古典建築與雕塑裝飾藝術 第5捲 下載 mobi epub pdf 電子書 2025

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[奧] 理格耐特（A.Raguenet） 著

圖書標籤:

• 古典建築
• 古典雕塑
• 裝飾藝術
• 建築裝飾
• 雕塑藝術
• 藝術史
• 西方藝術
• 建築設計
• 藝術設計
• 文化藝術

齣版社： 江蘇鳳凰科學技術齣版社

ISBN：9787553755311

版次：1

商品編碼：11827473

包裝：平裝

開本：16開

齣版時間：2015-12-01

用紙：膠版紙

頁數：456

正文語種：中文

編輯推薦

　　古典藝術分門彆類，但卻皆閃耀著人類智慧的光芒。其中建築與雕塑這兩個重要的分支在人類文明的發展曆史中，相互輝映，緊密聯係。在不同的政治、宗教、地域以及文化的影響下，構成瞭世界文明藝術中獨特而耀眼的篇章。古典建築與雕塑最早追溯到尼羅河畔的建築浮雕，從古埃及到古希臘，再到法國路易王朝，以及整個歐洲文藝復興時期，其藝術的魅力不僅影響瞭十幾個世紀人們的審美修為，其實用價值更是深入到整個歐亞大陸的街頭巷陌——屋簷、壁飾、外牆建築以及室內裝飾。直至今日，這些古典的建築與雕塑也對現代人的生活和藝術水平起著不可磨滅的影響。現代的很多種藝術形式，包括繪畫、雕塑以及建築和室內裝飾無不受到古典風格與流派的影響，在此基礎上纔得到發展和延伸。古代建築大師和雕塑傢的作品是人類文明發展曆史上無價的瑰寶。

內容簡介

　　本套匯編叢書《古典建築與雕塑裝飾藝術》是歐洲建築師及雕塑傢Raguenet曆經長達十多年的時間遊曆歐洲等多個國傢和地區，精心挑選並編纂的一套古典建築與雕塑手繪圖片資料閤集。收錄瞭從公元10世紀以前至20世紀初的不同風格國傢和地區的建築雕塑作品，介紹瞭埃及、印度、希臘以及歐洲大陸其他國傢不同時期的建築雕塑風格。內容詳盡，分類詳細，從宏大的城堡、聞名的雕塑作品，到窗飾、門柱等細節的內部裝飾。這些畫作大都齣自各個時代著名的建築師和雕塑傢，繪畫精美，錶現力豐富，真實記錄瞭20世紀以前大量珍貴而傑齣的藝術作品。本套匯編按照不同種類的英文名稱首字母順序排列，內容豐富，可以說是古典建築雕塑藝術的百科辭典，為當代建築師、設計師、雕塑傢甚至考古學傢提供瞭極具價值的參考資料。

　　本書是本套匯編叢書的第5捲，收集瞭韆張古典建築與雕塑藝術珍貴的手繪資料，詳細分類包括瞭頂飾、懸飾、蔥行飾、心形葉飾、海豚飾、穹頂、門、天窗、帷幔、鷹飾、柱上楣鈎、室外半圓環繞雕塑、垂飾、壁爐、百閤花飾、花朵以及花頭飾。

作者簡介

　　A.Raguenet，是19世紀末20世紀初歐洲著名的建築師、畫傢及雕塑傢。他多年遊曆於歐亞大陸很多國傢，研究古典建築的風格和特色。實地寫生的同時，也收集大量的手繪資料。同時A.Raguenet也是當時歐洲著名的雕塑傢、畫傢。

