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谢继胜 等 著

图书标签:

• 藏传佛教
• 佛教艺术
• 艺术史
• 西藏文化
• 宗教艺术
• 唐卡
• 雕塑
• 壁画
• 文化遗产
• 艺术发展史

出版社： 上海书画出版社

ISBN：9787807258629

版次：1

商品编码：10391046

包装：精装

开本：8开

出版时间：2010-12-01

用纸：胶版纸

正文语种：中文

内容简介

　　 《藏传佛教艺术发展史》以图文并茂的形式展现了从7世纪至18世纪藏传佛教艺术的瑰丽画卷，将藏传佛教艺术放在我国多民族文化相互依存与共同发展交融的背景下加以总体把握研究，从而深刻揭示了中华民族文化自古以来多元一体，水乳交融的格局。《藏传佛教艺术发展史》是国内首部具有重大学术价值的藏传佛教艺术通史性著作，《藏传佛教艺术发展史》的出版，填补了藏传佛教艺术研究的一项空白，代表了中国学者在此领域研究的高水准。

目录

导言：藏传佛教艺术东渐与汉藏艺术风格的形成
第一章 7—9世纪汉藏艺术交流
第一节 藏区吐蕃艺术遗存
第二节 汉藏边境菩萨造像与汉藏艺术交流
第三节 敦煌吐蕃绘画
第四节 榆林窟吐蕃时期壁画
第五节 金刚乘佛教传入吐蕃与早期双身像的历史
第二章 10—13世纪敦煌西域汉地风格艺术对后弘期藏传佛教艺术复兴的影响
第一节 10—11世纪的卫藏寺院及其建筑、壁画和雕塑
第二节 敦煌遗韵：扎塘寺壁画，
第三节 “唐卡”的语源与唐卡的起源
第四节 汉地卷轴画与唐卡的起源
第三章 藏传佛教艺术在西夏的传播（上）
第一节 蕃夏文化交流与西夏的藏传佛教
第二节 黑水城的发现与近年出土的西夏绘画
第三节 黑水城唐卡与10—13世纪西藏绘画的风格联系
第四节 黑水城唐卡中的佛像与“黑水城佛陀”的特征
第五节 黑水城的莲花手观音、佛母与绿度母唐卡
第三章 藏传佛教艺术在西夏的传播（中）
第一节 西夏石窟藏传风格壁画：贺兰山山嘴沟石窟
第二节 东千佛洞第2窟图像布局与第5窟八塔变源流
第三节 榆林窟藏密壁画。
第四节 达摩多罗、宝胜如来与布袋和尚：吐蕃、西夏、汉地与蒙古的美术关系
第三章 藏传佛教艺术在西夏的传播（下）
第四章 元代中原藏传佛教艺术（上）
第四章 元代中原藏传佛教艺术（下）
第五章 明代藏传佛教艺术对汉地艺术的影响（上）
第五章 明代藏传佛教艺术对汉地艺术的影响（中）
第五章 明代藏传佛教艺术对汉地艺术的影响（下）
第六章 明代蒙古传佛教艺术
第七章 清代宫廷藏传佛教艺术
第八章 清代北京和南方的藏传佛教艺术
第九章 清代西蒙藏传佛教艺术
附录
后记

