大师的国学课:21:中国绘画史 9787539272979 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

陈师曾，诸宗元 著

图书标签:

• 国学
• 绘画史
• 中国美术
• 艺术史
• 文化
• 历史
• 传统文化
• 绘画
• 艺术
• 鉴赏

店铺： 韵读图书专营店

出版社： 江西教育出版社

ISBN：9787539272979

商品编码：29660891999

包装：平装

出版时间：2014-01-01

图书基本信息
图书名称	大师的国学课:21:中国绘画史	作者	陈师曾,诸宗元
定价	23.80元	出版社	江西教育出版社
ISBN	9787539272979	出版日期	2014-01-01
字数		页码
版次	1	装帧	平装
开本	16开	商品重量	0.4Kg

内容简介

《大师的国学课21·了如指掌·国学馆:中国绘画史》以陈师曾先生的《中国绘画史》为底本，同时编入了诸宗元先生的《中国画学浅说》。《大师的国学课21·了如指掌·国学馆:中国绘画史》虽以陈先生的授课讲义编撰而成。但它却是近代出版的中国绘画史的开山之作。全书约4万字，梳理历代画史脉络、技法沿革、题材变迁以及重要的画派、画家等，内容提纲挈领，文字简明扼要。是一本极好的美术史普及读物。诸宗元先生的《中国画学浅说》同样是一本的国画入门指导书。诸先生认为绘画是中国人素来看重的艺术，而历代作者论画或总论，或专论，或偏于鉴赏，难于为后学提供借鉴。故他起意以浅近文字编写这本《中国画学浅说》“意在便于实习”，而他本人又精于书画，将其研习心得融入其中。

作者简介

陈师曾（1876—1923），江西义宁人。陈寅恪之兄。曾留学日本，攻读博物学。归国后从事美术教育工作，历任北京各大学教授。善诗文、书法，尤长于绘画、篆刻。，是吴晶硕之后革新文人画的重要代表。 　　诸宗元（1875—1932），民国藏书家、书画家。浙江绍兴人。入民国后，与黄节、邓实等人在上海创办“国学保存会”，创办《国粹学报》。能书，商务印书馆出版涵芬楼珍本题署，出其手笔。

目录

代序 中国画的欣赏与创作 代序 中国画的特点 《中国绘画史》陈师曾 古史 中古史 近世史 附录文人画之价值 《中国画学浅说》诸宗元 例言 绪论 画体之分别上 回体之分别中 画体之分别下 画法通论 画之用笔 画之用墨 字之结体及运用（三） 学书之次 学书之次 中国历代制字之概述 中国历代书家与论书之概述 学书之宜忌 余论 画之设色 画之程序 论章法 论皴法及点苔 论写生及写意 画之落款及题识 画之品目 画与书学之关系 余论 《中国书学浅说》诸宗元 例言 绪论 书体之分析 笔法之研究 字之结体及运用一 字之结体及运用二

