态影像、算法生成）对传统水墨观念的冲击与赋能。分析了数字媒介如何帮助艺术家捕捉水墨在“运动中”的形态，以及如何利用数字化手段进行后期的结构干预和展览呈现，预示了水墨艺术在未来媒介环境中的发展方向。 --- 结语： 《现代水墨的观念革新与技法探索》旨在为研究者、创作者和对当代视觉艺术感兴趣的读者，提供一套清晰、深入、且批判性的分析框架，理解水墨艺术如何在脱离古典束缚后，成为一股强劲的当代艺术力量。本书的价值在于其对技法背后的哲学动因的挖掘，而非对既有美学的简单模仿。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“应用”部分简直是为我量身定做的！我目前的工作主要集中在UI/UX领域，对如何用插画来提升用户体验有着迫切的需求。这本书没有仅仅停留在艺术创作层面，而是将插画设计与实际的商业场景紧密结合了起来。它深入探讨了在不同媒介——无论是移动端界面、品牌宣传册还是网页视觉——中，插画的尺寸、分辨率、文件格式以及风格统一性的重要性。特别是关于“情感化设计”的章节，作者展示了如何通过一套精心设计的插画系统，来构建用户对品牌的信任感和亲近感，这比单纯堆砌漂亮的图片有效得多。我马上尝试着将书中提到的“情绪色板”应用到了我正在进行的一个项目上，结果反馈出乎意料地好，用户界面的友好度和吸引力都有了显著提升。这本书的实用性，在于它成功地架起了艺术表达与商业目标之间的桥梁，让插画不再是孤立的装饰品，而是解决问题的有效工具。

评分☆☆☆☆☆

老实说，这本书的理论深度让我非常惊喜，它远超出了我对一本“设计应用”书籍的预期。我原以为它会偏重于软件操作技巧的罗列，但没想到它花了很多篇幅去探讨插画在文化语境和心理学层面的影响。作者对“符号学”在视觉传达中的运用有着非常深刻的见解。例如，它分析了不同文化背景下特定图形所代表的含义，这对于我们进行国际化项目设计时避免潜在的文化冲突至关重要。书中引用的案例也极具启发性，不乏一些经典的设计作品和前沿的数字艺术案例，这些都经过了作者细致入微的剖析，让我们能看到大师们是如何在复杂的限制条件下实现创意的突破。阅读这本书的过程，更像是一场与行业前辈的深度对话，它促使我不仅要思考“如何画”，更要思考“为什么画”以及“为谁而画”。这种从宏观到微观的思维训练，对于提升个人设计的格局和深度，作用是不可估量的。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书对于那些想要从零开始建立自己视觉语言的初学者来说，简直是一部宝典。我之前看过不少相关的教程，很多都跳过了基础训练的重要性，直接就展示那些炫酷的最终效果，让人感觉云里雾里，学不到真正的“内功”。然而，这本书却非常耐心地从最基本的素描关系、光影处理开始讲起，而且讲解的角度非常独特。它没有停留在“画得像”的层面，而是深入探讨了“为什么这么画会更有冲击力”。比如，书中关于“动态捕捉”的部分，通过解剖学原理和运动轨迹的分析，让我对如何表现人物或物体的动态有了全新的理解。不再是生硬地摆放造型，而是能感受到画面中蕴含的能量和节奏感。我常常在工作间隙翻阅，不是为了学习新的技巧，而是为了重新校准我的设计直觉。它就像一个经验丰富的大师，在你迷茫时，轻轻点拨一下关键的脉络，让你茅塞顿开。它的结构安排也十分合理，知识点层层递进，不会让新手感到压力过大。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏这本书的一点是它对“个性化”和“效率”之间平衡的探讨。在快节奏的工作环境中，如何既能保持自己独特的艺术风格，又能保证出稿速度，是每个插画师都要面对的难题。这本书提供了一套非常系统化的工作流程优化方案。它没有提倡使用模板，而是教导我们如何建立自己的“素材库”和“风格规范”，以及如何利用参数化设计思路来加速基础元素的迭代。书中关于手绘稿如何高效地转化为矢量图形并保持其生命力的步骤讲解，是我目前看到最清晰的。我过去在这方面常常感到头疼，总觉得数字化转换会损失掉手绘的温度，但作者提供的方法论成功地让我既保留了艺术感，又提高了生产效率。看完这本书，我感觉自己的“生产力”得到了质的飞跃，不再是疲于应付每一个新需求，而是能够更从容、更有规划地进行创作，这对于职业发展来说，是非常关键的一步。

评分☆☆☆☆☆

这本书的插画风格简直是视觉的盛宴！我最近在尝试将一些传统绘画技巧融入到我的数字艺术创作中，这本书简直是雪中送炭。它不像那种干巴巴的理论手册，而是充满了实际操作的案例和深入浅出的讲解。特别是关于色彩理论和构图布局的那几章，作者似乎完全理解了创作者在实际工作中遇到的那些“卡壳”时刻，给出了非常实用的解决方案。举例来说，它详细解析了如何利用色彩的冷暖对比来引导读者的视线，这一点在商业插画中至关重要，但我之前总觉得掌握不好其中的微妙平衡。现在，通过书中那些步骤清晰的演示图，我终于找到了感觉。我尤其欣赏它没有局限于某一种特定的软件或风格，而是强调了底层设计原理的普适性，这让我可以更自由地将学到的知识应用到我自己的工作流程中去，而不是被特定工具的限制所束缚。这本书的印刷质量也非常好，色彩还原度很高，让我可以清晰地看到原作者想要表达的细微笔触和纹理变化，这对于模仿和学习来说，是一个巨大的加分项。