前言/序言

《秘境的回响：古今艺术交融下的精神图腾》 本书并非一部梳理特定宗教艺术发展脉络的学术专著，而是一次跨越时空、融合东西方文化语境的艺术探索之旅。它聚焦于艺术在人类文明进程中扮演的精神载体角色，深入剖析不同地域、不同文明背景下的艺术形式如何承载、表达并塑造着人类的精神信仰、情感寄托和社会观念。我们将暂且搁置对“藏传佛教”这一特定名称的关注，转而以一种更为广阔的视角，去审视那些能够触动灵魂、激发想象、传递深刻内涵的艺术创造。 第一章：塑灵的物质：早期人类的精神图腾与原始艺术的象征意义 在人类文明的黎明时期，艺术并非单纯的装饰或技艺的展示，而是与生存、信仰、宇宙认知紧密相连的生命仪式。本章将追溯那些镌刻在岩壁、雕琢在骨石上的早期艺术遗迹。这些充满神秘力量的图像，例如生殖崇拜的符号、狩猎成功的祈愿、祖先神灵的祭祀，它们并非独立的艺术品，而是早期人类与自然、与超自然力量沟通的媒介。我们将探讨这些“精神图腾”的普遍性，以及它们如何以最直观、最本能的方式，表达了人类对生命、死亡、繁衍和宇宙秩序的早期理解。 从史前洞穴壁画中栩栩如生的动物形象，到原始部落遗留的仪式性雕塑，我们将看到艺术最初的力量来自于对现实世界的观察，并将其转化为具有象征意义的精神符号。这些符号可能模糊了现实与想象的界限，但它们无疑承载了先民们对未知世界的敬畏、对生命延续的渴望，以及构建社群认同的早期尝试。本章将侧重于艺术作为一种“塑灵”的物质形态，如何成为早期人类精神世界最直接的显现。 第二章：神的语言与凡尘的映射：古代文明中的宗教艺术与仪式空间 随着人类社会的发展，文明的曙光照亮了大地，艺术也开始承担起更为复杂的社会功能，尤其是在宗教领域。本章将不再局限于某一宗教体系，而是放眼全球古代文明，考察艺术如何被塑造成“神的语言”，用以表达神圣性、沟通天地、维系社会秩序。我们将审视古埃及的金字塔与墓葬艺术，它们是永恒的生命叙事与来世信仰的宏伟载体；我们将走进古希腊的神庙与雕塑，它们是对理想人体美、神祇力量以及哲学思想的具象化表达；我们还会探访古印度文明的寺庙雕刻与壁画，它们描绘着众神的故事、轮回的哲学以及对宇宙终极真理的追寻。 在这些古代文明的艺术中，艺术品本身往往与仪式紧密结合，是宗教祭祀、节日庆典、神圣空间不可或缺的组成部分。艺术不仅是崇拜的对象，更是沟通崇拜者与被崇拜者之间的桥梁。我们将分析这些艺术形式如何通过色彩、造型、比例、材质等手段，营造出庄严、神秘、神圣的氛围，从而引导信徒进入一种特定的精神状态。本章将强调艺术作为“凡尘的映射”，如何将抽象的神圣理念，以具体可感的艺术形式呈现给世人，并深刻影响着他们的精神世界。 第三章：意象的迁徙与风格的演变：跨文化交流中的艺术融合与地域特色 人类的历史是一部不断迁徙、交流、融合的历史，艺术也不例外。本章将聚焦于艺术在跨文化交流中的“意象迁徙”和“风格演变”。当我们暂时抛开对“藏传佛教”的限定，以更开放的心态审视艺术的传播与变异，我们会发现，那些具有独特地域特征的艺术风格，往往是在与其他文化的碰撞与交流中，不断吸收、转化、重塑而形成的。 例如，当我们审视丝绸之路上的艺术遗迹，我们会看到犍陀罗艺术中希腊罗马雕塑风格与印度本土佛教题材的奇妙结合，形成了一种独特的东方希腊化风格。这种风格的传播，并非简单的复制，而是与当地的审美情趣、宗教需求、材料技术相结合，产生了新的艺术生命力。再如，波斯艺术对中国绘画的影响，或者中国陶瓷技术对西方的影响，这些都是意象和技艺在全球范围内的流动与再创造。 本章将通过具体的案例，展示艺术是如何在不同文化语境下，以不同的面貌呈现，并逐渐形成具有鲜明地域特色的艺术传统。我们会关注材料的本土化、审美的在地化、以及宗教或哲学思想的转化过程。这种融合并非简单的叠加，而是深刻的相互渗透与化学反应，最终诞生出既保留源头痕迹，又独具新意的艺术作品。 第四章：精神的凝视与物质的升华：艺术在人与宇宙关系中的哲学思考 艺术不仅仅是对外在世界的描摹，更是对内在精神世界的探索与表达。本章将从更深层次的哲学视角，探讨艺术在“人与宇宙关系”中的作用。当我们不再拘泥于“藏传佛教”这一特定艺术范畴，而是将其视为广义上“精神艺术”的一个重要组成部分，我们会发现，许多艺术形式都试图通过物质的形态，去触及那些不可言说、超越感官的领域。 从中国山水画中“天人合一”的哲学追求，到抽象表现主义艺术对内心感受的直接抒发，再到极简主义艺术对物质本质的回归，不同的艺术流派都在以各自的方式，试图回答“我是谁？”“我与宇宙的关系是什么？”等终极哲学命题。本章将关注艺术作品中蕴含的宇宙观、人生观，以及艺术家如何在创作中，将个人的精神体验与普世的哲学思考相结合。 我们会探讨艺术如何通过对自然景观、人体、抽象符号的描绘，来传达一种“精神的凝视”，这种凝视可能指向宏大的宇宙秩序，也可能聚焦于微观的心灵世界。同时，我们也会关注艺术如何通过对物质材料的精妙运用，实现“物质的升华”，使冰冷的石块、粗糙的泥土、单调的颜料，最终成为承载着深刻意义和精神力量的艺术品。 第五章：当下回响与未来启示：当代艺术语境下的精神探索 步入当代，艺术的面貌愈发多元与复杂。本章将目光投向当代艺术，审视在科技飞速发展、信息爆炸的时代，艺术如何继续承载和探索精神层面的议题。尽管我们不聚焦于“藏传佛教艺术”，但当代艺术中依然存在着对古老精神传统的借鉴与转化，以及对普世精神价值的追寻。 本章将讨论当代艺术家如何运用新的媒介和技术，如数字艺术、装置艺术、行为艺术等，去表达对生命、死亡、身份、信仰、社会伦理等问题的思考。我们会看到，即使在世俗化、理性化的现代社会，人们对精神寄托、心灵慰藉的需求依然存在，而艺术正是满足这种需求的重要途径之一。 我们将探讨当代艺术如何在全球化背景下，既展现出鲜明的个人风格和地域特色，又与全球性的精神议题产生共鸣。艺术不再是某个特定信仰的专属表达，而是更加开放、包容，成为全人类共同的精神对话平台。本章旨在揭示艺术作为一种永恒的精神载体，在当代依然保持着旺盛的生命力，并为我们理解当下、启示未来提供独特的视角。 《秘境的回响：古今艺术交融下的精神图腾》是一次关于艺术本质的深度思考，一次跨越学科、跨越时空的艺术品鉴。它邀请读者暂时放下既定的标签，以一颗开放的心，去感受艺术在不同文明、不同时代所激发的无限可能，去领略那些超越物质形态，直抵灵魂深处的回响。

