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李涛 著 著

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• 李涛
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店铺： 兰兴达图书专营店

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115422385

商品编码：10361585020

出版时间：2016-05-01

页数：1

字数：1

内容简介

《光影塑形：数字影像的艺术新生》 穿越像素的迷雾，点亮视觉的无限可能 在这瞬息万变的数字时代，摄影早已超越了单纯的记录，成为一种表达情感、传递思想、构建梦想的艺术形式。而后期制作，正是赋予这些数字“瞬间”生命力，将其升华为不朽杰作的关键所在。本书并非一本关于具体软件操作技巧的速成手册，也非某个特定流行风格的模仿指南。它是一次深入探索数字影像本质的旅程，一次关于如何用光影、色彩和构图来讲述更动人故事的思考。我们将一同解构影像背后的逻辑，理解光线如何在镜头中被捕捉，色彩如何在感光元件上被记录，以及这些原始数据如何在我们手中拥有重塑和再生的力量。 第一章：数字影像的呼吸——理解 RAW 文件的深度 许多摄影师在拍摄时，往往仅止步于 JPEG 格式的便捷，却忽略了 RAW 文件所蕴藏的惊人潜力。本章将引导你深入理解 RAW 文件的构成，它并非简单的“未处理”照片，而是传感器直接读取的原始光线信息集合。我们将揭示 RAW 文件为何拥有比 JPEG 更宽广的动态范围，更丰富的色彩信息，以及更精细的细节表现力。学习如何“阅读”RAW 文件，就像学习一种新的语言，让你能够真正听懂相机记录下的声音。我们将探讨白平衡的精准控制，曝光的微妙调整，以及在高光和阴影区域中如何提取更多细节，为后续的精修奠定坚实的基础。这不仅仅是技术层面的讲解，更是培养你对影像数据理解和尊重的开端。理解 RAW，就是掌握了数字后期最核心的“呼吸”方式，让你的照片拥有更深远的生命力。 第二章：色彩的语言——色调、饱和度和平衡的艺术 色彩，是图像中最直接、最富有情感的元素。然而，相机记录下的色彩往往只是一个起点，如何通过后期调整，让色彩诉说出你想要的情感，这是高级后期处理的核心挑战。本章将抛开僵硬的参数设置，带领你进入色彩的艺术世界。我们将探讨色温、色调（Hue）、饱和度（Saturation）和亮度（Luminance）之间的微妙关系，以及它们如何协同作用，营造出不同的氛围。你将学会如何识别并纠正照片中的色彩偏差，如何运用局部色彩调整来突出主体，或者营造出特定的视觉焦点。我们会深入研究色彩心理学在图像中的应用，理解暖色调如何带来温暖与活力，冷色调又如何传递宁静与忧郁。此外，我们还会触及色彩空间的理论，理解 sRGB、Adobe RGB 和 ProPhoto RGB 的差异，以及在何种情况下选择何种色彩空间，以保证色彩在不同设备上的准确呈现。最终，目标是让你能够以一种“绘画”的心态来对待色彩，用精准的色彩语言来表达你内心深处的创意。 第三章：光影的魔术——对比度、明暗和层次的构建 光影，是摄影的灵魂。而后期处理，则是光影的二次创作。本章将聚焦于如何通过调整对比度和明暗关系，赋予照片更强的立体感和空间感。我们不会简单地提升或降低对比度滑块，而是会深入理解不同类型对比度（全局对比度、局部对比度）对画面产生的影响。你将学习如何运用曲线工具，精妙地控制画面中的高光、中间调和阴影，以达到细腻的层次过渡。