现代雕塑的变迁 艺术 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 蔚蓝书店

出版社： 中国民族摄影艺术出版社

ISBN：9787512208872

商品编码：11702757517

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	现代雕塑的变迁 艺术 书籍
作者：	(美)罗莎琳·克劳斯(Rosalind E. Krauss)著
定价：	78.0
出版社：	中国民族摄影艺术出版社
出版日期：	2017-03-01
ISBN：	9787512208872
印次：
版次：
装帧：
开本：	小16开

内容简介

本书由美国当代重要艺术批评家和艺术史家罗莎琳·克劳斯发表于1977年。作为批真正意义上将当时“法国理论”的新思想引入现代雕塑讨论的著作之一，克劳斯以深刻犀利的洞察力和过人的勇气冲破了由格林伯格的现代主义艺术批评体系，借用结构主义、现象学和精神分析的理

浮光掠影：二十世纪西方绘画的革新与探索 一部深入剖析现代主义艺术思潮、技术变革与社会语境交织的恢弘画卷 本书旨在提供一个关于二十世纪西方绘画发展脉络的详尽而深入的考察。我们聚焦于艺术如何从既有的学院传统中挣脱桎梏，进行一场前所未有的、涉及视觉语言、观念表达乃至艺术本体论的深刻革命。这不仅仅是一部风格流派的罗列，更是一次对艺术家个体精神世界与其所处时代洪流碰撞的细致入微的审视。 二十世纪初，欧洲大陆笼罩在工业化、科学发现（如相对论和弗洛伊德的精神分析学）以及随之而来的社会动荡之中。这种剧烈的时代背景，如同催化剂，彻底颠覆了艺术的传统功能——不再满足于再现可见世界，而是转向表达内在经验、潜意识冲动乃至纯粹的视觉形式本身。 第一章：爆炸的色彩与破碎的形体——野兽派与立体主义的黎明 本章将首先探讨野兽派（Fauvism）的横空出世。以马蒂斯为代表的画家们，以其大胆、非自然主义的色彩运用，对光影的传统处理方式进行了彻底的颠覆。色彩不再是描绘对象的工具，而是独立的情感载体和结构元素。我们详细分析了“野兽”般强烈的色彩如何释放出原始的生命力和主观的激情，以及这种解放如何为后来的抽象艺术铺平了道路。 紧接着，我们将目光投向更具革命性的立体主义（Cubism）。毕加索和布拉克在巴黎的合作，标志着西方再现艺术的终结。本书将详细阐述从“分析立体主义”到“综合立体主义”的演变过程。我们剖析了如何通过多视点透视、几何分解与重构，将三维空间压缩至二维平面，从而挑战了自文艺复兴以来主导西方艺术的“单点透视”法则。立体主义不仅改变了“看”的方式，更改变了“想”的方式，它试图在画布上表现事物的“整体性”和“时间性”。 第二章：运动的诗学与灵魂的呐喊——未来主义、表现主义与抽象的萌芽 二十世纪初的艺术图景是多元且充满冲突的。意大利的未来主义（Futurism）高呼对速度、机器和暴力的赞美，他们试图在静态的画面中捕捉动态的瞬间和物质的震颤，这在视觉上是对传统静止美学的直接宣战。 与此同时，在德语区，表现主义（Expressionism）则成为对现代都市异化感和精神焦虑的深刻回应。无论是“桥社”（Die Brücke）对原始粗粝生命力的追求，还是“蓝骑士”（Der Blaue Reiter）对精神性与非物质世界的探索，表现主义者们通过扭曲的线条、强烈的对比色，将内心的痛苦、恐惧与幻觉推向了画布的前沿。