评分☆☆☆☆☆

我尤其欣赏作者在分析具体艺术作品时所展现出的那种兼具人文关怀与技术洞察的独特视角。举个例子，当论及布达拉宫内的壁画群时，作者并没有止步于描述其题材的宏大或色彩的艳丽，而是深入挖掘了那些看似随意的笔触背后所蕴含的严苛的“度量衡”和“相论”标准。他会用非常生动的语言去剖析某位菩萨面部“三庭五眼”比例的微调如何影响了神性的表达，以及不同传承的“曼唐”画派在处理火焰光边时所使用的点金技法的细微差别。这种对“匠心”的致敬和对“工艺”的尊重，让原本冰冷的技术分析变得富有温度和生命力，读者仿佛能听到画师手中的金刚杵与颜料相互作用时发出的微弱声响，深刻理解了艺术的完成度是如何建立在对传统的敬畏和精益求精的基础之上的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是别具匠心，从拿到手的那一刻起，我就被它沉甸甸的质感和雅致的封面所吸引。封面选用的那种带有微微肌理感的纸张，触感温润而细腻，中央的图案设计，线条流畅，色彩的运用也极为考究，既有宗教艺术的庄严肃穆，又不失审美上的现代感。内页的纸张厚实挺括，即便是大跨页的精美唐卡或佛像图版，也能完美呈现其细节，色彩还原度极高，那些历经千年的矿物颜料所散发出的独特光泽，仿佛能透过纸面直达人心。书脊的装订牢固，展开平坦，即便是长时间阅读或翻阅特定章节，也完全不用担心书页脱落的问题。翻阅的过程本身，就是一种对艺术品级的珍视与体验。特别是配图的排版，那种留白恰到好处的空间感处理，使得原本复杂的图像信息得到了极大的呼吸空间，阅读体验达到了物质层面的极致享受，让人忍不住想把这本书当作一件值得收藏的艺术品来对待，而不是仅仅作为一部知识载体。

