美术丛书33（4集第3辑） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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黄宾虹，邓实 编

图书标签:

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出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534034671

版次：1

商品编码：11229874

包装：平装

开本：32开

出版时间：2013-04-01

用纸：胶版纸

页数：348

正文语种：中文

编辑推荐

　　《美术丛书》是上海神州国光社从1911年春开始刊行的一大套关于中国美术的丛书，编者是神州国光社的创办人邓实，后来又有黄宾虹加入。这是集中国古代重要美术著作于一身的大型丛书，依传统四部分类法的“书画、琴谱、篆刻、杂技”，将所收书籍分为“书画类、雕刻摹印类、磁铜玉石类、文艺类、杂记类”等五类，共收书270余种，约300万字。其中书画类最多，占全书七成，其中不甚经见之书，更为言书画者所不可不备。《美术丛书》的出版始事于1911年春，至1918年为止，刊出了初版全三集本。1928年，黄宾虹加入编者行列，刊出再版全三集本。1936年，加入第四集之后，刊出三版全四集本。1947年，全四集本增订再版，是为四版全四集本。1964年严一萍加入编者行列，由台北艺文印书馆增加为五集，1976年又加入第六集，刊行最为完备的全六集本。1986年，江苏古籍出版社影印出版了三版全四集，1997年又影印出版了四版全四集本。本次以1947年全四集增订本为底本，按原书实际大小影印，以原书“某集某辑”的编次分为40册，单册定价，阅藏两宜。

内容简介

　　《美术丛书33（4集第3辑）》包括：书筏、画筌、龚安节先生画诀、苦瓜和尚画语录、赐砚斋题画偶录、草心楼读画集、摹印述、墨经、琴学八则、观石录、艺兰记、履园画学、七颂堂词绎、七颂堂识小录。

作者简介

　　黄宾虹（1865-1955），近现代画家、学者。原籍安徽歙县，生于浙江金华。初名懋质，后改名质，字朴存，号宾虹，别署予向、虹叟、黄山山中人。除绘画之外，并从事绘画史论、篆刻的研究和教学。擅画山水，精研传统与关注写生齐头并进。早年受“新安画派”影响，以干笔淡墨、疏淡清逸为特色，为“白宾虹”；八十岁后以黑密厚重、黑里透亮为特色，为“黑宾虹”。其画风苍浑华滋，意境深邃。偶作花鸟草虫亦奇崛有致。曾任杭州国立艺专教授、中国美协常务理事等职。著有《黄山画家源流考》《虹庐画谈》《画法要旨》等。
　　邓实（1877～1951）字秋枚，别署枚子、野残、鸡鸣，风雨楼主，广东顺德人。1877年生于上海。五岁亡父，与弟邓方（字秋门）相依为命。从青年起，便崇拜顾炎武，“喜为经世通今之学”。光绪二十八年（1902）创办《政艺通报》，宣传民主科学思想。后与黄节、章太炎、马叙伦、刘师培等创立国学保存会、神州国光社，出版《风雨楼丛书》和《古学会刊》，主编《国粹学报》，在知识界产生过较大的影响。关心时局，“凡阅国内外月报、旬报、时报至百余种，钞辑成书”，至数百卷之多。弟兄二人，寒夜读书，每及“当世之故”，常慷慨悲歌，饮酒起舞，期期以报国自许。

