艺术史--1940年至今天 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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陈颖姚岚郑念缇... 编

图书标签:

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• 艺术理论
• 西方艺术
• 20世纪艺术
• 21世纪艺术
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• 雕塑

店铺： 火把图书专营店

出版社： 上海社科院

ISBN：9787552005264

商品编码：24594383083

开本：16

出版时间：2015-04-01

基本信息

• 商品名称：艺术史--1940年至**
• 作者：(美)费恩伯格|译者:陈颖//姚岚//郑念缇
• 定价：280
• 出版社：上海社科院
• ISBN号：9787552005264

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2015-04-01
• 印刷时间：2015-04-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：587
• 字数：1265千字

编辑**语

《艺术史：1940年至**》是一部全面认识当代艺术状况的个人叙述。美国艺术史学家乔纳森·费恩伯格以史家的如椽之笔－再现了艺术历史的画面，展现了一种多样的历史视角和近距离的艺术生存环境。它涵盖了1940年以来世界上发生的重要的艺术运动、艺术活动及艺术事件，其视野不仅仅局限于欧美；随着**一体化以及文化交流的频繁，也将观照的视野中，很好地显示了中国当代艺术在世界艺术中的重要位置，也是历史给予中国艺术全面发展的一个表征。

作者简介

乔纳森·费恩伯格，是美国当代**艺术史学家、艺术批评家、策展人；哈佛大学艺术史博士，现为伊利诺斯大学艺术史教授。主要著述有《康定斯基在巴黎（1906—1907）》（1984年）、《一九四零年以来的艺术—艺术生存的策略》（1995年）、《纯真之眼——儿童艺术与现代艺术家》（1997年）、《克里斯托·克劳德》（2004年）、《20世纪美国的图像想象》（与人合著，2005年）；策划有“伊门多夫的愉悦”（2005年）、“复杂的视像”（1990年）、“重新思考前卫”（1985年）等数十个展览。

目录

第三版前言
致谢**版
前言
1 导论
作为一种思维方式来了解艺术
现代主义
前卫的概念
现代主义的激进个性和自我批判
后现代主义
美国视角／本书视角
2 1940年代的纽约
纽约成为艺术中心
超现实主义
林飞龙（威弗雷多·蓝姆）
罗伯特·马塔
约瑟夫·康奈尔
美国实用主义及其社会意义
经济大萧条和公共事业振兴署（W.P.A.）
在纽约随处可见的欧洲现代主义
纽约的欧洲人
纽约新运动的意义
纽约画派艺术家的共性与差异性
纽约画派艺术中的自动与行动
行动和存在主义
克莱福特·斯蒂尔
阿道夫·戈特利布
弗朗兹·克兰
纽约画派的圈内朋友及圈外朋友
1940年代另一种叙事
雅各布·劳伦斯
海达·斯特恩
路易丝·布尔茹瓦
与纽约画派同时期的摄影
维加和莉赛特·莫德尔
亚伦·西斯金德以及芝加哥学派
3 与欧洲的对话
亚历山大·考尔德
考尔德在巴黎
宇宙意象和活动雕塑
汉斯·霍夫曼
对欧洲风格的借鉴
霍夫曼的艺术理论
霍夫曼的绘画
阿希尔·戈尔基
戈尔基的生活（真实的和杜撰的）
戈尔基风格的发展
戈尔基的晚期作品
罗伯特·马瑟韦尔
与欧洲现代派的知识关联
马瑟韦尔作品中反复出现的主题
马瑟韦尔早期事业生涯中的教学、写作和编辑工作
马瑟韦尔的作品
威廉·德·库宁
德·库宁的受训经历和早期艺术生涯
解剖分解为抽象
解剖形式分解为笔触
德·库宁在1950年代的抽象作品
1960年代的《女人》系列以及晚期作品
4 存在主义脱颖而出95
5 1940年代末期欧洲新出现的艺术大师
6 1950年代的一些**艺术趋势
7 垮掉的一代
8 亚洲和欧洲1950年代后期的先锋艺术
9 符号景象：波普艺术
10 材料的本质：1960年代后期的艺术
11 后现代主义与政治运动
12 整体文化及其对峙
13 1970年代的绘画
14 1980年代
15 不确定的定义
16 **文化和地域意义
17 模糊了的边界
结语 言为心声——我们时代的倾诉
参考书目
注释

