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祁小春 编

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店铺： 木垛图书旗舰店

出版社： 浙江人美

ISBN：9787534060786

商品编码：29279079741

开本：16

出版时间：2018-04-01

基本信息

• 商品名称：古籍版刻书迹例说(精)
• 作者：祁小春
• 定价：298
• 出版社：浙江人美
• ISBN号：9787534060786

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-04-01
• 印刷时间：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：精装
• 页数：382
• 字数：320千字

古籍版刻中的艺术密码：字体、版式与雕版技艺的深度解析 本书并非一部探讨“古籍版刻书迹例说（精）”本身的书籍，而是以此为引，深入挖掘古籍版刻这一珍贵文化遗产背后所蕴含的丰富艺术密码。我们将目光投向那些穿越千年时光的古老书籍，从字里行间，从墨痕纸韵，探寻雕版印刷术在不同历史时期如何演变，如何塑造了书籍的形态，又如何承载了时代的审美与文化信息。我们将细致审视古籍版刻的各个维度，包括字体风格的演变、版式设计的智慧、以及雕版技艺的精湛之处，旨在为读者呈现一幅全面而生动的古籍版刻艺术画卷。 一、 字体演变：从秦汉的古朴到明清的精雅 文字是书籍的灵魂，而字体的风格则是时代审美和书写习惯的直接体现。在古籍版刻的世界里，字体的发展轨迹清晰地映照着中国书法艺术的变迁。 早期（秦汉魏晋）： 这一时期的版刻字体，往往带有浓厚的隶书、草书及早期楷书的痕迹。秦代的篆书，虽在版刻中较少见，但其方正、规整的特点已为后来的字体奠定了基础。汉代的隶书，以其蚕头燕尾、波磔分明的形态，在早期版刻中表现出古朴、典雅的韵味。魏晋时期，行书、草书的兴盛，也影响了当时的刻书，字迹或飘逸灵动，或遒劲有力。例如，一些早期的佛经、史书的版刻，字体多显得自由奔放，富于艺术表现力。 唐宋时期： 随着楷书的成熟，唐宋时期的版刻字体逐渐趋于工整、规范。楷书的端庄大气，为书籍的阅读提供了便利，同时也展现了当时社会对秩序和礼仪的追求。宋代是雕版印刷业的鼎盛时期，官方和民间都出版了大量书籍，字体风格也更加多样化。除标准的楷书外，还出现了便于雕刻的“宋体”（或称“仿宋体”），这种字体笔画横细竖粗，转折处带方折，结构紧密，具有一定的印刷体特征，为后世印刷体的发展奠定了基础。此外，宋代也流行一种称为“蜀刻”的字体，特点是瘦长、骨感，带有很强的地域特色。 元明时期： 元代版刻字体在前代基础上继续发展，吸收了宋体的特点，并融入了元代书法家如赵孟頫的审美趣味，字体更加圆润秀丽。明代的版刻字体是古籍版刻字体发展史上的一个重要转折点。明初，继承了宋元以来的风格，字体端庄。到了明中期以后，随着商品经济的发展和市民阶层的壮大，书籍的出版量激增，对字体提出了新的要求。一方面，出现了大量便于阅读、印刷效果良好的“宋体”（更为成熟的宋体，即我们现在所称的“宋体”的早期形态），笔画刚劲有力，结构疏朗。另一方面，一些精美的刊本，特别是文人刻本，仍然追求书法艺术的美感，字体风格多样，有的模仿晋唐风韵，有的则具有明代文人的独特气质，如“吴兴体”、“姑苏体”等，这些字体或瘦硬，或丰腴，或飘逸，各有千秋。 清代： 清代版刻字体在前代基础上，呈现出更加精细化、规范化的趋势。官刻本的字体通常严谨工整，一丝不苟。私刻本则风格更为多样，既有沿袭明代的宋体，也有一些仿古的字体，甚至出现了大量使用当时流行书法的字体，如颜体、柳体等。晚清时期，受西方印刷技术的影响，一些印刷体也开始出现，但传统雕版字体依然占据主导地位。 通过对这些不同时期字体风格的梳理，我们可以看到，古籍版刻字体并非一成不变，而是随着社会、文化、技术的发展而不断演进，每一笔每一划都凝聚着时代的印记和匠人的心血。 二、 版式设计：空间布局的艺术与信息传达的智慧 版式设计是书籍的骨架，它决定了文字、图像在页面上的分布方式，直接影响着书籍的阅读体验和艺术美感。古籍版刻的版式设计，体现了古人高超的空间组织能力和对信息传达的深刻理解。 书眉与白口： 古籍版刻通常采用“白口”设计，即纸张的上下左右边缘留有一定的空白，这不仅方便装订，也使得版面显得疏朗大气。