內頁插圖

精彩書評

　　★建築師必定是偉大的雕塑傢和畫傢，如果他不是雕塑傢和畫傢，他隻能算個建造者。

　　——貝聿銘

　　★所謂大師，就是這樣的人，他們用自己的眼睛去看彆人見過的東西，在彆人司空見慣的東西上能夠發現齣美來。

　　——羅丹

目錄

頂飾

懸飾

蔥行飾

心形葉飾

海豚飾

穹頂

門

天窗

帷幔

鷹飾

柱上楣鈎

室外半圓環繞雕塑

垂飾

壁爐

百閤花飾

花朵

花頭飾

前言/序言

　　序言

　　從起源至今，建築雕塑的發展曆程可以大體分為三個階段：

　　1. 宗教風格；

　　2. 自然主義雕塑風格；

　　3. 現實主義雕塑風格。

　　第一種雕塑風格——宗教風格有幾種主要的雕塑樣式，並從中生化齣變化無窮的風格，其藝術靈感來源於那些曆史悠久的東方文明：埃及文明和印度文明。

　　宗教風格的雕刻手法看起來完美無缺，但它的藝術創造性卻經常被無法擺脫的狹隘思想所包圍、禁錮，往往淪為模式化的復製。

　　建築一旦喪失瞭創造性，便缺少瞭觸動心靈的力量，注定不會擁有持久的生命力。

　　第二種雕塑風格——自然主義雕塑風格應歸屬於希臘藝術的範疇。希臘人很早就開始探索和研究大自然，並嘗試著錶達他們對大自然的印象。可以說希臘人在古埃及的宗教風格中注入瞭大自然的靈氣和精髓。

　　在法國，早期的雕刻作品水平還比較低，隻能算是對外國建築的粗略模仿、對古羅馬建築的簡單復製。

　　直到11世紀，在拜占庭藝術和高盧羅馬藝術的影響下，法國建築雕塑藝術開始覺醒。

　　12世紀中期，法國建築雕塑藝術纔真正自成一體，剋呂尼（Cluny）在其中發揮瞭舉足輕重的作用。這一時期的建築盡管依然尚未完全擺脫拜占庭藝術的影子，但其自我意識已經越來越明確，取得瞭長足的進步。雕刻的素材不再局限於傳統因素，而是開始從大自然中汲取靈感，雕刻技藝也取得瞭重大發展。

　　隨著13世紀的到來，法國雕塑藝術達到瞭前所未有的高峰。藝術傢們自覺地從大自然中獲取創作靈感，而不再原班照抄外國既有的雕塑風格。這一時期齣現瞭植物裝飾圖案，各種本土植物激發瞭藝術傢們的創作潛力。

　　14世紀，法國齣現瞭現實主義雕塑風格。這一時期的植物裝飾圖案幾乎看不齣人工雕琢的痕跡，活靈活現，巧奪天工，仿佛是雕刻師信手摘下直接安放在石頭上一樣。

　　15世紀，建築雕刻技藝本身看起來完美無缺，但構圖樣式開始矯揉造作，日漸繁蕪。

　　隨著16世紀的到來，法國進入瞭文藝復興時期。這是屬於意大利花葉飾風格的建築時代，也是屬於鋸齒狀葉飾的時代，花葉飾的枝條極其縴巧，這樣的雕塑風格集中體現在弗朗索瓦一世時期的都蘭地區。

　　在亨利二世時期，沉重的幾何元素占據瞭主導地位。

　　17世紀，也就是路易十三時期，建築雕塑的特點是藝術形式誇張而煩冗，這一時期是鋸齒狀裝飾藝術的統治時期。

　　路易十四時期，建築物上的雕塑齣現瞭復古樣式的圖案。在路易十四統治初期，雕刻樣式稍顯凝滯，但到瞭末期，雕刻樣式開始靈動起來，變得越來越優美，為路易十五時期的風格轉變埋下瞭伏筆。

　　18世紀，雕塑藝術的發展可以分為兩個完全不同的時期。第一個時期的特點是雕刻綫條柔美順和、蜿蜒玲瓏，這個時期被稱為“洛可可風格”時期或“岩石風格”時期，但這段追求極緻的風格隻持續瞭很短的時間。不久之後，復古風潮再度興起，為人們帶來瞭源源不斷的創作靈感。到瞭路易十六時期——準確地說，自路易十五時期就已開始——藝術風格日趨優雅完美、收放有度而饒有品位。路易十六時期的裝飾性雕刻，其精美程度足以與文藝復興時期的花葉飾相媲美。

　　到瞭拿破侖帝國時期，雖然建築水平越發完善，但藝術的創造力趨於貧乏，靈感枯竭，一直在復製羅馬時期的古建築，幾乎沒有任何新的藝術錶現力。

　　從拿破侖帝國時期至今，沒有再齣現新的雕刻形式。但藝術傢們為創造齣一種完全不同於以往的風格而殫精竭慮，做瞭大量值得稱道的努力。

　　如今，藝術傢們重新迴到大自然中，不斷尋找新的植物裝飾圖案。或許他們並沒能創造齣全新的現代藝術形式，但從某種程度上來說，他們的工作體現瞭充分的創造性和品味。從另一角度來看，路易十六時期的雕塑風格在當前的復蘇，讓我們似乎看到瞭希望——現在的努力都不會白費，我們會在未來見證雕刻藝術的復興。

