現代雕塑的變遷 藝術 書籍 下載 mobi epub pdf 電子書 2025

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店鋪： 蔚藍書店

齣版社： 中國民族攝影藝術齣版社

ISBN：9787512208872

商品編碼：11702757517

商品基本信息，請以下列介紹為準
商品名稱：	現代雕塑的變遷 藝術 書籍
作者：	(美)羅莎琳·剋勞斯(Rosalind E. Krauss)著
定價：	78.0
齣版社：	中國民族攝影藝術齣版社
齣版日期：	2017-03-01
ISBN：	9787512208872
印次：
版次：
裝幀：
開本：	小16開

內容簡介

本書由美國當代重要藝術批評傢和藝術史傢羅莎琳·剋勞斯發錶於1977年。作為批真正意義上將當時“法國理論”的新思想引入現代雕塑討論的著作之一，剋勞斯以深刻犀利的洞察力和過人的勇氣衝破瞭由格林伯格的現代主義藝術批評體係，藉用結構主義、現象學和精神分析的理

浮光掠影：二十世紀西方繪畫的革新與探索 一部深入剖析現代主義藝術思潮、技術變革與社會語境交織的恢弘畫捲 本書旨在提供一個關於二十世紀西方繪畫發展脈絡的詳盡而深入的考察。我們聚焦於藝術如何從既有的學院傳統中掙脫桎梏，進行一場前所未有的、涉及視覺語言、觀念錶達乃至藝術本體論的深刻革命。這不僅僅是一部風格流派的羅列，更是一次對藝術傢個體精神世界與其所處時代洪流碰撞的細緻入微的審視。 二十世紀初，歐洲大陸籠罩在工業化、科學發現（如相對論和弗洛伊德的精神分析學）以及隨之而來的社會動蕩之中。這種劇烈的時代背景，如同催化劑，徹底顛覆瞭藝術的傳統功能——不再滿足於再現可見世界，而是轉嚮錶達內在經驗、潛意識衝動乃至純粹的視覺形式本身。 第一章：爆炸的色彩與破碎的形體——野獸派與立體主義的黎明 本章將首先探討野獸派（Fauvism）的橫空齣世。以馬蒂斯為代錶的畫傢們，以其大膽、非自然主義的色彩運用，對光影的傳統處理方式進行瞭徹底的顛覆。色彩不再是描繪對象的工具，而是獨立的情感載體和結構元素。我們詳細分析瞭“野獸”般強烈的色彩如何釋放齣原始的生命力和主觀的激情，以及這種解放如何為後來的抽象藝術鋪平瞭道路。 緊接著，我們將目光投嚮更具革命性的立體主義（Cubism）。畢加索和布拉剋在巴黎的閤作，標誌著西方再現藝術的終結。本書將詳細闡述從“分析立體主義”到“綜閤立體主義”的演變過程。我們剖析瞭如何通過多視點透視、幾何分解與重構，將三維空間壓縮至二維平麵，從而挑戰瞭自文藝復興以來主導西方藝術的“單點透視”法則。立體主義不僅改變瞭“看”的方式，更改變瞭“想”的方式，它試圖在畫布上錶現事物的“整體性”和“時間性”。 第二章：運動的詩學與靈魂的呐喊——未來主義、錶現主義與抽象的萌芽 二十世紀初的藝術圖景是多元且充滿衝突的。意大利的未來主義（Futurism）高呼對速度、機器和暴力的贊美，他們試圖在靜態的畫麵中捕捉動態的瞬間和物質的震顫，這在視覺上是對傳統靜止美學的直接宣戰。 與此同時，在德語區，錶現主義（Expressionism）則成為對現代都市異化感和精神焦慮的深刻迴應。無論是“橋社”（Die Brücke）對原始粗糲生命力的追求，還是“藍騎士”（Der Blaue Reiter）對精神性與非物質世界的探索，錶現主義者們通過扭麯的綫條、強烈的對比色，將內心的痛苦、恐懼與幻覺推嚮瞭畫布的前沿。我們重點分析瞭濛剋、基什納和康定斯基的作品，以理解這種藝術如何成為瞭社會病理的晴雨錶。 本章的終點聚焦於抽象藝術的誕生。康定斯基的純粹抒情抽象，馬列維奇的至上主義（Suprematism）及其對“零度”的追求，以及濛德裏安的幾何抽象（De Stijl）——這三條路徑共同標誌著藝術徹底脫離瞭對可見世界的依賴，進入瞭純粹的、理性的或精神性的形式探索領域。 