我们还会探讨“ Dodge and Burn ”（加深减淡）技巧的哲学意义，它并非简单的提亮或压暗，而是模拟自然光线在物体上的流动，塑造出形体，引导观者的视线。从柔和的散射光到戏剧性的硬光，从温暖的日落余晖到冷峻的室内光线，我们将学习如何通过后期，重塑或增强这些光影效果，让画面更具表现力。通过对明暗和层次的精准控制，你的照片将不再是平面的堆砌，而是拥有了呼吸和生命的立体空间。 第四章：质感的雕琢——锐化、降噪和细节的复苏 高质量的细节是照片的生命线。然而，由于拍摄时的环境限制，或者数码传感器的固有属性，照片中常常伴随着令人不悦的噪点和模糊。本章将引导你掌握如何艺术性地处理这些瑕疵，并进一步提升照片的质感。我们将深入理解锐化的原理，以及不同锐化方法（例如“USM 锐化”和“智能锐化”）的适用场景，学会如何在保留细节的同时，避免出现“生硬”的边缘和光晕。同样，降噪也并非一味地消除所有颗粒，而是如何在保留必要纹理的同时，有效去除令人分心的噪点。我们会探讨不同类型的噪点（亮度噪点和色彩噪点）及其处理方法。更重要的是，本章将教会你如何通过局部调整，在关键区域（如眼睛、头发、织物纹理）复苏和增强细节，让这些部分在画面中脱颖而出，增加照片的视觉吸引力。目标是让你的照片在细节表现上，达到一种自然而又充满力量的境界。 第五章：空间的魔法——景深控制、虚化与背景的处理 摄影构图中的景深，直接影响着观众的注意力焦点。后期制作，为我们提供了在不改变原始拍摄条件的情况下，对景深进行二次创作的强大能力。本章将深入探讨景深控制的艺术，以及如何利用后期工具，模拟或增强自然景深效果。我们将学习如何通过精细的蒙版和选区，选择性地模糊背景，突出主体，营造出柔美的散景效果。这不仅仅是简单的“模糊”操作，而是理解如何根据主体与背景的距离关系，以及拍摄镜头的焦距和光圈，来模拟出真实且富有美感的虚化。你将学会如何处理杂乱的背景，让其成为烘托主体的“留白”或“装饰”。同时，我们也会探讨如何通过局部锐化，让主体在虚化的背景中更加鲜明，形成强烈的视觉对比。通过对景深和背景的处理，你将能够更好地引导观者的目光，讲述更聚焦、更动人的故事。 第六章：构图的诗学——平衡、引导与叙事性 构图是摄影的骨架，它决定了画面的稳定与否，信息的传达效率。后期处理，并非仅仅是色彩和光影的堆砌，更是对构图的优化和升华。本章将从构图的美学原理出发，探讨如何在后期中进一步强化画面的叙事性。我们将回顾经典的构图法则，如三分法、黄金分割、对角线构图等，并分析如何在后期中，通过裁切、变形（谨慎使用）和引导线强化等手段，优化甚至重塑画面构图，使其更符合视觉语言的规律。你将学会如何识别画面中的“不和谐”元素，并通过巧妙的后期手段，将其融入整体，或者将其悄然移除。我们将深入理解“负空间”的运用，如何通过留白来营造呼吸感和意境。更重要的是，本章将强调如何利用视觉引导（通过光影、色彩、线条等），将观者的视线自然地引向画面主体，并最终完成一个清晰、有力、引人入胜的故事。 第七章：情感的共振——氛围营造与风格的形成 每一张成功的照片，都在传递一种特定的情感或氛围。后期制作，是实现这种情感共振的最有效途径。本章将引导你超越技术的层面，将后期处理视为一种情感表达的手段。我们将探讨如何通过对整体影调、色彩倾向、对比度和锐度等参数的综合运用，来营造出不同的情绪氛围，例如：宁静、神秘、活力、复古、梦幻等等。你将学习如何分析一幅优秀的摄影作品，理解其背后的风格是如何通过一系列后期手法实现的。我们将讨论如何形成自己的个人风格，这种风格并非刻意模仿，而是在对基本原理深刻理解的基础上，结合自己的审美取向和创作意图，形成的一种独特印记。