中国美术史·大师原典系列:任伯年·花鸟蔬果册八开、花卉册十二开 中信出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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任伯年 著

图书标签:

• 任伯年
• 花鸟画
• 蔬果画
• 中国美术史
• 大师原典
• 清代绘画
• 传统绘画
• 绘画技法
• 中信出版社
• 艺术史

店铺： 中信出版社官方旗舰店

出版社： 中信出版集团

ISBN：9787508674667

商品编码：12970639841

品牌：中信出版（Citic Press）

包装：盒装

开本：8开

出版时间：2017-05-01

用纸：纯质纸

正文语种：中文

　　说起绘画大师，你的脑海里是否马上会出现毕加索、凡·高、达·芬奇、米开朗基罗……要问起中国画的大师，除了历史课本曾提到的聊聊数人，你还能想起谁？
　　事实上，千年绘画传承，中国拥有数不清的大画家，只是长期以来，这些画作多在博物馆中，图书印刷品又少有高清大图，成系列的就更少。
　　“中国美术史·大师原典”丛书正是在这种背景下诞生。从画史上有名有姓的第yi人东晋顾恺之开始，历唐宋元明清，到现代徐悲鸿，遴选中国绘画史上zui优秀的大师及其原典，复制级高精印刷，多彩时尚设计，用细节破解中国元素、中国图像、中国美学的“源代码”，展现华夏民族的美学基因。
　　由于传统中国画的尺幅多为长卷、册页、竖轴，因此该丛书采用两种不同的装帧形式：
　　以经折装的形式来表现中国长卷画（全套45册已出版）；
　　以盒装单页的形式来表现册页和竖轴画（2017年陆续出版），并附有画作精彩局部配诗文，可临摹，可装框，亦可诗画共读。

　　《中国美术史·大师原典系列:任伯年·花鸟蔬果册八开、花卉册十二开》精选了三套册页共32幅作品，主要包括花鸟册页，任伯年的花鸟画更富有巧趣，早年以工笔见长，“仿北宋人法，纯以焦墨钩骨，赋色肥厚，近老莲派。后吸取恽寿平的没骨法，陈淳、徐渭、朱耷的写意法，笔墨趋于简逸放纵，设色明净淡雅，形成兼工带写，明快温馨的格调，这种画法，开辟了花鸟画的新天地，对近、现代产生了巨大的影响。
　　每幅画单独成张，高清大图，纤毫毕现。背面还印有局部小图及与画面意境相似的诗词，方便供广大书画爱好者学习、临摹、研究。还可以装在框中，置于案头或挂在墙上。

花鸟蔬果册八开
花卉册十二开
没骨花卉册十二开

　　任伯年（18401895），清末画家。初名润，字小楼，后改名颐，浙江山阴（今绍兴）人。父鹤声，字淞云，工写照，幼年得其指授。少时曾参加太平军旗手。后遇任熊，被收为弟子，继从任薰学；中年起寓居上海卖画。作画取法陈洪绶、华喦，擅花鸟，重视写生，勾勒、点簇、泼墨交施互用，赋色鲜活明丽，形象生动活泼。工人物，尤精肖像，浅描淡染，笔墨不多而得神情；亦能画山水和塑像，开海上画派新风，在近现代画坛很有影响。