好的，以下是一本假设的、不包含“艺术史——1940年至今天”内容的图书简介，侧重于其他历史时期、理论或特定艺术领域，力求内容详实且自然： --- 古典的余晖与文艺复兴的黎明：中世纪晚期至文艺复兴早期（1200-1450年）的艺术变迁 导言：时代的转折点 本书深入探讨了西方艺术史上一个至关重要的转型时期——从中世纪晚期（约1200年）到文艺复兴的拂晓（约1450年）。这是一个充满剧烈社会、宗教和哲学变革的时代。传统的神学主导地位受到人文主义思想的挑战，艺术风格正从哥特式的垂直向上、象征性的叙事，缓慢而坚定地转向对现实世界、人体结构和古典理想的重新关注。我们不仅审视绘画、雕塑和建筑的物质变化，更着重剖析这些变化背后的驱动力：城市商业的兴起、瘟疫带来的社会重塑，以及学者们对柏拉图和维吉尔著作的重新发现。 第一部：哥特式的高峰与世俗化的渗透（1200-1350年） 第一章：光之殿堂——哥特式建筑的极致 本章聚焦于法兰西王国和神圣罗马帝国境内哥特式建筑的成熟形态。我们将详细分析沙特尔大教堂、兰斯大教堂和科隆大教堂的结构创新，特别是飞扶壁（Flying Buttress）技术如何使得墙体得以被巨大的彩色玻璃所取代。这些“光之建筑”不仅仅是宗教场所，更是中世纪市民社会财富和信仰的集中体现。我们考察了尖拱、肋拱和网状拱顶的演变，以及它们如何共同创造出一种向上延伸、指向天堂的视觉体验。重点讨论了哥特式雕塑如何从建筑的附属品中解放出来，展现出更自然、更富表情的姿态，例如兰斯大教堂上的“天使报喜”中的天使群像。 第二章：圣像的叙事——晚期哥特式绘画的演变 在中世纪的最后阶段，绘画依然紧密服务于宗教文本。本章分析了意大利和法兰西地区哥特式绘画的特点。在意大利，普罗旺斯画派和西耶那画派（如杜乔和西蒙·马蒂尼）如何开始尝试在传统的拜占庭平面化风格中注入更复杂的情感深度和金箔背景下的精致细节。我们详细考察了《圣经故事》系列壁画如何变得更具人性化，圣母的表情从冷漠变得哀婉。同时，探讨了早期私人祈祷书插画（Illuminated Manuscripts）的精细化趋势，展示了贵族和富商对个人化、便携式艺术品的需求增长。 第二部：瘟疫、转型与意大利的觉醒（1350-1400年） 第三章：黑死病的阴影与艺术的忧郁 1347年席卷欧洲的黑死病是中世纪历史的剧烈中断点。本章分析了这场灾难对艺术主题和赞助模式产生的深刻影响。死亡主题（Danse Macabre，死亡之舞）的兴起，反映了社会对生命无常的集体焦虑。我们考察了艺术作品中对痛苦、哀悼和救赎主题的强调如何加剧。同时，瘟疫导致了劳动力短缺和财富的重新分配，这间接为新兴的商人阶层提供了赞助艺术的机会，削弱了纯粹的教会赞助的垄断地位。 