书眉（通常在版心上方）往往刊载篇名、卷数、页码（称“页码”或“页”）等信息，便于读者快速定位。有时，书眉还会加入一些注解，如“校”、“订”等字样，体现了当时书籍的校勘情况。 版心与字口： 版心是版面内容的核心区域，占据了页面的大部分空间。字口（即刻在版心下部的刻工、印工信息，或年款、地名等）在不同的时期和地域有着不同的样式。早期的版刻中，字口可能比较简单，甚至没有。宋元时期，字口的内容逐渐增多，成为判断书籍年代、出处的重要依据。明清时期，字口的书写也逐渐形成了一定的程式化，有些十分精美，本身就具有一定的艺术价值。 行距与字距： 行距和字距的疏密程度，直接影响版面的通透感和阅读的舒适度。精良的古籍刻本，其行距、字距都经过精心设计，既不过于拥挤，也不显得空疏，恰到好处地营造出一种沉静、典雅的阅读氛围。有的刻本，作者或刻工还会根据文字内容调整字距，以达到最佳的视觉效果。 插图与装饰： 许多古籍刻本都包含精美的插图，这些插图并非简单的图示，而是与文字内容紧密结合，互为补充，甚至本身就是独立的艺术品。插图的风格、绘制技法、与文字的排版关系，都体现了设计者的匠心。此外，一些版式中还会加入回纹、花边等装饰元素，增强页面的美观度，也起到分隔版面、引导视线的作用。 版本差异与版式： 同一本书籍，在不同时期、不同刻工、不同地域，其版式也会有所差异。这种差异并非偶然，而是反映了当时的印刷技术、审美需求以及文化交流。研究这些版式差异，对于辨别版本、考证流传有着重要的意义。 三、 雕版技艺：刀笔之间的千年匠心 雕版技艺是古籍版刻的核心，它将文字和图像从纸上转化为木板，再通过印刷将之呈现。这项技艺需要雕刻匠人具备极高的手工技艺、对文字的深刻理解以及对艺术的敏感。 材料的选择： 雕刻的木材至关重要，通常选择质地细腻、纹理均匀、不易变形的梨木、枣木等。木材的选用直接影响到刻版的耐用度和印刷效果。 雕刻的工具： 雕刻工具主要有刻刀、推刀、凿刀等。不同的工具用于刻画不同的线条和笔画，要求匠人熟练掌握各种工具的运用。 雕刻的技法： 雕刻技法主要分为阳刻和阴刻。阳刻是将文字或图像的凸出部分保留，背景挖空；阴刻则相反，将文字或图像的凹入部分刻出，文字凸起。在古籍版刻中，阳刻居多，因为阳刻的文字印刷后更清晰，线条更硬朗。精湛的雕刻技艺体现在线条的流畅、笔画的力度、结构的准确，以及对文字神韵的把握。 “刀笔之间”的艺术： 匠人并非简单地照搬字样或图样，而是在“刀笔之间”注入了自己的理解和情感。同样的文字，在不同的匠人手中，可能会刻出不同的神韵。例如，有的匠人笔力遒劲，刻出的文字显得雄浑；有的匠人则细腻柔美，刻出的文字温婉可人。这种“刀笔之间”的艺术，使得每一块雕版都具有其独特的生命力。 版工的传承： 雕版技艺的传承是世代相传的。父子相传、师徒相授，将技艺和经验一代代传递下去。优秀的版工，往往经过多年的磨练，才能达到炉火纯青的地步。 版刻的类型： 根据刻工的不同，可以分为官刻、坊刻（民间刻本）、家刻（私人刻本）等。官刻往往规整严谨，坊刻则追求经济效益和流行性，家刻则可能更加自由、个性化。不同类型的版刻，其雕刻技艺和风格也会有所侧重。 四、 古籍版刻的文化意义与当代价值 古籍版刻不仅是技术工艺的结晶，更是承载中华民族深厚文化底蕴的重要载体。 历史文献的见证： 它们记录了古代的知识、思想、文学、艺术，是研究历史、文化、社会的重要一手资料。 书法与绘画艺术的载体： 许多古籍刻本本身就是书法和绘画的杰作，其字体、插图都具有极高的艺术价值，是研究中国书画史不可或缺的一部分。 印刷技术发展的里程碑： 雕版印刷术是中国古代四大发明之一，古籍版刻是其发展过程中最辉煌的篇章，对世界印刷术的发展产生了深远影响。 文化传承的使命： 保护和研究古籍版刻，就是保护和传承中华民族的宝贵文化遗产，让这些古老的智慧和美学得以延续。 当代审美的启示： 如今，我们仍然可以从古籍版刻的字体设计、版式布局、雕刻技艺中汲取灵感，为现代设计、出版、艺术创作提供新的视角和可能性。例如，现代字体设计可以借鉴古籍字体的韵味，现代版式设计可以学习古籍排版的疏朗之美，而精湛的手工技艺，更是对当下追求“慢生活”、“匠人精神”的一种呼应。 本书通过对古籍版刻中的字体、版式和雕版技艺的深入解析，旨在引导读者穿越时空的界限，去欣赏和理解这些古老书籍所蕴含的独特艺术魅力和文化价值，从而更深刻地认识到它们在中华文明史上的重要地位。我们希望通过这样的梳理，能够激发更多人对古籍版刻的兴趣，共同守护这份珍贵的文化遗产。