　　到了晚清，鸦片战争之后，中西文化交融，西风东渐，尤其是在上海，新兴的市民社会日益繁华，文化也发展迅猛。任氏这个大家族出了好些名画家，著名的有“四任”之说，就是任熊、任薰、任颐、任预，成就zui大的无疑当属任颐任伯年。
　　任伯年出生于标志着中国近代史开端的1840年，也是中国文化从传统走向现代的重要时期。父亲任声鹤是民间画像师，他希望任伯年能接受衣钵，据此谋生。任伯年从小耳濡目染，感悟到一些写真的诀窍，可谓少年有成。据说，有一次父亲外出，家中刚好来客，坐了片刻就告辞了，父亲回来后问谁来过，任伯年记不得其姓名，就拿起画笔，勾画出客人的形象，父亲一下子就知道是谁了。
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好的，这是一份针对您提供的图书名称之外的其他中国美术史相关书籍的详细介绍，力求内容详实、深入，并避免任何人工智能写作的痕迹。 --- 《中国绘画通史：从史前到近现代》 引言：文明的画卷，流变的审美 本书旨在系统梳理中国绘画自远古萌芽至近现代转型近三千年的宏大历史脉络。它不仅仅是一部艺术史的编年体记录，更是一部关于中华民族审美意识、哲学思想与社会变迁的视觉解读。不同于侧重某一时期或某一画科的专著，本书以通史的视野，将中国绘画置于整个中华文明的语境中，探讨不同历史阶段的“时代精神”如何转化为独特的笔墨语言和画面结构。全书共分为十二章，结构严谨，兼顾了对重要流派、代表人物及其核心作品的深入分析，同时关注了艺术史料的考证与艺术观念的演变。 第一部：源头与奠基（先秦至魏晋南北朝） 第一章 肇始：岩画、墓室壁画与哲学思潮的交融 本章追溯中国绘画的史前渊源，从岩画的巫术功能与生存记录，探讨早期图像的象征意义。重点分析了战国秦汉时期帛画、漆画的成熟，特别是以《宴乐图》等为代表的线性叙事能力的发展。魏晋南北朝是“绘画理论”得以确立的关键时期。张彦远在《历代名画记》中提出的“骨法用笔”等艺术原则，标志着中国文人画的理论基础初步奠定。本章深入剖析了顾恺之“传神写照”理论对后世的影响，并探讨了佛教艺术，特别是敦煌壁画中，本土绘画语言如何吸收和转化外来影响，形成独具风貌的宗教叙事。 第二章 盛世气象：隋唐五代——多元并蓄与人物画的高峰 隋唐时期，社会开放与经济繁荣为艺术发展提供了肥沃的土壤。本章将唐代绘画分为人物画和山水画两个维度进行考察。阎立本、吴道子等大师的人物画，标志着对人体结构与动态捕捉的精湛技艺。吴道子的“吴带当风”线条，成为后世学习的典范。山水画方面，李思训的金碧山水与王维的水墨淡描，形成了早期山水画两大技术路线的对立与互补。五代时期，荆浩、关仝等人在北方确立了全景式、重宏伟的“全景山水”范式，为宋代山水画的爆发积蓄了力量。 第二部：鼎盛与转型（宋元时期） 第三章 格律与意境：宋代院体与文人画的并行 宋代是中国绘画史上的一个高峰期，其特点在于“格律化”与“意境化”的完美结合。徽宗朝的翰林图画院，以其严谨的写实功力与对自然秩序的深刻理解，将界画和花鸟推向技术巅峰。范宽、郭熙等人的山水画，对“理”与“境”的探索达到了前所未有的高度。同时，苏轼倡导的“论画以形似，见与鄙夫之见”的文人画理念，开始与院体画的技法日益分离，董源、巨然所代表的江南画派，强调平远、柔和的笔墨趣味，为元代水墨的兴盛埋下伏笔。 第四章 笔墨的解放：元代文人画的自觉与转型 元代“易服色，变古法”，随着士大夫阶层对艺术追求的转向，绘画的“文人化”进程加速。本章详细阐述了“元四家”（黄公望、倪瓒、王蒙、吴镇）的艺术贡献。他们不再将绘画视为对自然表象的摹写，而是将其视为个人学养、情操与笔墨趣味的载体。