编辑推荐

文摘

序言

《中国绘画史》 引言 中国绘画，作为世界艺术宝库中一颗璀璨的明珠，其悠久的历史、独特的审美情趣和深厚的文化底蕴，一直为世人所惊叹。从史前岩画的粗犷淳朴，到各朝代的跌宕起伏、技法的演进、题材的拓展，再到近现代的传承与创新，中国绘画史如同一幅徐徐展开的壮丽画卷，记录着中华民族的审美意识、哲学思想、社会风貌以及与自然的和谐共处之道。本书旨在梳理中国绘画发展的脉络，深入剖析各个历史时期绘画的特点、成就及其背后的文化语境，带领读者一同走进这片古老而充满活力的艺术天地，感受其独特的魅力与永恒的价值。 第一章：远古的曙光——史前与先秦绘画 中国绘画的源头可以追溯到遥远的史前时期。在漫长的原始社会，先民们用简练的线条和色彩，在岩壁、陶器上留下了生动的图像。这些图像，或是对自然万物的描摹，如动物、狩猎场景，或是表达原始的宗教信仰和祭祀活动。它们虽然质朴，却蕴含着早期人类对世界的好奇与探索，是中华绘画艺术最古老的基因。 进入夏商周时期，随着社会结构的复杂化和礼乐制度的建立，绘画开始与青铜器、宫室建筑等紧密结合。虽然这一时期的绘画作品留存极少，但从出土的青铜器纹饰、玉器雕刻以及少量壁画残迹中，我们可以窥见其初步的艺术特征。战国时期的帛画，如《人物御龙帛画》、《人物龙凤帛画》，则标志着中国绘画在材料和表现手法上迈出了重要一步。它们构图逐渐丰富，人物造型开始趋于写实，色彩运用也更加成熟，为后来的发展奠定了基础。 第二章：辉煌的奠基——秦汉绘画 秦汉时期，中央集权的建立和社会经济的繁荣，为绘画艺术的发展提供了沃土。在建筑装饰方面，宫殿、陵墓中出现了大量的壁画，内容广泛，包括神话传说、历史故事、日常生活场景等。《神女宫》壁画、《汉代画像砖》等就是这一时期的代表。这些作品不仅展现了高超的绘画技巧，更反映了汉代人民丰富的想象力和对生死、宇宙的理解。 此时期，绘画的功能也更加多样化，除了装饰，还开始承担叙事、记录的功能。如《汉武帝巡狩图》等，虽已难以见到原作，但通过史料记载和后世的复原，我们可以想象其宏大的规模和生动的内容。人物画在这一时期也取得了显著进步，注重人物神态的刻画，开始追求“以形写神”的艺术理念。 第三章：风韵的传承——魏晋南北朝绘画 魏晋南北朝是一个社会动荡的时期，但也孕育了独特的艺术风格。佛教的传入对中国绘画产生了深远影响，大量佛教题材的壁画、造像出现在石窟寺中，如敦煌莫高窟、云冈石窟、龙门石窟等，展现了融合东西方艺术风格的独特魅力。这些作品在表现技法上，如人物的衣纹处理、色彩的运用，以及对佛教教义的 visual 表达，都达到了新的高度。 士人阶层在这一时期的艺术活动中扮演了重要角色。顾恺之、曹不兴、陆探微等一批杰出的画家涌现，他们不仅技艺精湛，更注重绘画的哲学内涵和精神表达。顾恺之的《洛神赋图》是中国人物画的经典之作，他提出的“以形写神”、“迁想妙得”等绘画理论，对后世产生了深远影响。这一时期的绘画，在追求精神意境、人物情感的表达方面，达到了前所未有的境界。 第四章：时代的壮歌——隋唐绘画 隋唐是中国历史上最为辉煌的时代之一，其绘画艺术也达到了空前的繁荣。国家统一，经济发达，文化交流活跃，为绘画的全面发展提供了有利条件。 人物画方面，阎立本的《步辇图》以精湛的写实技巧和对人物心理的细腻刻画而著称；吴道子的“吴带当风”技法，以其奔放飘逸的线条，为人物画注入了新的生命力，被誉为“画圣”。仕女画在这一时期也十分兴盛，张萱的《虢国夫人游春图》、《捣练图》展现了唐代贵族女性的生活场景，人物造型丰腴，色彩明丽，充满了健康、华贵的时代气息。 山水画在唐代开始独立发展，并逐渐形成体系。李思训以其“金碧山水”风格，描绘壮丽的自然景色，设色浓重，金碧辉煌；王维则开创了“水墨山水”的先河，注重写意，用笔简练，追求诗情画意，为后世山水画的发展指明了方向。花鸟画也取得了长足进步，例如边款的《鹌鹑图》等，都展现了对自然物象的敏锐观察和生动表现。 第五章：意境的深化——五代宋初绘画 五代和宋初是中国绘画史上承前启后的重要时期。尽管政治上动荡，但绘画艺术在继承唐代成就的基础上，进一步深化了意境的表达和写实技巧的提升。 山水画是这一时期绘画的主流。关仝、范宽、李成的“三家山水”，以雄浑壮阔、严谨写实的风格，将山水画推向了新的高峰。董源、巨然则开创了“江南山水”的细腻温润风格，强调笔墨韵味和诗意表达。 人物画方面，顾闳中的《韩熙载夜宴图》是中国古代人物画的杰作，它通过对宴会场景中人物活动、神态、心理的细腻描绘，展现了复杂的社会生活和人物关系。