2016中国好书 中国艺术史九讲—方闻中国艺术史著作全编 湖北新华书店 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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方闻 著

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店铺： 湖北新华书店图书专营店

出版社： 上海书画出版社

ISBN：9787547911792

商品编码：13107580763

包装：平装-胶订

出版时间：2016-08-01

图书基本信息
图书名称	2016中国好书 中国艺术史九讲—方闻中国艺术史著作全编	作者	方闻
定价	68.00元	出版社	上海书画出版社
ISBN	9787547911792	出版日期	2016-08-01
字数		页码
版次	1	装帧	平装-胶订
开本	32开	商品重量	0.4Kg

内容简介

作者简介

目录

编辑推荐

文摘

序言

好的，这是一份不包含您提供的特定图书内容的、详细的图书简介，旨在介绍中国艺术史领域中其他重要著作的概览和价值。 --- 中国艺术史：穿越时空的审美之旅与学术探索 中国艺术史的研究，是一部宏大而精微的史诗，它不仅记录了数千年间审美趣味的变迁，更折射出不同时代社会结构、哲学思潮乃至日常生活的深刻图景。本套精选的艺术史文献集，旨在为读者构建一个多维度、多层次的学术视野，聚焦于中国艺术史研究中的几个核心领域——从早期文明的石器遗存到近现代艺术的转型，从宫廷院体的精致考究到民间艺术的蓬勃生命力。 本套选集着重于梳理不同学派对中国艺术核心问题的理解与阐释，着力于呈现那些构建了现代中国艺术史框架的重量级研究成果，这些著作跨越了不同语境，运用了多元的方法论。 第一部分：早期文明与青铜时代的精神底色 要理解中国艺术的根基，必须回溯至史前至先秦的漫长岁月。本部分选取的著作，集中探讨了中国文明早期艺术的起源及其精神内涵。 《早期中国艺术的象征世界：从史前到商周》 本书（代指）开创性地将考古学发现与人类学理论相结合，深入剖析了仰韶、马家窑文化中的陶器纹饰，以及二里头文化遗址中初露端倪的权力结构。重点着墨于商周青铜器的“狞厉”美学，探究了饕餮纹、雷纹等母题背后的宗教信仰与政治伦理。作者认为，青铜礼器并非单纯的实用器物，而是沟通天地、巩固王权的“神圣媒介”。该书详细比对了中原与其他边疆文化（如长江流域的石峁、三星堆）在早期艺术表达上的异同，勾勒出中华文明在艺术形态上多元一体的形成过程。其严谨的年代学划分和对图像学的细致解读，为后续研究奠定了坚实的基础。 第二部分：汉唐气象：古典艺术的巅峰与转型 汉魏六朝至唐代，是中国艺术史上气象万千、成就最为辉煌的时期。这一阶段的艺术，既承接了先秦的精神深度，又在佛教的传入与帝国盛世的催化下，达到了形式表达的极致。 《汉代画像石与帛画中的叙事结构》 该著作侧重于对汉代墓葬艺术中叙事手法的分析。它详细考察了画像石上“历史故事”、“神话传说”与“孝道伦理”的并置方式，揭示了汉代统治阶层如何通过视觉语言巩固其意识形态。特别是对“云气纹”和“凤凰”等母题的“形神兼备”的过渡分析，展示了线条艺术如何开始摆脱纯粹的物象描摹，向更具精神性的表达迈进。 《盛唐雕塑的“人道主义”转向》 针对唐代佛教造像，此书提出了一个关键的观点：唐代佛像的魅力，在于其从北魏的“秀骨清像”向“丰满圆润”的转变，标志着神性向人性的回归。作者以敦煌莫高窟、云冈石窟（尤其是晚期造像）及西安地区出土的造像为核心案例，运用雕塑史的经典分析方法，剖析了身体比例、衣褶处理乃至面部表情中蕴含的盛唐自信与雍容气度。书中对曹衣带水、吴带当风等著名衣饰处理技法的分类和辨析，具有极高的学术参考价值。 第三部分：宋代文人精神与审美范式的确立 宋代是中国艺术史上的一个“美学转折点”。宫廷的典雅、文人的内省，共同塑造了一种以“理学”为底色的、追求“意境”的全新审美范式。 《宋代绘画的“理性”与“情感”：院体与文人画的张力》 这部作品被公认为研究宋代绘画的必读书目之一。它清晰地界定了宋徽宗时代的院体画（如花鸟、界画）在“格律”和“写实精度”上的登峰造极，同时也深入探讨了以苏轼、米芾为代表的文人画家如何通过“尚意”来对抗院体的形式僵化。作者尤其关注山水画中“可游、可居、可观”的境界营造，分析了《千里江山图》等巨制中空间处理的复杂性，以及宋人对“静观”哲学的艺术回应。 第四部分：元明清：风格的成熟、学院的坚守与变革的萌芽 元代标志着文人阶层的艺术地位确立，明清两代则是在既有范式下，进行地域性拓展、技法复兴和观念碰撞的时期。 