评分☆☆☆☆☆

深入阅读后，我不得不提到本书在理论框架构建上的深度和独创性。它不仅仅是在记录“什么东西被创造出来”，更是在探讨“为什么这些东西必须以这种方式被创造出来”。作者似乎构建了一套完整的“视觉神学阐释系统”，用以解读那些看似符号化、神秘化的图像元素。例如，对于“坛城”结构，书中不只是简单地介绍其几何布局，而是将其提升到宇宙观和心性修行的层面进行解读，将空间方位与次第观相结合，让读者理解每一层壁垒、每一种护法神像的陈设，都对应着修持者心路历程中的一个特定阶段。这种将艺术作品“解剖”并还原至其哲学本源的分析方式，使得阅读体验从欣赏视觉美感，跃升至对深层智慧的体悟，读完后感觉不仅仅是充实了知识，更像是经历了一次精神上的洗礼与重构。

评分☆☆☆☆☆

这本书的另一大亮点是其广阔的地域视野和跨文化的比较分析能力。很多关于这个主题的著作，往往会过度聚焦于某一个中心区域，比如西藏本土或尼泊尔。然而，这本书却非常出色地勾勒出了一张庞大的艺术传播网络图谱。它细致地对比了不同地区——从克什米尔地区的早期受希腊影响的造像，到中国内地（如敦煌莫高窟）对唐卡风格的影响，再到东南亚艺术形态对藏地后世风格的潜在反哺作用。作者并未将这些艺术形式视为孤立的存在，而是像一位高明的地缘政治分析家，清晰地展示了宗教、政治联姻、贸易路线如何在物质层面雕刻出这些地区艺术风格的异同与联系。这种全局观，极大地拓宽了我对亚洲艺术史的理解格局。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事脉络处理得极其巧妙，它不像传统学术著作那样生硬地罗列年代和流派，反而像是跟随一位经验老道的导游，逐步深入一个宏大而精妙的世界。作者在引入新的历史阶段或地域风格时，总能找到一个极具画面感的切入点，比如从犍陀罗的犍陀罗风格的雕塑如何在中亚丝路上与希腊艺术进行微妙的“对话”开始，一下子就将读者带入了一个充满动态交流的文化熔炉。随后，叙述的节奏开始加快，但关键的转折点，例如笈多王朝艺术的成熟与黄金时代的到来，又是被放慢、被细致描绘，各种造像仪轨和审美范式如何确立的过程，被讲解得层层递进，逻辑清晰到让人拍案叫绝。这种“张弛有度”的叙事节奏，极大地降低了阅读门槛，使得即便是初次接触这个领域的读者，也能轻松跟上作者的思路，感受到历史洪流的磅礴力量。

评分☆☆☆☆☆

第一节 10—11世纪的卫藏寺院及其建筑、壁画和雕塑

评分☆☆☆☆☆

第一章 7—9世纪汉藏艺术交流

评分☆☆☆☆☆

外殼在運送過程中磕了，不過無所謂啊...折上折的東西嘛！內容好就夠啦！

评分☆☆☆☆☆

盯着这本书很久了，终于忍不住出手了，很大很大的一个大部头！又大又重啊！

评分☆☆☆☆☆

后记

评分☆☆☆☆☆

第九章 清代西蒙藏传佛教艺术

评分☆☆☆☆☆

第三节 敦煌吐蕃绘画

评分☆☆☆☆☆

目录导言：藏传佛教艺术东渐与汉藏艺术风格的形成

评分☆☆☆☆☆

《藏传佛教艺术发展史》以图文并茂的形式展现了从7世纪至18世纪藏传佛教艺术的瑰丽画卷，将藏传佛教艺术放在我国多民族文化相互依存与共同发展交融的背景下加以总体把握研究，从而深刻揭示了中华民族文化自古以来多元一体，水乳交融的格局。《藏传佛教艺术发展史》是国内第一部具有重大学术价值的藏传佛教艺术通史性著作，《藏传佛教艺术发展史》的出版，填补了藏传佛教艺术研究的一项空白，代表了中国学者在此领域研究的最高水准。