最终，你的后期处理，将不再是机械的参数调整，而是充满个性的艺术创作，让每一张照片都拥有属于它自己的独特“声音”和“灵魂”。 第八章：流程的优化——效率、一致性与批量处理的智慧 在追求艺术性的同时，我们也需要考虑实际操作中的效率。本书的最后一章，将聚焦于如何建立一套高效、一致的后期处理流程。你将学习如何根据不同的拍摄题材和场景，制定合理的后期工作流程，避免在不必要的细节上花费过多时间。我们将探讨批量处理的智慧，如何在保证画面质量的前提下，快速处理大量同类型照片，并保持风格的一致性。你将了解如何利用预设（Presets）和动作（Actions）来提高工作效率，但同时也会强调，预设并非万能，它们只是一个起点，最终的精修仍然需要个性化的调整。此外，我们还将讨论如何在不同阶段进行“备份”和“版本管理”，以避免意外的损失。建立一套良好的工作流程，能让你在有限的时间内，释放更多的创意能量，让后期制作成为一种享受，而非负担。 总结： 《光影塑形：数字影像的艺术新生》并非一份陈列软件功能的目录，而是一次关于如何理解、驾驭和升华数字影像的深度体验。它鼓励你跳出“如何操作”的桎梏，去思考“为何如此操作”，去探索“如何做得更好”。通过对光影、色彩、细节、构图和情感的深入剖析，你将掌握的不仅仅是后期技术，更是一种观察世界、表达自我的全新视角。这趟旅程，将让你成为一个更懂影像的创作者，用你的镜头和你的双手，在这个数字世界中，雕琢出更多令人惊叹的光影杰作。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实战性，真的不是盖的。我买过一些大厂出品的后期书籍，内容往往偏向于其自家软件的推广，或者专注于某个非常狭窄的领域。而这本书，给我的感觉是博采众长，注重效率。它在讲解Photoshop中的高级选择工具时，会巧妙地穿插一些第三方插件（比如某些加速磨皮或通道选择的专业工具）的使用场景和优缺点对比，而不是偏袒任何一方，这体现了作者作为独立专家的客观态度。最让我受益的是它关于工作流效率优化的分享。书中专门列出了一个章节，详细介绍了如何搭建个性化的动作库、快捷键的重新映射策略，以及如何通过批处理来处理大量RAW文件后的批量精修工作。这对于我这种需要定期处理大量活动的跟拍照片来说，简直是救命稻草。以前我总觉得后期是耗时耗力的“慢工细活”，但通过学习书中的效率技巧，我发现很多原本需要半小时的精修步骤，现在可以在十分钟内高质量完成，极大地解放了我的时间，让我能把精力投入到更具创造性的工作上去。总而言之，这是一本兼顾了深度理论、前沿技巧，又非常注重实战效率的后期圣经。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，真正的后期高手，关键不在于会用多少个滤镜，而在于他们对光影和材质的模拟能力。这本书在这方面的教学可以说是教科书级别的示范。它没有回避那些最难处理的场景，比如如何将夜晚的霓虹灯光自然地反射到湿滑的地面上，或者如何模拟出穿过树叶的丁达尔光束效果。作者在讲解这些高难度光影合成时，极其注重环境光的逻辑性，他会用非常直观的方式告诉你，环境光应该从哪个方向来，它的颜色倾向是什么，以及它对主体材质的影响应该如何体现。我尝试书中关于“高光细节找回与重建”的部分，那简直是黑科技！面对那些已经完全死白的高光区域，书里教的几种方法，结合不同的混合模式和纹理叠加，竟然真的让原本丢失的细节重新浮现出来，而且看起来完全不像是后期强加上去的。这种对光影物理特性的精准把握，使得合成后的画面具有极强的说服力。对于那些想把自己的作品从“看起来不错”提升到“仿佛真实发生”的摄影师来说，这本书提供的光影魔术，绝对是必备的技能包。