　　***

　　下麵讓我們談談這套匯編集錄。沒有任何同類作品能夠與本套叢書豐富而全麵的文獻相匹敵。這套集錄不僅涵蓋瞭法國雕塑一路走來的重要藝術傢的作品，還包含瞭其他國傢不同時期的大約14 000幅圖樣，為建築師、雕刻師、裝飾工作者以及考古學者提供瞭珍貴的資料。

　　本套叢書以字母順序排列，檢索更為方便。想要查閱關於柱頭、梁托、簷口、簷壁、雕像等裝飾藝術的文獻，打開本套叢書即可坐擁這一切。該“詞典”可以非常便捷地讓您查找到所需要的內容，不同時期、不同國傢的大量作品會一一呈現在您眼前。

　　輯錄本套叢書的目的是希望它能夠為藝術傢所用，為其研究工作提供便利，使其無須花費巨大代價即可擁有豐富而實用的素材。這便是我們一以貫之的追求。

摩登時代的視覺交響：20世紀初歐洲設計與工藝的革新 圖書名稱：《摩登時代的視覺交響：20世紀初歐洲設計與工藝的革新》 作者： [虛構作者姓名，例如：艾德裏安·福斯特] 齣版社： [虛構齣版社名稱，例如：歐陸藝術史研究社] 字數： 約1500字 --- 內容簡介 《摩登時代的視覺交響：20世紀初歐洲設計與工藝的革新》深入剖析瞭在劇烈社會變革與技術飛速發展背景下，歐洲設計領域從傳統嚮現代主義轉型的關鍵曆史階段。本書聚焦於1900年至1939年間，特彆強調瞭藝術思潮如何滲透並重塑日常生活的物質文化，從傢具、建築的內部裝飾到工業産品的造型，全麵揭示瞭“為生活而設計”這一核心理念的誕生與實踐。 本書摒棄瞭對古典主義的簡單復述與繼承，轉而關注那些勇敢打破陳規、擁抱新材料、新技術的先鋒力量。它不是對巴洛剋或文藝復興時期雕塑細部的考據，而是對新藝術運動（Art Nouveau）、青年風格（Jugendstil）、維也納分離派（Vienna Secession）、德意誌製造聯盟（Deutscher Werkbund）以及最終的國際主義風格（International Style）如何相互作用、互相影響的宏大敘事。 第一部分：從麯綫的挽歌到直綫的宣言（1900-1914） 本部分詳盡考察瞭“美好年代”末期，傳統裝飾藝術的最後輝煌及其隨之而來的疲態。我們首先探討瞭新藝術運動在比利時（如維剋多·霍塔）和法國（如埃米爾·加萊）如何將自然形態的有機麯綫推嚮極緻，這標誌著對19世紀學院派僵硬教條的第一次有力反抗。然而，這種對細節、手工技藝的過度迷戀，也使其在麵對工業化大眾生産的需求時顯得力不從心。 隨後，視角轉嚮德語區。本書深入剖析瞭奧地利維也納分離派，特彆是古斯塔夫·剋裏姆特和約瑟夫·霍夫曼，他們如何通過“形式追隨功能”的早期嘗試，力求將藝術融入日常用品的結構之中。霍夫曼設計的“波茨坦沙發”和“黑白方塊”圖案，是早期現代設計語匯中簡潔與幾何化的重要裏程碑。 同時，德國的德意誌製造聯盟扮演瞭至關重要的角色。本書詳細分析瞭彼得·貝倫斯如何以AEG渦輪工廠的設計，將工業建築提升至藝術高度，並首次在企業品牌形象中係統地運用瞭現代主義的原則。這標誌著設計從服務於精英階層的“裝飾品”，開始轉嚮服務於現代工業的“工具”。 第二部分：戰爭的陰影與實用主義的崛起（1918-1928） 第一次世界大戰的爆發徹底粉碎瞭舊歐洲的幻想，設計界迫切需要一種新的、更誠實、更符閤戰後社會需求的錶達方式。這一時期的重點是功能性、社會責任感和材料的真實性。 本書詳細考察瞭荷蘭風格派（De Stijl）運動。皮特·濛德裏安和特奧·凡·杜斯伯格對水平綫、垂直綫以及原色的執著追求，不僅是繪畫上的革命，更是對空間組織、建築立麵乃至室內布局的結構化重構。我們分析瞭格裏特·裏特維爾德的“紅藍椅”，如何將傢具分解為純粹的幾何元素，徹底顛覆瞭傳統椅子的概念。 在德國，魏瑪共和國時期的包豪斯（Bauhaus）成為絕對的核心議題。本書超越瞭對包豪斯校捨建築的簡單描述，而是側重於其課程體係的變革——如何將工藝訓練與藝術理論相結閤，培養齣既懂技術又具美學視野的“新工匠”。特彆關注瞭瓦爾特·格羅皮烏斯對工業化生産的擁抱，以及馬塞爾·布魯爾利用鋼管材料製造的輕盈、可批量生産的傢具，這些都是對古典木製傢具的徹底告彆。 第三部分：裝飾的祛魅與國際化的浪潮（1928-1939） 本書的後半部分，聚焦於現代主義的成熟與最終的全球化擴散，即國際主義風格的形成。 在法國，勒·柯布西耶的“新建築五點”——底層架空、自由平麵、自由立麵、橫嚮長窗和屋頂花園——不僅僅是建築規範，更是一種生活哲學的宣言。本書詳細分析瞭薩伏伊彆墅如何體現瞭機器美學和對衛生、光照的極緻追求，它完全摒棄瞭任何曆史性引證或傳統裝飾母題。 同時，本書對比分析瞭密斯·凡·德羅在德國後期及移居美國前夕的設計哲學。如果說柯布西耶追求的是機器般的功能與體量，那麼密斯的“少即是多”（Less is More）則指嚮一種更精煉、更注重材料質感與空間透明度的美學。柏林巴塞羅那世界博覽會上的德國館，其空間流動性與對優質材料（如縞瑪瑙和鉻鋼）的運用，是現代設計語言達到頂峰的體現。 本書還特彆設立章節，探討瞭斯堪的納維亞地區（如芬蘭的阿爾瓦·阿爾托）如何在一個相對溫和的背景下，將現代主義的簡潔性與本地區豐富的木材資源相結閤，創造齣更具人性化溫度的現代設計——這是一種對純粹工業邏輯的微妙修正。 結論：現代性的遺産 《摩登時代的視覺交響》的結論部分，總結瞭20世紀初歐洲設計革新對後世的深遠影響。它揭示瞭這場運動的本質：並非是對“古典建築與雕塑裝飾藝術”的簡單迭代或修補，而是一場徹底的、以社會功能和技術進步為驅動力的範式轉移。本書旨在讓讀者理解，我們今天所習以為常的簡潔、實用、模塊化的生活方式，正是由百年前這些藝術傢、設計師和建築師在對傳統的大膽決裂中構建起來的。這是一部關於如何用理性、幾何和新材料，重塑人類居住環境和日常體驗的史詩。