《元四家：山水画的地域性与个体化表达》 本书聚焦于黄公望、倪瓒等四位大师，探讨了他们如何将元代士人的政治失意转化为一种高度个人化的笔墨语言。倪瓒的“寂寥”、“空疏”如何成为一种象征性的符号，而黄公望的“皴法”如何被视为师法的终极参照，这些都体现在本书细致入微的笔墨分析之中。 《清初画坛的“复古”与“创新”：董其昌的遗产与“四王”的规制》 针对清初艺术，本书深入剖析了“以古为新”的复杂性。它研究了董其昌理论体系的构建——尤其是对南北宗的划分——如何深刻影响了后世对元明绘画的评价体系。随后，它细致考察了王时敏、王鉴等“四王”在继承古法过程中所进行的系统性整理与程式化处理，以及与之对立的“金陵画派”在地方色彩与笔墨自由度上的探索。 第五部分：近现代的冲击与艺术的现代性探索 晚清至民国，中国艺术面临着前所未有的“中西之辨”。新的媒介、新的教育体系和新的国家诉求，彻底重塑了传统艺术的形态。 《20世纪初期中国艺术教育体系的重构：从传统师承到学院制》 此著作通过档案研究和教育史梳理，展现了蔡元培、徐悲鸿等人如何引进西方的素描、解剖学等观念，对传统国画教育进行体系性的革新。它不仅关注了西画东渐带来的技法影响，更探讨了“艺术救国”的时代命题如何塑造了中国现代艺术家的身份认同。例如，对徐悲鸿的写实主义融合、潘天寿的笔墨张力和齐白石对民间趣味的坚守，提供了多维度的解读视角。 《中国现代艺术的转型期：民间工艺与新文化运动的交织》 本书将视野从精英艺术拓展至更广阔的社会层面，研究了在民国时期，如月份牌广告画、民间木刻年画以及陶瓷装饰中，传统元素如何被挪用、简化，以适应商业和大众传播的需求。这部分内容揭示了现代性并非单向度的自上而下的输入，而是在与底层和市场的互动中产生的复杂审美混合现象。 --- 这套精选的文献集，通过对不同时期、不同流派、不同方法的集成展示，旨在提供一个扎实且富有批判性的中国艺术史研究框架。读者将得以深入了解中国艺术史的脉络如何通过器物、图像和理论被构建、被争论和被重新发现。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的历史画卷，光是捧在手里就能感受到沉甸甸的分量，那种对知识的敬畏感油然而生。我最近沉迷于研究不同历史时期审美趣味的变迁，尤其是那些能够跨越地域和时间界限的艺术表达。读到一些关于早期文明如何将哲学思想融入绘画技法中的章节时，简直有种醍醐灌顶的感觉。作者对材料的考据极其严谨，比如详细描述了唐代颜料的配方以及对不同时期纸张质地影响的分析，这对于想要深入理解古代匠人工作状态的读者来说，是无价之宝。我尤其欣赏那种不满足于表面叙述，而是深入到社会结构、政治气候如何潜移默化地塑造了艺术风格的探讨。它不是简单的作品罗列，而是构建了一个宏大而精密的思想体系，让人在阅读过程中不断反思我们对“美”的既有认知框架。每一次翻阅，都能从那些看似平淡的文字中，挖掘出新的时代侧影。这本书无疑是一部需要细嚼慢咽的佳作，它的价值绝非一蹴而就能够完全领悟的。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我是一个对传统艺术史的叙事方式略感疲惫的读者，总觉得有很多陈词滥调。然而，这本著作却成功地避开了许多俗套的赞美和僵硬的断代划分。它更像是在编织一张由艺术、思想、技术和政治相互交织的巨大网络。我尤其欣赏其中对工艺美术的尊重，很多关注纯粹绘画的著作会忽略掉那些精美的瓷器、漆器和金属工艺，但这本书给予了它们应有的权重，并论证了这些“应用艺术”如何反哺了主流的纯艺术创作。这种全景式的视野，让我意识到艺术史的边界远比我想象的要宽广得多。读完之后，我对于如何欣赏一件古代作品，已经有了一套全新的、更具批判性和同理心的框架。这是一次从知识的广度到深度的全面洗礼。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版也值得称赞，那种对细节的执着处理，本身就体现了一种对学术的尊重。我特别关注那些涉及考古发现和新出土文献的讨论部分，作者展现了令人钦佩的批判性思维，敢于挑战一些流传已久的定论，并提出了基于最新证据的审视角度。这种不断求真、勇于修正的学术态度，对于任何严肃的探索者来说，都是最好的榜样。其中有一部分专门讨论了地方艺术与中央朝廷风格的互动关系，揭示了艺术权力如何在地域间流动和影响，这极大地拓宽了我对中国艺术地理概念的理解。以往的许多读物过于强调“正统”，而这本书则更侧重于那些充满生命力的边缘声音和民间智慧的融合，使得整个艺术图景变得更加立体和复杂，充满了层次感。