第四章：乔托的遗产与空间革命的萌芽 本章的核心是乔托（Giotto di Bondone）对艺术的革命性贡献。虽然乔托的创作活动跨越了中世纪和文艺复兴的边界，但他的影响力在此阶段得到了最大程度的巩固和传播。重点分析了阿雷佐的《受难经》和帕多瓦的斯克罗维尼礼拜堂壁画中对“空间”（Space）和“体积”（Volume）的突破性处理。乔托首次在二维平面上创造了可信的深度感和人物的重量感，使圣经人物更像是活在真实世界中的个体，而非漂浮的符号。这为后来的透视法奠定了基础。 第三部：早期文艺复兴的曙光（1400-1450年） 第五章：佛罗伦萨的复兴：人文主义的艺术宣言 本章将焦点完全转向15世纪初的佛罗伦萨，这里是“文艺复兴”（Rinascita）概念诞生的温床。我们详细剖析了人文主义思想如何指导艺术创作，即“人是万物的尺度”。 建筑与技术： 探讨布鲁内莱斯基（Brunelleschi）如何通过对古罗马遗迹的研究，重新发现了线性和空气透视法（Linear Perspective）。我们分析了他在佛罗伦萨大教堂穹顶建造中的工程奇迹，以及他对古典秩序（比例、对称、和谐）的回归，标志着哥特式垂直感的彻底退潮。 雕塑的复兴： 重点分析多纳泰罗（Donatello）如何将古典雕塑的写实主义和英雄气概重新引入雕塑领域。从他早期对《圣乔治》中“对位法”的应用，到《大卫》中对裸体人物的革命性处理，展示了对人体解剖学和情感表达的深度挖掘。 绘画的奠基： 分析马萨乔（Masaccio）如何将乔托的空间感与布鲁内莱斯基的几何透视完美结合。他的《三位一体》被视为文艺复兴科学绘画的里程碑。通过对光线、阴影（Chiaroscuro）和构图的分析，展示了新一代艺术家如何系统地构建一个理性、可测量的世界。 第六章：北方艺术的并轨：细密画与油画的实验 虽然意大利在人文主义和透视法上取得了领先，但本章将目光投向了尼德兰和德意志地区。这里的艺术发展路径虽然不同，但同样强调对现实的细致观察。我们考察了早期油画技术（以颜料为基础的媒介而非蛋彩）的优势，油画如何允许更微妙的色彩过渡和更丰富的光泽效果。重点分析了林堡兄弟（Limbourg Brothers）的《贝里的富贵王侯之书》中对世俗生活场景的描绘，以及早期尼德兰画家如罗伯特·坎宾（Robert Campin）对室内空间和光影的精确捕捉，展示了北方对细节入微的写实主义追求，与意大利对宏大叙事的追求形成了有趣的对照。 结论：古典精神的重塑 本书总结了在1450年之前，欧洲艺术如何从神圣的象征结构中挣脱出来，在对人类经验、数学精确性和古典美学的探索中，为随后的盛期文艺复兴铺平了无可替代的道路。这是一个由工匠、学者、银行家共同塑造的，充满实验与发现的时代。 ---