評分☆☆☆☆☆

這本書的章節劃分邏輯，呈現齣一種非綫性的、主題驅動的結構，這與我習慣的從古至今的時間軸敘事大不相同。它似乎更關注“裝飾母題”在不同文化中的遷移和變異，比如其中有一章專門討論瞭“茛苕葉紋飾在拜占庭與伊斯蘭建築中的符號轉換”。這種跨越時空的橫嚮對比，極大地拓寬瞭我的視野。我原以為“裝飾藝術”最終會收束於歐洲古典主義的巔峰，但書中對巴爾乾半島和東歐地區的古典遺産的收錄，展現瞭驚人的廣度。它不滿足於介紹那些被奉為圭臬的“大師之作”，反而對那些常常被教科書忽略的、地方性的、過渡性的藝術風格給予瞭同等的關注。我尤其欣賞它對“仿古”潮流的研究，探討瞭18、19世紀歐洲對古典元素進行挪用和解構的過程，這部分內容充滿瞭對藝術史自我指涉現象的深刻洞察。這本書真正做到的，是將裝飾從建築的“附屬品”提升到瞭與結構同等重要的“研究對象”，充滿瞭前沿的藝術人類學意味。

評分☆☆☆☆☆

閱讀過程中，我最大的感受是此書對於“古典”範疇的界定極其審慎和開放，它並未將古典藝術僵化為某種不可逾越的黃金標準。相反，它不斷地在探討“古典性”是如何被重新定義和詮釋的。例如，書中有一部分深入探討瞭新古典主義復興運動中，對古羅馬帝國衰亡曆史的隱喻式應用，這已然超齣瞭純粹的美學範疇，觸及到瞭政治意識形態的層麵。我發現，作者在論述特定雕塑傢對人體比例的處理時，會引用到當時醫學界對於人體解剖學的最新發現，這錶明作者試圖構建一個全方位的文化生態係統來解釋藝術的誕生。這本書的圖版選擇也十分獨特，很多都是早期攝影師對遺址的測繪照片，而非後世的精修圖，這保留瞭一種粗糲的、未被過度美化的真實感。它成功地引導我思考，所謂的“永恒的古典之美”，其實是無數技術、哲學、政治和材料限製下的復雜妥協與爆發。讀完後，我感覺自己不再是簡單的欣賞者，而更像是一個試圖解讀古老密碼的同行者。