我们重点分析了蒙克、基什纳和康定斯基的作品，以理解这种艺术如何成为了社会病理的晴雨表。 本章的终点聚焦于抽象艺术的诞生。康定斯基的纯粹抒情抽象，马列维奇的至上主义（Suprematism）及其对“零度”的追求，以及蒙德里安的几何抽象（De Stijl）——这三条路径共同标志着艺术彻底脱离了对可见世界的依赖，进入了纯粹的、理性的或精神性的形式探索领域。 第三章：超现实的疆域——潜意识的绘画与梦境的解析 第一次世界大战后的欧洲，在理性主义的失败中转向了对弗洛伊德精神分析学的热衷。超现实主义（Surrealism）应运而生，它不再满足于对外部世界的描绘，而是致力于发掘“超理性”的领域——梦境、无意识和偶然性。 本书详细考察了达利（Dalí）如何运用他那精湛无比的古典写实技巧来描绘荒谬、病态和时间错乱的幻觉场景，以及马格利特（Magritte）如何通过文字与图像的并置，挑战观众对现实符号的固有认知。此外，我们还探讨了米罗的自动主义（Automatism），即通过随意的线条和色块，力求捕捉潜意识的直接流淌。超现实主义对艺术的定义产生了深远影响，它证明了绘画的题材可以无限延伸至人类心理的最隐秘角落。 第四章：跨越大洋——美国艺术的觉醒与抽象表现主义的磅礴 二战期间，欧洲艺术精英大量涌入美国，使得纽约取代巴黎成为全球艺术的中心。这种文化与人才的汇聚，催生了抽象表现主义（Abstract Expressionism），这是美国艺术史上第一次获得世界级影响力的运动。 我们详细辨析了抽象表现主义内部的两大流派：“行动绘画”（Action Painting）与“色域绘画”（Color Field Painting）。格林伯格的“媒介纯粹性”理论成为理解这一阶段的关键。波洛克的“滴画”被视为对画布的“剧场”化处理，绘画不再是再现，而是艺术家身体与物质（颜料）的直接记录和事件本身。相较之下，罗斯科和纽曼则通过巨大、平坦、单一色彩的场域，试图引导观众进入一种崇高（Sublime）的、近乎宗教冥想的体验。 第五章：日常的挪用与媒介的批判——从波普到后现代的转折 进入二十世纪六十年代，抽象表现主义的内省与精英化开始受到挑战。波普艺术（Pop Art）的兴起，标志着艺术对“高雅”传统的公然背弃，转向对大众文化、消费主义符号和商业图像的直接挪用。安迪·沃霍尔（Andy Warhol）的丝网印刷和重复图像策略，模糊了艺术品与商品之间的界限，引发了关于原创性、批量生产和名人崇拜的深刻讨论。 与此同时，伴随着对媒介本身的质疑，艺术开始向更概念化的方向发展。本书探讨了极简主义（Minimalism）对形式、空间和材料的去语境化处理，以及概念艺术（Conceptual Art）如何最终将“观念”置于视觉呈现之上，为当代艺术的多元化形态奠定了基础。 结语：观念的渗透与视觉的遗产 二十世纪的西方绘画，是一部关于“解放”的历史——解放色彩、解放线条、解放题材、解放艺术家自身。从印象派对瞬间光影的捕捉，到立体主义对时空结构的拆解，再到抽象艺术对视觉纯粹性的追求，直至波普艺术对图像消费的反思，这场变革的深度与广度是空前的。本书试图梳理出这些看似断裂的运动之间内在的逻辑关联，揭示每一次“变迁”背后深层的哲学、社会和技术驱动力，为理解当今多元化的视觉文化提供一个坚实的历史参照系。它不仅是一部艺术史，更是一部现代人如何看待世界、如何表达存在的编年史。