评分☆☆☆☆☆

对于长期关注当代艺术动态的人来说，这本书的价值在于其宏大的全景视野和严谨的学术态度。我印象最深的是，它并没有将艺术史视为一条笔直向前的直线，而是充满了岔路、回响和故意的“遗忘”。比如，在讨论后殖民艺术的兴起时，它有力地纠正了过去西方中心史观中对非西方艺术实践的边缘化处理，强调了身份政治、全球化和文化挪用等议题如何成为新一代艺术家的核心驱动力。作者的语言风格成熟老练，结构上时常采用对比和并置的手法，将看似毫不相关的两个艺术现象放在一起探讨，从而揭示出深层的时代共性。我曾认为，进入21世纪后的艺术发展太过碎片化，难以把握，但这本书通过“全球化语境下的媒介实验”这一核心线索，成功地将零散的现象编织成一个有机的整体。这对于想要构建当代艺术知识体系的人来说，无疑是一份扎实可靠的导航图。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版也体现了其内容的严肃性与前瞻性。我尤其欣赏它在视觉呈现上的克制与精准。那些关键的艺术作品插图，虽然数量上或许比一些纯粹的画册要少，但每一张的选择都极具论证目的性，常常配以大篇幅的导读文字，引导读者进行结构化的视觉分析。它教会我的不是“什么作品是好的”，而是“如何用批判性的眼光去看待艺术的生产过程”。比如，书中对后媒体时代，即网络和互动艺术的探讨，着重分析了观众从被动接受到主动参与的角色转变，这与我们今天的数字生活方式形成了惊人的呼应。我常常被作者提出的问题所震撼，比如：当艺术品可以无限复制和传播时，其“原创性”的价值还剩下多少？这种对媒介本体论的追问，贯穿了全书，使得阅读过程充满了智力上的挑战和乐趣。总而言之，这是一部既有深度又能引发思考的杰出艺术史著作，远超出了我的预期。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的《艺术史——1940年至今天》简直就是一本时间胶囊，一下子把我拉进了那个风云变幻的年代。我一直对战后的艺术思潮很感兴趣，但总觉得资料零散，难以形成系统认知。这本书的编排非常巧妙，它没有仅仅罗列作品和流派，而是将艺术的发展紧密地嵌入到社会、政治和科技的背景之中。比如，它深入剖析了抽象表现主义如何在冷战的阴影下，成为美国文化自信的一种宣言，那种对个体精神自由的极端表达，读起来让人热血沸腾。接着，叙事自然地过渡到波普艺术对大众文化的解构和挪用，那种对日常符号的戏谑与致敬，在当时的文化语境下是多么具有颠覆性。作者的笔触精准而富有洞察力，对于那些常常被我们简化标签的运动，比如极简主义或观念艺术，都有非常细致的论述，揭示了它们背后复杂的哲学根基和对“艺术品”本体的质疑。我特别喜欢它在讨论不同地区艺术实践时的平衡性，不让欧美中心主义完全主导叙事，也让其他地域的先锋探索得以展现，这让我的视野真正拓宽了，感觉到这是一个全球性的艺术对话。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我最初拿到这本书时，对“1940年至今天”这个跨度感到一丝担忧，生怕内容会过于庞杂而流于表面。然而，这本书的结构逻辑彻底打消了我的顾虑。它不是简单的年代流水账，更像是一张精心绘制的艺术权力地图。我惊讶地发现，作者对媒介变革的关注度极高，特别是摄影、装置艺术以及后来的数字艺术是如何一步步挑战和重塑了传统绘画和雕塑的主导地位。阅读关于大地艺术和行为艺术的部分时，我仿佛能身临其境地感受到艺术家们走出画廊，试图与环境、与观众身体建立直接联系的迫切感。书中引用的艺术家的访谈片段，语气非常鲜活，那种探索未知领域的挣扎与兴奋感跃然纸上。尤其值得称赞的是，它对后现代主义的复杂性进行了梳理，避免了将之简单地描绘成对现代主义的彻底背叛，而是将其看作一场深刻的反思和重构。对于我这个非专业人士来说，它提供了一种理解艺术如何反映并批判我们所处时代的有力工具。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，更像是一场与时代精神的深度对话，而非枯燥的教科书学习。我发现自己经常停下来，反复琢磨那些关于“美学终结”和“艺术的终结”的讨论。作者处理当代艺术的挑战在于，如何在一个图像爆炸、信息过载的时代去评估一件作品的价值和意义。书中对观念艺术的阐述尤其引人入胜，它清晰地展示了艺术焦点如何从物质客体转向了思想和过程，这对于习惯于欣赏精美画面的读者来说，是一个不小的认知挑战，但作者通过大量细致的案例分析，成功地架起了理解的桥梁。我特别欣赏书中对艺术市场与艺术机构权力运作的批判性分析，它没有回避艺术世界内部的商业逻辑和意识形态斗争，而是将其视为艺术生态不可分割的一部分来审视。这种诚实的叙述方式，使得这本书不仅是艺术史，更是一部关于文化权力如何运作的社会学文本。读完后，我对博物馆里那些看似沉默的作品，都有了更深层次的解读和怀疑。