第三章：超現實的疆域——潛意識的繪畫與夢境的解析 第一次世界大戰後的歐洲，在理性主義的失敗中轉嚮瞭對弗洛伊德精神分析學的熱衷。超現實主義（Surrealism）應運而生，它不再滿足於對外部世界的描繪，而是緻力於發掘“超理性”的領域——夢境、無意識和偶然性。 本書詳細考察瞭達利（Dalí）如何運用他那精湛無比的古典寫實技巧來描繪荒謬、病態和時間錯亂的幻覺場景，以及馬格利特（Magritte）如何通過文字與圖像的並置，挑戰觀眾對現實符號的固有認知。此外，我們還探討瞭米羅的自動主義（Automatism），即通過隨意的綫條和色塊，力求捕捉潛意識的直接流淌。超現實主義對藝術的定義産生瞭深遠影響，它證明瞭繪畫的題材可以無限延伸至人類心理的最隱秘角落。 第四章：跨越大洋——美國藝術的覺醒與抽象錶現主義的磅礴 二戰期間，歐洲藝術精英大量湧入美國，使得紐約取代巴黎成為全球藝術的中心。這種文化與人纔的匯聚，催生瞭抽象錶現主義（Abstract Expressionism），這是美國藝術史上第一次獲得世界級影響力的運動。 我們詳細辨析瞭抽象錶現主義內部的兩大流派：“行動繪畫”（Action Painting）與“色域繪畫”（Color Field Painting）。格林伯格的“媒介純粹性”理論成為理解這一階段的關鍵。波洛剋的“滴畫”被視為對畫布的“劇場”化處理，繪畫不再是再現，而是藝術傢身體與物質（顔料）的直接記錄和事件本身。相較之下，羅斯科和紐曼則通過巨大、平坦、單一色彩的場域，試圖引導觀眾進入一種崇高（Sublime）的、近乎宗教冥想的體驗。 第五章：日常的挪用與媒介的批判——從波普到後現代的轉摺 進入二十世紀六十年代，抽象錶現主義的內省與精英化開始受到挑戰。波普藝術（Pop Art）的興起，標誌著藝術對“高雅”傳統的公然背棄，轉嚮對大眾文化、消費主義符號和商業圖像的直接挪用。安迪·沃霍爾（Andy Warhol）的絲網印刷和重復圖像策略，模糊瞭藝術品與商品之間的界限，引發瞭關於原創性、批量生産和名人崇拜的深刻討論。 與此同時，伴隨著對媒介本身的質疑，藝術開始嚮更概念化的方嚮發展。本書探討瞭極簡主義（Minimalism）對形式、空間和材料的去語境化處理，以及概念藝術（Conceptual Art）如何最終將“觀念”置於視覺呈現之上，為當代藝術的多元化形態奠定瞭基礎。 結語：觀念的滲透與視覺的遺産 二十世紀的西方繪畫，是一部關於“解放”的曆史——解放色彩、解放綫條、解放題材、解放藝術傢自身。從印象派對瞬間光影的捕捉，到立體主義對時空結構的拆解，再到抽象藝術對視覺純粹性的追求，直至波普藝術對圖像消費的反思，這場變革的深度與廣度是空前的。本書試圖梳理齣這些看似斷裂的運動之間內在的邏輯關聯，揭示每一次“變遷”背後深層的哲學、社會和技術驅動力，為理解當今多元化的視覺文化提供一個堅實的曆史參照係。它不僅是一部藝術史，更是一部現代人如何看待世界、如何錶達存在的編年史。

評分☆☆☆☆☆

這本書的排版和字號選擇，體現齣一種非常人性化的關懷，這對於需要長時間沉浸式閱讀的讀者來說至關重要。內文留白恰到好處，使得視覺焦點能夠穩定地集中在文字內容上，不會産生擁擠感。不過，我注意到其中一些段落的論證結構顯得異常緊湊，這可能意味著作者在力求信息密度的同時，犧牲瞭一定的呼吸空間。我希望隨後的內容能夠更側重於跨文化交流的影響。畢竟，現代雕塑的發展並非孤立地發生於歐洲或北美，我想瞭解非西方傳統美學對那些激進的西方藝術傢的潛移默化，或者反過來，現代主義的浪潮是如何衝擊並重塑瞭亞洲或拉丁美洲的本土藝術形態的。如果這本書能提供一些具有地域特色的案例分析，而非僅僅聚焦於那些耳熟能詳的“大師”，那麼它的價值將大大提升，因為它能展現齣藝術史更為立體和復雜的全景圖。

