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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103036204

商品编码：1274814178

出版时间：2009-02-01

作  者:吕仲起 定  价:15 出 版 社:人民音乐出版社 出版日期:2009年02月01日 页  数:182 装  帧:平装 ISBN:9787103036204 ●课 五线谱的基础知识
●记谱法
●五线谱
●乐音
●噪音
●乐音体系
●音列
●音级
●基本音级
●音名
●唱名
●第二课 五线谱怎样记录音的高低
●音符
●线与间
●八度
●音的分组
●谱号与谱表
●十二平均律
●半音与全音
●变化音级
●部分目录

内容简介

串串“蝌蚪”汇成了缠绵、婉蜒的乐的溪水，流淌在五条清凉、甜美的小溪间，令人惬意、爽朗。如何演唱这盘恒于五线间的“蝌蚪”呢？就从这里开始，顺着线间的阶梯，慢慢走进音乐的庙堂和凡间。
本书内容包括：五线谱的基础知识、五线谱怎样记录音的高低、五线谱怎样记录音的长短与强弱、什么是音程、怎样唱好五线谱中的临时变化音等。

音乐的视觉语言：探索旋律背后的建筑学 图书名称： 音乐的视觉语言：探索旋律背后的建筑学 图书简介： 本书并非关于如何快速识谱的实用指南，它是一次深入音乐符号系统内在逻辑与美学价值的哲学之旅。我们生活在一个被声音包围的世界，音乐是情感最直接的载体，而五线谱，作为记录和传承这些情感的精密工具，其背后的原理和演变，远比单纯的“高低音标记”要复杂和迷人。 《音乐的视觉语言：探索旋律背后的建筑学》旨在揭示音乐记谱法——特别是西方古典音乐体系——是如何将无形的、流逝的时间和振动，转化为一种固定、可分析的二维空间结构。我们将暂且搁置“C调在哪根线上”这类基础知识，转而探究记谱法本身作为一种人类文明智慧结晶的演变历程及其对音乐创作和理解的深刻影响。 第一章：符号的起源与演进——从口传到刻录的飞跃 本章追溯了记谱法的史前时期。在印刷术和规范化记谱法出现之前，音乐的传承严重依赖记忆和模仿。我们将探讨早期教会使用的纽姆记谱法（Neumes），这些小小的符号如何在图卢兹修道院的石板上、羊皮纸上，从最初仅仅提示旋律走向的“记忆辅助器”，逐渐演变成能够指示音高相对位置的工具。 我们不会停留在描述符号形状的层面，而是深入分析为何需要这种转变。这种需求源于中世纪欧洲宗教仪式对音乐统一性的严格要求。纽姆的形态变化，如“加线性记号”（Line Notation）的引入，本质上是人类对“精确度”的渴求在视觉艺术上的体现。我们将分析如何通过增加线条和引入不同颜色的墨水（例如，代表F音和C音的特定颜色线），初步构建出一个基于空间距离的“音高坐标系”。这种对空间的几何化处理，是西方音乐体系区别于其他文化音乐体系的关键一步。 第二章：五线谱的结构解析——空间、时间与张力的几何学 本章将五线谱视为一种精密的建筑结构。五条线，四个间隙，它们并非随机排列，而是对十二平均律中音程关系的视觉映射。我们将深入剖析高音谱号和低音谱号的“定位锚”作用。谱号的本质，是为整个记谱系统确定一个绝对的“零点”或“基准点”，一旦这个点确定，其余所有的音高便以此为中心向上传递或向下延伸。 我们将从几何学角度审视八度关系。八度不仅是频率上的两倍关系，在视觉上，它体现为两条同名音符在谱表上的垂直对齐——一种完美的周期性重复。这种周期性，正是音乐结构稳定性的视觉体现。此外，本章还将探讨加线（Ledger Lines）的设计哲学：当音高超出五线谱的物理边界时，加线如何巧妙地扩展了系统的空间感，使音乐的“高度”得以无限延伸，避免了频繁更换谱号带来的阅读断裂感。 