目录

玉台书史
玉台画史
拙存堂题跋
鼎録
研史
皱水轩词筌

前言/序言

现代艺术思潮的浪潮之巅：《现当代西方绘画大师专题研究》 ——一部深入剖析二十世纪以来艺术演变轨迹的里程碑式著作 本书籍《现当代西方绘画大师专题研究》并非您所提及的《美术丛书33（4集第3辑）》，而是一部专注于梳理和解读二十世纪至今，西方绘画领域内最具影响力的艺术流派、核心人物及其创作哲学的重量级学术专著。它以严谨的史学视角和敏锐的艺术洞察力，为读者构建了一幅从印象派余晖到后现代主义多元爆发的宏大画卷。 本书的结构设计旨在实现对现当代艺术发展脉络的系统性、立体化呈现。全书分为五大部分，共计三十余万字，辅以大量高清的艺术品图像和详尽的文献考据。 --- 第一部分：现代主义的黎明与烽火——从后印象主义到立体主义的结构革命 本部分聚焦于十九世纪末至二十世纪初，西方艺术如何挣脱传统学院派的束缚，开启了波澜壮阔的现代主义历程。 一、色彩的解放与内在世界的探索： 详细剖析了塞尚的“形体结构化”、梵高的“情感注入式笔触”以及高更的“象征主义色彩运用”，探讨他们如何为现代艺术奠定了解构现实的理论基础。我们不只是简单地陈述他们的风格，更深入探讨了塞尚对几何形体的执着如何直接启发了后来的立体主义运动。 二、野兽派的狂欢与情感的直抒： 重点分析了马蒂斯等野兽派大师如何将色彩从描绘对象的束缚中彻底解放出来，使其成为独立的情感载体。本书通过对比早期作品与成熟时期的作品，解析了马蒂斯在色彩纯度和平面化处理上的不断深入。 三、立体主义的理性解构： 这一章节是本部分的核心。我们不仅涵盖了毕加索和布拉克在“分析立体主义”阶段对物体多视角的并置和碎片化处理的技法分析，更延伸探讨了“综合立体主义”中拼贴（Collage）和物性引入对艺术材料观的颠覆性影响。特别引入了对胡安·格里斯在立体主义发展后期的“清晰化”尝试的专门研究。 四、未来主义的速度与机械的崇拜： 考察了意大利未来主义者如何将工业时代的动态感、噪音和暴力美学融入画布，探讨其激进的政治立场与艺术表达之间的复杂关系。 --- 第二部分：潜意识的深渊与形而上的追寻——达达主义与超现实主义的心理转向 进入二十世纪二战前后，艺术的焦点从对外部世界的结构重构，转向对人类内心世界的挖掘和反思。 一、反艺术的旗帜：达达主义的逻辑颠覆： 本章详细梳理了苏黎世、柏林、纽约等地达达主义小组的异质发展路径。重点分析了杜尚的现成品（Readymade）如何彻底挑战了“艺术作品”的传统定义，以及其背后的反理性、反战争的哲学意涵。 二、梦境的精确描绘：超现实主义的视觉魔术： 深入研究了萨尔瓦多·达利、马格利特和米罗在不同方向上的探索。达利的“偏执狂批判法”被详尽解析，而马格利特的日常物品的“陌生化”处理，则被置于哲学符号学的框架下进行讨论，阐明了他们如何试图构建一个比现实更真实的“超现实”。 三、抽象表现主义的美国崛起：欧洲传统的断裂与重建： 聚焦于二战后艺术中心的转移。本书将抽象表现主义分为“行动绘画”（如波洛克、德·库宁）和“色域绘画”（如罗斯科、纽曼）两个维度，着重分析了“行动绘画”中身体性与创作过程的融合，以及“色域绘画”中巨大色块所营造的崇高感和精神体验。 --- 第三部分：从具象到非具象的边界模糊——新具象与抽象的再协商 本部分关注在抽象艺术主导的时代，部分艺术家如何试图重新引入具象元素，或在极简的抽象中寻求新的意义。 一、战后欧洲的“新具象”运动： 探讨了法国和英国在战后对人性和社会现实的关注，如让·杜布菲的“原生艺术”对材料和原始形态的回归，以及弗朗西斯·培根对人体扭曲与内在痛苦的极端表现。 二、极简主义与观念艺术的先声： 分析了唐纳德·贾德、索尔·勒维特等艺术家如何将作品的物质性降至最低，强调作品与空间、与观看者的关系。这一部分着重区分了极简主义的“物体”与传统雕塑的区别，并将其视为观念艺术的直接铺垫。 --- 第四部分：波普的日常入侵与媒介的革命——通俗文化与艺术的联姻 本书将波普艺术视为对抽象表现主义主观情绪的强力反弹，是艺术对大众文化进行挪用、消费和反思的开端。 一、安迪·沃霍尔的生产线与名人崇拜： 详细分析了沃霍尔如何运用丝网印刷技术，模仿商品化和批量生产的机制，探讨其对艺术的“光环”的消解作用，以及其作品中隐含的消费主义批判。 二、罗伊·利希滕斯坦的漫画符号学： 研究他如何将本戴点（Benday dots）和漫画分格引入高雅艺术，讨论其对图像的“机械复制”与对经典叙事的戏仿。 三、英国波普的幽默与反讽： 对比美国波普的商业化倾向，分析了英国波普艺术家如理查德·汉密尔顿对流行文化符号的更具批判性的挪用。 --- 第五部分：后现代的多元化景观——拼贴、挪用与身份的构建 全书的收官部分聚焦于七十年代至今的艺术生态，强调去中心化、身份政治和媒介融合的特征。 一、照相写实主义与新具象的回归： 探讨了查克·克洛斯等艺术家如何通过极端精确的复制技术，重新审视摄影媒介与绘画的关系，以及对肖像的本体性追问。 二、机构批判与观念艺术的深化： 关注汉斯·哈克、丹尼尔·布伦等艺术家如何将焦点从“作品”转移到“艺术机构”本身，揭示美术馆和艺术史构建的意识形态基础。 三、身份、性别与后殖民语境下的艺术表达： 专门辟章讨论了女性主义艺术（如辛迪·舍曼）和后殖民艺术对传统艺术史中“中心”叙事的挑战，探讨艺术如何成为构建和表达多元文化身份的工具。 --- 《现当代西方绘画大师专题研究》的写作风格力求平衡学术的深度与阅读的流畅性。我们避免使用晦涩的行话，而是通过扎实的文献梳理和对关键艺术史事件的重构，引导读者真正理解每一位大师的创作动机和历史贡献。本书适合艺术史专业人士、策展人，以及所有希望系统、深入地掌握二十世纪至今西方艺术演变逻辑的爱好者深入研读。它不是一部简单的图录汇编，而是一部旨在解构现代性，迎接多元未来艺术图景的深度思想之旅。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计和内容排版，给了我一种非常强烈的“学术经典”的触感，这本《美术丛书33（4集第3辑）》与其说是一本图册，不如说是一份严谨的学术报告。我特别关注其中关于古代肖像画中“神韵”的捕捉技巧的分析。作者并没有使用太多玄乎的词汇，而是非常理性地从眼睛、眉宇和嘴角三个关键点入手，拆解了不同流派如何通过笔触的微小变化来表达人物的内在性格。例如，对于一位历史人物的描绘，书中对比了两种不同画家的处理方式：一种是用极细的线条勾勒出内敛的坚毅，另一种则通过墨色的晕染来营造深沉的忧郁。更让我称赞的是，它在讨论理论的同时，附带了大量的古代画论的原文选段，并且做了精准的白话翻译和注释，这极大地提升了研究的便捷性。对于想深入研究绘画心理学和人物刻画技巧的学习者来说，这本书无疑提供了一个非常坚实可靠的理论基础，它的专业性和资料的详实程度，绝对是值得反复研读的珍藏级别。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对这种“丛书”类的读物期望值不高，总觉得它们更偏向于学术资料的堆砌，缺乏生动的叙事性。但《美术丛书33（4集第3辑）》却用一种近乎“散文诗”的方式讲述了中国园林艺术的发展脉络。它没有按时间顺序死板地罗列，而是通过几个标志性的园林案例——比如苏州拙政园的曲径通幽，以及江南私家园林的“借景”手法——来串联起各个朝代的审美变迁。书中对“意境”的阐述，非常到位。作者引用了大量古代园林设计者的笔记和诗歌片段，把冰冷的建筑结构变得有温度、有情感。我印象最深的是它对“虚实相生”的解读。书中通过几张不同光影下的园林照片对比，清晰地展示了如何通过对围墙的处理和植物的疏密安排，来创造出“有限空间无限延伸”的视觉错觉。它让我意识到，中国园林的设计哲学，其实是一种对人与自然关系的哲学思考，是对人生有限性的温柔回应。这本书读起来完全没有负担，仿佛是跟一位饱经风霜的园林大师在午后小坐，听他娓娓道来那些花木深处的秘密。