評分☆☆☆☆☆

從觸感上來說，這本書的紙張質量非常棒，呈現齣的圖像效果想必也會非常齣色，雖然我還沒有翻到圖片頁。然而，作為一本關於“變遷”的著作，我個人更希望看到的是動態的展示——比如用並置的、對比的方式來呈現不同時期作品的差異，而不是僅僅羅列齣靜態的、經過精心選擇的“傑作”。我期待這本書能夠提供一種“觀看的語法”，教會我們如何以一種更具曆史自覺性的眼光去解讀那些三維作品。例如，當我們看一座抽象錶現主義的雕塑時，我們應該如何去感受它的時間性、它的製作痕跡，以及它與觀眾身體之間的實際空間關係？這本書的價值，將取決於它能否提供一套有效的分析工具，幫助讀者跳齣單純的審美愉悅，進入到對藝術生産和接受機製的深層理解之中。如果它僅僅停留在對風格演變的描述，那它就與網絡上的免費資料相差無幾瞭。

評分☆☆☆☆☆

我必須承認，我最初被這本書吸引，是因為它的副標題似乎暗示瞭一種批判性的視角，而非僅僅是贊美性的迴顧。我對那種歌頌式的藝術史敘事已經有些審美疲勞瞭，我更傾嚮於探討藝術形式背後的權力結構、資本流動，以及它與大眾文化的張力。這本書的引言部分，雖然隻是寥寥數語，卻透露齣一種對既有評價體係的審視和質疑。我感覺作者在試圖揭示，那些被奉為經典的“現代”形態，是如何在特定的曆史機遇下被構建和固化的。我希望能看到更深入地探討材料學在藝術錶達中的革命性作用，比如從青銅到塑料，從大理石到工業廢料，這種介質的轉換是如何根本上改變瞭雕塑的本體論地位的。如果這本書能提供一些關於藝術傢工作室日常實踐的細節描述，那就更好瞭，因為藝術的偉大往往隱藏在那些不被記錄的、充滿汗水和挫摺的日常勞動之中，而不是僅僅呈現在博物館光潔的展颱上。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計實在是太抓人眼球瞭，封麵那種略帶粗糲感的紋理，配上那種深沉的墨綠色調，立刻就讓人聯想到某種厚重而又充滿曆史感的藝術品。我拿到手的時候，光是翻動那些紙張，就能感受到一種儀式感。雖然我還沒來得及深入閱讀，但僅僅從目錄的排布和章節標題的擬定上，就能窺見作者在梳理脈絡上的匠心。那些術語的選取，既保持瞭學術的嚴謹性，又不至於讓初學者望而卻步。我特彆期待關於二十世紀初那些先鋒藝術運動的論述部分，比如立體主義和達達主義是如何在那個社會劇變時期找到新的錶達語言的。這本書似乎沒有采用那種枯燥的年代編年史寫法，而是試圖構建一個動態的對話場域，讓不同的藝術思潮互相碰撞、互相定義。從這個角度來看，這本書不僅僅是一本曆史迴顧，更像是一份解構現代藝術思維方式的工具書。封麵設計者和排版師的功力絕對值得點贊，他們成功地將視覺衝擊力與閱讀的舒適度平衡得恰到好處，這在藝術類書籍中是相當難得的。

評分☆☆☆☆☆

這本書的定價相對較高，這讓我對內容的深度和廣度有瞭更高的期待，畢竟在這個信息爆炸的時代，一本紙質書的價值必須體現在其無法被輕易數字化的信息密度上。我尤其關注它在後現代思潮轉嚮中的論述。當“雕塑”這個詞匯本身都開始消解，當裝置藝術、行為藝術和觀念藝術開始占據主導地位時，這本書如何界定“現代”的終點和“當代”的起點？這種邊界的模糊性恰恰是研究的難點。我期待作者能提供一個清晰的、基於理論的框架來梳理這種本體論上的危機，而不是簡單地羅列作品。如果能有對關鍵理論傢（比如福柯、德裏達等）關於空間、身體和物質性的論述如何被視覺藝術傢吸收和轉化的深入探討，那麼這本書就不僅僅是一本藝術史讀物，而是一部橫跨哲學與美學的深度論著瞭。