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我最初有些担心这类主题的书籍会过于学术化，读起来会像啃硬骨头，但这本书成功地避开了这种陷阱。它在保持学术深度的同时，采用了非常流畅的叙事结构，使得即便是初学者也能轻松跟上作者的思路。作者对于不同时期字体演变趋势的把握精准到位，尤其对那些转折性的历史节点，解释得极其到位，让人恍然大悟。比如，书中对宋元雕版风格差异的对比，简直是鞭辟入里，让你能一眼看出不同年代作品所蕴含的时代精神。阅读过程中，我发现自己对“古朴”和“秀雅”这些抽象概念有了更具体的图像化理解，这完全得益于书中大量高质量的插图和清晰的文字阐释。这本书不仅是一本工具书，更像是一本带领我们穿越时空的艺术导览手册，每一次翻阅都有新的发现和感悟，非常值得珍藏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和内容质量，完全配得上“精”这个字。它的印刷精度极高，即便是那些原本模糊不清、细节难以辨认的拓本，经过本书的处理后，也变得清晰可辨，极大地提升了研究和欣赏的便利性。我特别欣赏作者在选材上的独到眼光，很多被学界忽视的、但具有研究价值的小刻本也被纳入了考察范围，极大地丰富了我们对古代版刻艺术的认知版图。更重要的是，本书在学术研究和大众普及之间找到了一个绝佳的平衡点。它既能满足专业人士对细节考证的需求，也能让普通爱好者在阅读过程中感受到古籍之美，而不会感到知识上的隔阂。这种兼顾广度和深度的编辑策略，使得这本书在同类题材中脱颖而出，成为我案头必备的参考书之一，时不时地拿出来翻阅一下，总能有所启发。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内页排版简直是艺术品，那种严谨中透着灵动的气韵，让人不得不佩服古代匠人的智慧。我尤其喜欢它对于某些特定字体的选取和呈现方式，那种错落有致的布局，让原本枯燥的文字也仿佛拥有了生命。很多我们现在看到的书法作品，其底蕴往往深藏于这些早期的刻本之中，而这本书恰恰捕捉到了这一点。它不仅仅是展示“是什么”，更深入地探讨了“为什么会是这样”，对不同地域、不同流派的刻书风格进行了细致入微的比较分析。阅读过程中，我时常会停下来，对照着书中的图例，想象着刻工们是如何用手中的刻刀，一丝不苟地将文字从木板上镌刻出来的。这种沉浸式的体验，远非单纯的文字描述所能比拟。而且，书中选取的范例覆盖面极广，从官方钦定的御制刻本到民间私刻的小册子，都能找到其代表性的印证，让人对古代出版业的全貌有了更清晰的认知。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，远超乎其本身的物理形态。它提供了一种观察和理解中国文化传承脉络的独特视角。雕版艺术本身就是一种“留痕”的历史，每一刀的深浅、每一墨的晕染，都记录着那个时代的文化思潮和社会风貌。这本书的编排逻辑非常清晰，仿佛为读者搭建了一个多维度的鉴赏平台，让你不仅能看到字形的变化，还能感受到背后所承载的工艺技术和时代审美。我个人最喜欢的是它对于一些经典作品的局部放大和细致解析，那些原本一扫而过的细微纹理和刀痕，在本书的呈现下，变得栩栩如生，充满了故事感。这本书的出现，无疑为古籍爱好者提供了一份极为宝贵的资源，它不仅仅是知识的堆砌，更是一场关于时间、技艺与美学的深度对话，让人在阅读中体验到一种近乎冥想般的宁静与满足。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实令人眼前一亮，封面那种略带陈旧感的纸张和精致的烫金字体，一下子就将人拉回到了那个墨香四溢的年代。我一直对古代的印刷技术怀有浓厚的兴趣，尤其是那些流传下来的珍贵刻本，每一页都凝聚着匠人的心血。拿到书后，我迫不及待地翻阅起来，那种触感，仿佛能感受到雕版在木头上摩擦时发出的细微声响。书中的版式安排非常讲究，留白恰到好处，既不显得空洞，也不会让人感到压抑。对于一个非专业人士来说，这本书的导读部分处理得非常贴心，它没有一上来就抛出复杂的专业术语，而是用一种娓娓道来的方式，引领读者逐步进入古籍的世界。特别是其中对于不同时期刻工风格演变的梳理，简直是教科书级别的精彩，每一个细节的对比都做得入木三分，让人在欣赏美的同时，也能学到不少鉴赏的门道。这本书的纸张质量也值得称赞，厚实而富有韧性，让人爱不释手，很适合反复摩挲把玩。