评分☆☆☆☆☆

我是一个偏爱当代艺术装置和行为艺术的观众，一直觉得传统美术对我的吸引力相对较弱。这次抱着尝试的心态翻开了《美术丛书33（4集第3辑）》，没想到却被其中关于明清文房用品的专题深深吸引住了。这部分内容的处理方式非常新颖，它没有把它当作附属品来介绍，而是将笔、墨、砚、纸本身提升到了艺术品的高度来探讨。比如，关于端砚的开采和雕刻工艺，书中详细描述了不同石品之间的纹理差异，以及文人如何根据砚台的“发墨”性能来选择最适合自己书写风格的砚台。这种对日常用品的极致追求，体现出一种深入骨髓的“仪式感”。书中还收录了不少清代士大夫的书房布局图，每一件器具的摆放都有其特定的功能和寓意，这让我看到了“生活美学”的最高体现。它让我开始反思，我们现在追求的效率和极简，是否也牺牲了某种与物质世界深度互动的乐趣。这本书让我意识到，即便是最微小的物件，如果被赋予了精湛的工艺和深沉的情感，也能拥有震撼人心的艺术力量。

评分☆☆☆☆☆

这本《美术丛书33（4集第3辑）》的书，说实话，我期待了很久，总算是拿到了。我一直对中国古典绘画的演变非常感兴趣，尤其是宋元时期的文人画，总觉得那里藏着一种超脱尘世的意境。翻开这本书的封面，那墨韵的质感就已经让我心神安定了不少。内页的纸张处理得非常考究，不是那种亮得刺眼的铜版纸，而是略带哑光的米黄色，这样印刷出来的古代画作的细节，特别是那些层次丰富的皴法和晕染，才显得有古韵。我尤其喜欢其中对赵孟頫和董源作品的深入解读，作者并没有仅仅停留在技法层面的分析，而是花了大量的篇幅去探讨当时士大夫阶层的心境，比如那种“既入世又出世”的矛盾与和解。书中收录了一些我此前从未在其他普及读物中见过的拓片和局部放大图，这对于理解古代匠人如何通过笔墨的粗细干湿来营造气韵生动，简直是醍醐灌顶。比如，有一幅山水画的树法分析，作者细致地描绘了“渴笔”的运用，如何用近乎干枯的笔尖扫出松针的苍劲，而不是用饱满的墨色简单堆砌。这本书的排版也很有匠心，留白恰到好处，让眼睛在沉浸于复杂的图例和文字之间得到休息，而不是被信息流淹没。读完前半部分，我感觉自己好像真的在那个文人雅士的圈子里走了一遭，领略了他们笔下的天地大美。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《美术丛书33（4集第3辑）》的时候，我其实是抱着一种“查漏补缺”的心态来的，因为我前段时间刚参加了一个关于西方现代主义艺术的研讨会，对立体主义和抽象表现主义的脉络有些模糊。但这本书一打开，我就发现它完全是另一个维度——它深入到对“材料”本身的探讨。我惊喜地发现，它对敦煌壁画的矿物颜料的分析非常详尽，简直像是一本考古学的工具书。作者详述了青金石制成的群青是如何随着时间的推移而产生微妙的色变，以及古代匠人如何利用不同的矿物基底来固定颜料的持久性。我特别欣赏它跨学科的视角，它不仅仅停留在艺术史的叙述上，还引入了化学和物理学的知识。比如，书中有一章节专门讨论了不同历史时期缂丝工艺中“平针”和“打籽”技法的张力控制，用现代的材料科学术语来解释古代丝绸的韧性，这让那些原本抽象的技艺变得可以量化和理解。对我来说，这本书最大的价值在于，它让我认识到，艺术的美不仅仅在于最终的视觉呈现，更在于其背后支撑其永恒的物质基础和工艺的精进。读完这部分关于材料的章节，我对“传世之作”有了更深一层的敬畏。