评分☆☆☆☆☆

这本书的定价相对较高，这让我对内容的深度和广度有了更高的期待，毕竟在这个信息爆炸的时代，一本纸质书的价值必须体现在其无法被轻易数字化的信息密度上。我尤其关注它在后现代思潮转向中的论述。当“雕塑”这个词汇本身都开始消解，当装置艺术、行为艺术和观念艺术开始占据主导地位时，这本书如何界定“现代”的终点和“当代”的起点？这种边界的模糊性恰恰是研究的难点。我期待作者能提供一个清晰的、基于理论的框架来梳理这种本体论上的危机，而不是简单地罗列作品。如果能有对关键理论家（比如福柯、德里达等）关于空间、身体和物质性的论述如何被视觉艺术家吸收和转化的深入探讨，那么这本书就不仅仅是一本艺术史读物，而是一部横跨哲学与美学的深度论著了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在是太抓人眼球了，封面那种略带粗粝感的纹理，配上那种深沉的墨绿色调，立刻就让人联想到某种厚重而又充满历史感的艺术品。我拿到手的时候，光是翻动那些纸张，就能感受到一种仪式感。虽然我还没来得及深入阅读，但仅仅从目录的排布和章节标题的拟定上，就能窥见作者在梳理脉络上的匠心。那些术语的选取，既保持了学术的严谨性，又不至于让初学者望而却步。我特别期待关于二十世纪初那些先锋艺术运动的论述部分，比如立体主义和达达主义是如何在那个社会剧变时期找到新的表达语言的。这本书似乎没有采用那种枯燥的年代编年史写法，而是试图构建一个动态的对话场域，让不同的艺术思潮互相碰撞、互相定义。从这个角度来看，这本书不仅仅是一本历史回顾，更像是一份解构现代艺术思维方式的工具书。封面设计者和排版师的功力绝对值得点赞，他们成功地将视觉冲击力与阅读的舒适度平衡得恰到好处，这在艺术类书籍中是相当难得的。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我最初被这本书吸引，是因为它的副标题似乎暗示了一种批判性的视角，而非仅仅是赞美性的回顾。我对那种歌颂式的艺术史叙事已经有些审美疲劳了，我更倾向于探讨艺术形式背后的权力结构、资本流动，以及它与大众文化的张力。这本书的引言部分，虽然只是寥寥数语，却透露出一种对既有评价体系的审视和质疑。我感觉作者在试图揭示，那些被奉为经典的“现代”形态，是如何在特定的历史机遇下被构建和固化的。我希望能看到更深入地探讨材料学在艺术表达中的革命性作用，比如从青铜到塑料，从大理石到工业废料，这种介质的转换是如何根本上改变了雕塑的本体论地位的。如果这本书能提供一些关于艺术家工作室日常实践的细节描述，那就更好了，因为艺术的伟大往往隐藏在那些不被记录的、充满汗水和挫折的日常劳动之中，而不是仅仅呈现在博物馆光洁的展台上。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和字号选择，体现出一种非常人性化的关怀，这对于需要长时间沉浸式阅读的读者来说至关重要。内文留白恰到好处，使得视觉焦点能够稳定地集中在文字内容上，不会产生拥挤感。不过，我注意到其中一些段落的论证结构显得异常紧凑，这可能意味着作者在力求信息密度的同时，牺牲了一定的呼吸空间。我希望随后的内容能够更侧重于跨文化交流的影响。毕竟，现代雕塑的发展并非孤立地发生于欧洲或北美，我想了解非西方传统美学对那些激进的西方艺术家的潜移默化，或者反过来，现代主义的浪潮是如何冲击并重塑了亚洲或拉丁美洲的本土艺术形态的。如果这本书能提供一些具有地域特色的案例分析，而非仅仅聚焦于那些耳熟能详的“大师”，那么它的价值将大大提升，因为它能展现出艺术史更为立体和复杂的全景图。

评分☆☆☆☆☆

从触感上来说，这本书的纸张质量非常棒，呈现出的图像效果想必也会非常出色，虽然我还没有翻到图片页。然而，作为一本关于“变迁”的著作，我个人更希望看到的是动态的展示——比如用并置的、对比的方式来呈现不同时期作品的差异，而不是仅仅罗列出静态的、经过精心选择的“杰作”。我期待这本书能够提供一种“观看的语法”，教会我们如何以一种更具历史自觉性的眼光去解读那些三维作品。例如，当我们看一座抽象表现主义的雕塑时，我们应该如何去感受它的时间性、它的制作痕迹，以及它与观众身体之间的实际空间关系？这本书的价值，将取决于它能否提供一套有效的分析工具，帮助读者跳出单纯的审美愉悦，进入到对艺术生产和接受机制的深层理解之中。如果它仅仅停留在对风格演变的描述，那它就与网络上的免费资料相差无几了。