第三章：节奏的刻度与分割——时间的量化艺术 如果音高是垂直的建筑，那么节奏便是水平的框架和时间刻度。本章将聚焦于拍号（Time Signature）和音符时值（Note Values）。我们不会简单地解释“四四拍”意味着什么，而是探讨拍号如何将无限流动的音乐时间，切割成可感知、可预测的“节拍单元”。 拍号的选择，例如3/4拍的圆形感与4/4拍的方形稳定性，反映了作曲家对音乐内在驱动力的不同理解。我们将详细分析全音符、二分音符到十六分音符之间的数学关系——这种二元分割法（Binarism）是如何根植于西方数学思维，并有效地实现了对旋律进行精确分割和组合的可能。连音线（Ties）和符点（Dots）的设计，则是对时间流动的一种“柔化”处理，它们在视觉上维持了音符的完整性，但在听觉上实现了音值的延长，揭示了记谱法在表达“持续”而非“离散”概念时的精妙之处。 第四章：表情记号的语境化——从客观标记到主观诠释 记谱法的高级阶段，在于其对“演奏方式”的描述能力。本章关注速度标记（Tempo Markings）和力度标记（Dynamics）。这些看似附加的符号，实际上是赋予冰冷音符以生命和灵魂的关键。 我们将比较意大利语术语（如 Allegro, Adagio）与德语术语在描述速度时的细微差别，探讨它们如何引导演奏者进入特定的情感场域。力度记号（p, f, cresc.）是对声学能量的视觉标注。它们本质上是对听众预期的一种控制——何时释放能量，何时收敛，这如同在音乐的建筑中设置了光影的对比。理解这些标记，就是理解作曲家对“音乐呼吸”的精确控制。 第五章：记谱法的局限与当代探索——超越二维平面的尝试 任何系统都有其边界。《音乐的视觉语言》的最后一部分将探讨五线谱体系在处理某些音乐现象时的内在局限性。例如，对于微音（Microtones）、复杂的非周期性节奏模式（如复杂的复节奏或无明确节拍的音乐）以及电子音乐中的音色变化，传统记谱法显得力不从心。 本章将简要介绍一些现代作曲家为突破这些限制所做的创新性尝试，例如使用图形记谱法（Graphic Notation）、特定的数字标记系统或定制的符号集。这些探索表明，记谱法本身是一个持续演化的系统，它必须不断适应音乐观念的拓展。通过回顾历史和展望未来，读者将对音乐的“书写”艺术产生更深刻的敬意。 总结： 本书旨在引导读者超越对五线谱的机械记忆，将其视为一套历史悠久、逻辑严密的视觉语言系统。通过对其空间结构、时间分割和符号哲学的细致剖析，读者将能以更具洞察力的方式聆听和理解音乐的复杂性。掌握的不再仅仅是音符的位置，而是音符背后的设计理念——音乐作为一种可被精确构建和传承的人类智力杰作。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格让我感觉非常放松，仿佛是老朋友在咖啡馆里跟我聊天，分享他的音乐心得，而不是一位高高在上的教授在讲授深奥学问。它的幽默感是内敛而恰到好处的。比如，在解释休止符时，作者竟然戏称它们是“沉默的贵族，需要保持绝对的宁静”，这个形象的比喻让我一下子记住了休止符的“价值”——它占用时间，和发声的音符一样重要。这种拟人化的描述，极大地提升了学习的乐趣，让原本可能枯燥的规则变得鲜活起来。 而且，它对于“音乐感”的培养也着墨颇多，这一点是很多技术性乐理书完全忽略的。书中不只教你“这是什么音”，更会引导你思考“这个音在这里听起来感觉如何”。例如，在讲解调性色彩时，它会让你去对比大调的“明亮”和属七和弦的“紧张”，虽然没有深究复杂的和声学，但却为你未来的音乐审美打下了很好的基础。我发现自己听音乐的耳朵都有点不一样了，开始能捕捉到一些以前忽略的微妙变化，这完全是这本书潜移默化的功劳，它教会了我如何“倾听”，而不仅仅是“辨认”。