宋朝宫廷画院的建立，对绘画的发展起到了重要的推动作用，涌现出如刘寀的《溪山行旅图》等一批杰作，强调绘画的写实功力和对自然物象的细致观察。花鸟画也得到了进一步发展，黄筌以其精工富丽的“黄家富贵”风格，与徐熙的“野逸”风格并称，共同丰富了花鸟画的表现手法。 第六章：文人画的崛起——宋元绘画 宋代文人画的兴起是中国绘画史上的重要转折点。文人艺术家们不再满足于单纯的技法展现，而是将个人情怀、哲学思想融入绘画创作，追求“士气”和“韵味”。苏轼、米芾、赵孟頫等文人艺术家，以其深厚的学养和独特的视角，创作了大量抒情写意的水墨画。 元代，随着蒙古族的统治，汉族文人艺术家面临新的社会环境，他们的创作更多地转向内心的抒发和对传统艺术的继承与创新。赵孟頫是元代绘画的代表人物，他提倡复古，但又赋予传统新的生命力，尤其在山水画和花鸟画领域，对后世影响深远。黄公望的《富春山居图》以其高超的笔墨技巧和诗意的山水表达，成为中国山水画的典范。此外，元代的山水画在笔墨运用、构图安排上，都展现出更加自由和写意的倾向。 第七章：写实与写意并进——明清绘画 明清时期，绘画艺术在继承前代成就的基础上，呈现出更加多元化的发展态势。 明代，山水画方面，吴门画派（沈周、文徵明、唐寅、仇英）以其细腻优美的画风，在文人画领域独树一帜。浙派（戴进、吴伟）则以其粗犷豪放的风格，在宫廷和民间都产生了重要影响。花鸟画方面，陈淳、徐渭等以其奔放的笔墨和奇特的构思，开创了写意花鸟画的新局面。 清代，绘画艺术更加趋于多样化和个性化。宫廷画院依旧活跃，涌现出如郎世宁等中西结合的画家。而“扬州八怪”（如郑燮、金农、罗聘等）则以其独特的个性和对传统绘画的突破，在中国绘画史上留下了浓墨重彩的一笔。他们的作品，或粗犷放达，或奇崛险怪，充分展现了对传统程式的超越和对个性解放的追求。同时，山水画领域也出现了如“四王”（王鉴、王翚、王时敏、王原祁）等注重摹古和程式化的画家，他们对传统山水画的规范和发展起到了重要作用。 第八章：近现代的转型与创新 进入近现代，中国绘画面临着前所未有的挑战与机遇。西方绘画思潮的涌入，促使中国画家开始思考传统绘画的现代化转型。 这一时期，涌现出如徐悲鸿、齐白石、张大千、傅抱石等一批杰出的画家。徐悲鸿倡导融合中西，强调写实基础，对中国美术教育体系的建立做出了巨大贡献。齐白石则以其质朴自然的风格，将文人画的写意精神与民间艺术的生动趣味完美结合，其花鸟、山水、人物作品，在中国乃至世界都享有盛誉。张大千游走于写实与写意之间，泼墨泼彩的创新技法，更是将中国山水画推向了新的高度。傅抱石则以其奔放的笔墨和对历史题材的独特演绎，形成了雄浑苍劲的个人风格。 近现代中国绘画的探索，既是对传统文化的深刻反思，也是对未来艺术道路的勇敢尝试。画家们在传承优秀传统的同时，积极吸收外来艺术的精华，努力探索具有时代精神和民族特色的新艺术语言。 结论 中国绘画史是一部波澜壮阔的史诗，它不仅仅是线条与色彩的组合，更是中华民族智慧、情感、哲学观念的载体。从远古的图腾崇拜到近现代的多元发展，中国绘画始终与时代同步，与社会共振。每一幅传世之作，都凝聚着画家们的匠心独运，承载着丰富的历史信息和深刻的文化内涵。 通过对中国绘画史的梳理与解读，我们不仅能够欣赏到各个时期绘画艺术的独特魅力，更能从中领略中华民族深厚的文化底蕴和卓越的审美追求。理解中国绘画史，就是理解中国文化，理解中国人如何看待世界，如何表达情感，如何与自然和谐相处。这幅宏伟的画卷，至今仍在不断延伸，继续书写着中华艺术新的篇章。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来是有点担心这类书籍会因为题材的专业性而显得过于沉闷，毕竟历史的厚重感有时会压垮读者的热情。但这本书的作者显然非常懂得如何“唤醒”读者。他的语言风格非常鲜活，偶尔还会夹杂着一些幽默又不失分寸的点评，使得阅读过程充满了惊喜。比如在介绍某位名家时，他不会仅仅罗列其成就，而是会描绘出那位画家在特定历史背景下的困境与挣扎，仿佛让这些历史人物重新站立起来，鲜活可感。这种富有生命力的叙事，极大地拉近了古代艺术与当代读者的距离。它让我意识到，那些流传千古的作品，并非是高高在上、不食人间烟火的“神作”，而是特定时代、特定心境下，画家们以血肉之躯与时代碰撞后留下的精神印记。这让我在欣赏作品时，不再只关注技法上的“完美”，而开始更深层次地去探寻作品背后那份未被磨灭的人性光辉。