评分☆☆☆☆☆

对于一个自学PS多年的老鸟来说，市面上大部分教程都满足不了我对深度和广度的要求。要么只讲Lightroom的入门调色，要么只涉及Photoshop的高级抠图。这本书的厉害之处在于，它完美地搭建了一个从RAW文件处理到最终精修合成的完整工作流闭环。最让我赞叹的是它对色彩科学的深入探讨。它不像有些书只是教你“拉高饱和度”或者“使用某个预设”，而是详细解释了为什么在特定光线下，使用Lab色彩空间进行明度调整比RGB更安全，以及如何精确控制目标颜色的色相、饱和度和明度（HSL/HLS），保证肤色在整体氛围调整后依然自然健康。书中还花了大篇幅讲解了如何利用通道信息进行更精细的选区创建，特别是针对头发和半透明物体的处理，那些技巧我以前在别处学到的都是些半吊子的方法。这本书里的讲解，逻辑清晰，层层递进，让你不仅知道“怎么做”，更明白“为什么要这么做”。这种对底层原理的透彻理解，才是真正将技术内化，实现自我风格突破的关键。读完后我感觉自己对数码后期的理解上升到了一个全新的理论高度，以后再面对棘手的照片，心里都有底了。

评分☆☆☆☆☆

这本摄影后期教程，真是让人眼前一亮！我之前尝试过好几本市面上的后期书籍，要么是理论太空泛，要么是实操步骤过于简单，完全不够用。这本书的细节把控简直到了令人发指的地步。比如，它讲到蒙版的使用时，不是简单地说“用蒙版擦除不需要的部分”，而是深入剖析了不同混合模式下蒙版边缘羽化对最终效果的影响，甚至还配上了几个不同光照条件下，如何通过精细调整蒙版的透明度和曲线来达到“无痕”合成的案例。我记得有一章专门讲解如何处理人物皮肤的纹理，作者没有简单地用磨皮滤镜一键搞定，而是详细演示了如何用高低频分离技术，既保留了皮肤的自然质感，又有效地去除了瑕疵，这对于追求真实感和质感的专业人士来说，绝对是醍醐灌顶的干货。更让我印象深刻的是，作者在讲解色彩理论时，会结合实际的作品案例，用非常形象的比喻来解释复杂的色彩空间转换和色调分离的原理，让原本枯燥的理论变得生动有趣，完全没有那种教科书的死板感。这本书的排版和插图质量也非常高，每一步操作都有清晰的截图对应，学习起来丝毫不费力，感觉就像有位经验丰富的大师手把手在旁边指导一样。我用了书里教的影调处理方法，给我的商业棚拍样片重新调了一版，客户反馈说这次的质感和氛围感提升了不止一个档次，真的太值了！

评分☆☆☆☆☆

说实话，我拿到这本书的时候，内心是有点忐忑的，毕竟现在网上的免费教程铺天盖地，一本实体书的价值在哪里？但这本书真的用内容证明了它的重量级地位。它最让我感到惊喜的是对创意合成的系统性讲解。很多后期书都是教你“修图”，但这本更侧重于“创作”。书中有一个章节专门拿出来讨论“如何构建一个超越现实的视觉叙事”，从最初的灵感捕捉，到素材的选择标准，再到后期复杂图层的逻辑管理，作者都给出了非常严谨的流程。我尤其喜欢它分享的几个超现实主义合成案例，比如将星空元素无缝融入到室内静物中，那种光影的处理和材质的交融，简直是艺术级的。它教会我的不是具体的某一个技巧，而是一种后期思维模式——如何打破常规，将看似不相关的元素逻辑地组织在一起。而且，作者在讲解复杂合成时，会穿插一些关于资源管理的建议，比如如何命名图层组、如何快速切换视图来检查合成瑕疵，这些都是只有长期实战经验的人才能总结出来的“经验之谈”，对于我这种正在努力提高工作效率的自由职业者来说，简直是宝贵的财富。读完后感觉自己的创作视野一下子被打开了，不再局限于对照片的“美化”，而是开始思考如何用图像讲故事。