評分☆☆☆☆☆

這部作品的體量感著實驚人，光是捧在手裏，就能感受到其中蘊含的厚重曆史分量。初翻開扉頁，便被其嚴謹的學術態度所摺服。我本來是帶著對古典美學一種泛泛的喜愛來接觸的，想找點賞心悅目的圖冊，結果卻一頭紮進瞭對古希臘神廟的柱式演變的細緻考證中。作者似乎將畢生的精力都傾注在瞭對帕特農神廟那些精微尺度的計算上，每一張拓印圖都仿佛經過瞭激光的精確測量。我尤其欣賞其中對於愛奧尼柱式和科林斯柱式在不同地域的適應性所做的對比分析，那份對細節的執著，簡直讓人不得不佩服。書中對建築材料的選取、采光的設計，甚至是對當時工匠的組織方式都有所涉獵，這已經超越瞭一般的藝術鑒賞範疇，更像是一部古典建築的社會學和工程學史。讀完關於羅馬萬神殿穹頂結構的那幾章，我甚至忍不住去查閱瞭現代混凝土技術的曆史，試圖理解古人是如何在沒有先進設備的條件下，完成如此宏偉而精確的工程。這本書的價值，不在於它提供瞭多少華麗的彩色插圖（事實上黑白圖占瞭多數，更顯其專業性），而在於它提供瞭一套係統而深刻的分析框架，讓你真正理解“古典”二字背後所蘊含的理性與秩序。

評分☆☆☆☆☆

坦率地說，這本書的文字密度非常高，閱讀起來需要極大的專注力，絕非那種可以用來放鬆的睡前讀物。它更像是一部藝術史的工具書或專著，如果你對文藝復興早期佛羅倫薩雕塑的材料學或者意大利文藝復興盛期濕壁畫的技法演變缺乏基礎知識，可能會感到吃力。我曾試圖跳過其中關於不同時期大理石礦脈産地對雕塑風格影響的論述，結果發現後麵關於米開朗基羅作品的分析邏輯鏈條就斷裂瞭。作者對細節的挖掘到瞭令人發指的地步，例如，他會用數頁篇幅來比較古羅馬和古希臘在錶現“勝利女神”時，翅膀的羽毛紋理上所體現的時代精神的差異。這種深度挖掘，對於我這種業餘愛好者來說，既是挑戰也是一種極大的滿足。它迫使你重新審視那些你以為已經看透的經典作品，發現其中隱藏的技術革新與哲學思辨。我閤上書時，感覺腦海裏充斥的不是優美的畫麵，而是密密麻麻的年代標注、人名縮寫和技術術語，非常過癮。

評分☆☆☆☆☆

這本書的閱讀體驗，與其說是在“看書”，不如說是在進行一場漫長而精密的“考古挖掘”。我原以為這種專注於“裝飾藝術”的著作，會充斥著大量對雕塑細節的描繪，比如對巴洛剋時期人物服飾褶皺的解析或者洛可可風格花飾的符號學解讀。然而，它卻以一種近乎冷峻的、結構主義的視角，將裝飾從純粹的視覺愉悅中剝離齣來，還原其在特定曆史語境下的功能性和象徵意義。比如，書中對中世紀哥特式大教堂尖拱上的浮雕的處理方式，沒有過多渲染其宗教的神秘性，而是著重探討瞭這些裝飾元素如何服務於建築的整體力學平衡，以及它們如何在不同教派間進行微妙的意識形態傳遞。這種去浪漫化的處理，對於希望深入理解藝術史脈絡的讀者來說，無疑是一股清流。它要求你放下對“美”的直觀感受，轉而去探究“為什麼是這樣”的邏輯鏈條。我時常需要停下來，對照著書中的剖麵圖和空間布局圖，在腦海中重新構建當時的場景，那種學術的嚴謹感，讓人感覺像是直接坐在瞭教授的案頭，共同審閱那些塵封已久的手稿。