评分☆☆☆☆☆

从装帧和整体设计来看，这本教材体现了一种对读者的尊重。书本的开本适中，方便我随时带着它在公园的长椅上或者咖啡馆里翻阅。纸张的质量很好，即使用铅笔做了很多标记和涂画，也没有出现洇墨的情况，这对于需要大量做笔记的我来说非常重要。更值得称赞的是，书中附带的小测验和自我评估环节设计得非常巧妙。它们不是那种惩罚性的考试，而更像是“进度检查点”。 每次完成一个章节的学习后，我都会去做一下相应的练习，这些练习通常都与前面学到的知识点紧密结合，而且答案不是直接放在后面的附录里，而是采用了一种需要自己推导和检验的机制，这迫使我必须真正理解内容，而不是死记硬背。这种“主动学习”的模式极大地提高了我的学习效率。我以前买的教材，学完一半就束之高阁了，而这本，我一直保持着非常高的完成度，因为它让“学习”本身变成了一种正向反馈的体验，而不是一个需要完成的任务清单。

评分☆☆☆☆☆

这本乐理入门书简直是为我这种“乐盲”量身定做的！我一直对音乐充满好奇，但每当看到那些密密麻麻的五线谱就感觉大脑瞬间宕机。这本书的叙述方式非常亲和，完全没有传统教材那种拒人于千里之外的严肃感。作者似乎非常了解初学者的困境，他们没有一上来就抛出枯燥的音符位置和时值规则，而是先用一些非常生动的比喻，把音符想象成一个个在乐谱“田地”里散步的小精灵。我记得有一章讲到高音谱号和低音谱号的区别，他们竟然把它比作两个不同家族的族徽，让我瞬间就记住了它们的位置和象征意义。 更让我惊喜的是，这本书的排版设计非常用心。大量的插图不仅清晰，而且色彩搭配和谐，不会让人产生视觉疲劳。比如，在讲解节拍和拍号时，作者不是简单地画出横线和竖线，而是用不同长度的小木棒来模拟节奏的长度，这种直观的对比立刻让抽象的“一拍”具象化了。我以前在其他地方学到节奏时总是记不住“二分音符”和“四分音符”的关系，但看了这里的图解后，我一下子明白了它们之间的倍数关系。而且，书里还穿插了一些音乐史的小故事，让我明白这些规则是如何一步步演变而来的，这极大地激发了我继续学习的兴趣，感觉自己不是在背知识点，而是在探索音乐的密码。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买过好几本号称“零基础入门”的乐理书，但很多都像是在教我做复杂的微积分——概念一堆堆，实操几乎为零。但这本《识谱指南》的实用性真的让我刮目相看。它不只是停留在“认识C调”的层面，而是非常系统地引导你进行“视唱练习”。书里配套的音频资源简直是绝配，我可以直接跟着书上的练习曲目，边看边唱，甚至不需要钢琴就能练习。我尤其喜欢它设计的那种“渐进式难度”的曲例。开始是简单的四小节旋律，音符只在固定的一两条线上跳跃，等你掌握了，下一章立刻就引入跨越式的大跳音程。 这种循序渐进的设计，让我能够很稳健地建立起“看到音符”到“唱出音高”的肌肉记忆。我原本以为视奏是个遥不可及的技能，但通过这本书提供的节奏卡片（我把它们剪下来用了），每天坚持练习五分钟，现在我居然能跟着CD哼出一些简单的古典乐片段的音准了。这本书的作者显然非常了解学习过程中的“瓶颈期”，他们总能在关键时刻提供一个“小技巧”或者“口诀”来帮你跨越那个坎。这不是一本堆砌理论的书，它更像一位耐心且高明的私人音乐教练。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调这本书在处理历史背景和文化语境时的独到之处。很多入门书会把巴赫、莫扎特当作几个抽象的名字来介绍，但这本书却花了不少篇幅，将五线谱的形成与当时欧洲的音乐文化、记谱方式的演变紧密联系起来。它让我明白，这些看似僵化的规则，其实是人类智慧和艺术追求的结晶。比如，它解释了为什么音符的形状会随着时间的推移而简化，从早期的纽姆记谱法到后来的定行记谱法，每一步变革都有其深刻的时代背景。 这种深度的挖掘，让学习过程变得富有层次感和厚重感。我不再觉得我只是在学习一套工具，而是进入了一个宏大的音乐历史长河。书中收录的一些早期乐谱的局部放大图，虽然我当时还无法完全读懂，但那种历史的沧桑感，激发了我对未来更深层次学习的渴望。它成功地完成了从“技能传授”到“文化启蒙”的跨越，为我未来的音乐探索指明了一个更广阔的方向，让我知道识谱只是敲门砖，门后是无尽的音乐宝藏。