评分☆☆☆☆☆

最近迷上了研究古代的肖像艺术，特别是那些捕捉人物瞬间神态的瞬间。这本书中对不同历史阶段人物描摹技巧的演变分析，简直是一本绝佳的技法解析手册。它不仅仅是描述“画得像”，更深入剖析了在特定历史时期，人们希望通过肖像传达何种社会身份和精神气质。比如，对于明代士大夫群像的解读，那种内敛的、带有自我标榜意味的眼神和姿态，通过作者的文字被精准地还原了出来。我常常在想，一个时代的审美偏好，其实是其集体潜意识的投射。而这本书，就像一面高倍放大镜，让我们得以清晰地观察到这种深层心理的痕迹。阅读体验非常连贯，即便是涉及复杂的图解和器物分析，作者也总能用一种引人入胜的方式引导读者进入情境，让人很难中途停下。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本以为这会是一本枯燥的学术著作，但翻开之后，那种叙事的流畅性和对细节的生动捕捉完全超出了我的预期。作者仿佛是一位经验丰富的导游，带着我们穿梭于不同的朝代和宫廷秘闻之中，将那些高高在上的艺术品拉下了神坛，赋予了它们鲜活的生命力。比如对宋代文人画中“意境”的阐述，不仅仅停留在理论层面，而是结合了当时士大夫阶层的生活状态——那种隐逸与入世之间的矛盾挣扎，都被巧妙地融入到笔墨的浓淡干湿之中。这种将艺术置于具体生活情境中去理解的视角，非常打动我。而且，书中对于不同流派之间的“对话”和“冲突”描绘得淋漓尽致，让人清晰地看到了艺术史并非线性发展的，而是充满了张力和反复的。读完一些关于元代留白艺术的章节，我甚至有种想拿起毛笔自己尝试一番的冲动，这才是真正有力量的书籍。