评分☆☆☆☆☆

这次阅读经历让我对传统绘画的认知有了一次全面的刷新。过去，我对“中国画”的印象可能还停留在工笔的细腻或者水墨的写意这种比较片面的二元对立上。这本书则展示了一个远比我想象中要广阔和多元的世界。它不仅详细梳理了从魏晋风骨到宋元山水，再到明清文人画和院体画之间的脉络传承与相互影响，更重要的是，它探讨了技术层面的革新如何服务于精神层面的表达。例如，书中对“笔墨”理论的深入剖析，我过去总觉得那只是技巧层面的东西，但作者通过追溯历代大家对“用笔”和“墨分五色”的实践与思考，揭示了笔墨实则是一种高度凝练的哲学语言。读到关于“泼墨”技法在晚明被推向极致的段落时，我甚至有些激动，那不再是简单的水墨晕染，而是一种主动与宣纸进行对话、与偶然性共舞的创作状态。这本书成功地将艺术史变成了一部充满创造力和哲思的探索史。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种略带复古的质感和柔和的色彩搭配，一下子就抓住了我的眼球。我拿到手的时候，首先就被它纸张的触感所吸引，那种温润而不失厚重的感觉，读起来特别有仪式感。内页的排版也做得相当讲究，字号大小适中，行距留白处理得恰到好处，即便是长时间阅读也不会感到视觉疲劳。而且，很多关键概念或者引用的古代文献旁，都有非常精美的插图穿插其中，这些插图的质量极高，有些甚至是高清复制的古代名作局部特写，看得出出版方在细节上的用心良苦。我记得其中一章专门讲了山水画的演变，那些配图不仅是装饰，更是直观的教学工具，让我能够立刻将书本上的理论与视觉形象联系起来，极大地提升了阅读的沉浸感和理解深度。从书籍本身的物理体验来说，它已经超越了一本普通读物的范畴，更像是一件值得收藏的艺术品。这种对阅读体验的重视，让我在翻开它的时候，就对即将开启的知识旅程充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

对于想要系统了解中国绘画史的朋友来说，这本书的结构清晰度是值得称赞的。它不是将所有内容杂糅在一起，而是非常巧妙地划分了若干个核心主题板块，每一个板块都像是一个独立的知识模块，却又严丝合缝地嵌入到整体的时间线索中。例如，它有一个章节专门探讨了中国绘画中的“人物画”和“花鸟画”的独立发展与相互渗透，这往往是其他通史类书籍容易忽略的侧面。通过这样的结构，读者可以根据自己的兴趣点，选择性地深入研究某一特定领域，而不会感到信息超载。我个人就特别喜欢它对“鉴藏印”和“题跋”文化的研究，这部分内容让我明白了中国绘画的传播和价值认定过程，了解了收藏家和文人是如何参与到作品的“二次创作”和“意义构建”中的。这种多维度的切入视角，让整个绘画史的图景变得立体而丰富，远远超出了传统意义上仅关注“谁画了什么”的范畴，而是深入到了“艺术如何被理解和传承”的更深层次的议题中。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对传统文化抱有浓厚兴趣的业余爱好者，尤其对中国艺术史的宏大叙事感到既着迷又有些敬畏。市面上关于这个领域的入门读物很多，但大多要么过于学术化，充满了晦涩难懂的术语，让人望而却步；要么就是过于浅白，蜻蜓点水般地介绍几个朝代就草草收场。这本书的叙事方式却找到了一个绝佳的平衡点。作者的笔触极其老练，他并没有直接堆砌枯燥的年代和人名，而是选择了一种更具故事性和情境化的方式来展开论述。比如，他会从某个特定历史时期的社会风貌或哲学思潮切入，然后自然而然地引出当时绘画的核心精神和代表流派。我尤其欣赏他对于“意境”这个抽象概念的拆解与阐释，他没有停留在概念的描述上，而是通过对比不同画家在处理同一题材时技法与心性的微妙差异，让我这个外行人也能依稀触碰到中国古典美学的内核。这种由表及里、层层递进的讲解结构，让原本复杂深奥的艺术史变得清晰且富有逻辑性，阅读过程如同跟随一位博学的长者在历史长河中漫步，收获良多。