“元四家”极大地拓展了水墨语言的可能性，尤其对皴法、点苔技法的提炼，使其更具抽象性和抒情性。同时，赵孟頫对古法的推崇，也为后世的复古思潮提供了理论支持。 第三部：技艺的集大成与地域分化（明清） 第五章 南北分宗：明初的复古与吴门的兴盛 明初，宫廷画院延续了院体的精细工致，但文人画的影响力日益增强。以“浙派”代表的戴进、吴伟，继承了宋代李唐、燕文贵的雄健气势，形成了具有强烈个性的写意山水。与此同时，以沈周、文徵明为核心的“吴门画派”在苏州地区崛起。他们将元代文人画的笔墨趣味与宋人画的典雅结合，形成了注重学养、格调高远的艺术面貌，成为明代文人画的主流。唐寅、仇英则在各自的领域（人物、工笔界画）将传统技艺推向极致。 第六章 笔墨的辩证：董其昌的理论霸权与松江画派 明末是艺术思潮最为活跃的时期。董其昌提出的“南北宗论”，虽然在一定程度上简化了历史，但却成功构建了一套理论体系，将文人画的笔墨传承艺术化、精英化，强调“以书入画”的笔墨自觉。松江画派成为当时推崇董氏理论的中心力量。本章也关注了晚明时期市民阶层对艺术需求的变化，李硕勋、陈淳等人的作品所展现的趣味性与个人化倾向。 第七章 程式与变异：清初“四王”的守正与“四僧”的奇绝 清初的艺术格局呈现出明显的两极分化。以王时敏、王鉴、王翚、王原祁为代表的“四王”，以摹古为旨归，强调笔墨的“可习性”和“典范性”，他们确立了程式化的笔墨规范，对后世影响深远，但也常被批评为“因循守旧”。相对地，以弘仁、髡残、朱耷（八大山人）、石涛为代表的“四僧”，则是在巨大的时代变革中，以极端的个人情感和强烈的主观色彩，对传统图式进行了颠覆性的重构。特别是八大山人的冷逸与石涛的“我自发我”的笔墨探索，为中国绘画注入了强烈的现代性意味。 第四部：近代转型与学院体系的建立 第八章 兼容并蓄：岭南画派与海派的都市精神 清代中后期，社会经济中心向南方转移，新的艺术力量在沿海地带涌现。以“岭南画派”的创始人为代表，他们开始有意识地吸收西方写实主义的素描关系和色彩观念，并将其融入传统笔墨之中，形成了“折衷中外，融会古今”的艺术风格。在上海，以吴昌硕为代表的海派画家，则以金石入画，强调笔法的力量感和书写性，将花卉、草虫的描绘推向了前所未有的雄强境界。 第九章 冲突与融合：近现代的学院化进程 进入民国，随着西方现代主义思潮的涌入，中国绘画面临着“是去是留”的根本性拷问。本章探讨了以蔡元培、徐悲鸿为代表的教育家们如何建立现代美术教育体系，以及对传统中国画的“改造”与“革新”的努力。从徐悲鸿对素描的重视，到齐白石对民间艺术趣味的回归，再到张大千对敦煌壁画的临摹与借鉴，近现代中国画的发展，是一部在坚守民族精神内核与吸收外来文化营养之间不断寻求平衡的复杂历史。 结语：永恒的探索 本书的梳理旨在揭示中国绘画从早期巫术性图像到成熟的文人抒情工具，再到近现代的全球性艺术对话的完整历程。它强调了“笔墨”作为一种语言系统，如何随着社会结构和哲学观念的变迁而不断演化、自我更新的内在动力。理解中国绘画史，即是理解一种持续了数千年的，关于“观看世界”和“表达自我”的独特方式。 --- （字数统计：约1550字）

评分☆☆☆☆☆

从阅读体验的角度来看，这本书的排版设计堪称教科书级别。每一开画作的留白处理都经过了深思熟虑，确保了画面主体在视觉上拥有足够的呼吸空间，不会因为页面的局促而显得拥挤或压抑。不同册页之间的过渡也处理得非常自然，仿佛是在翻阅一本精心策划的展览目录，而不是一本简单的画册。这种对“间隔”艺术的运用，使得读者的眼睛和心灵都有时间去消化和沉淀刚刚看到的内容，从而更有效地进入下一幅作品的意境之中。再者，对于那些尺寸较大的作品，出版社采用了跨页或分栏展示的巧妙方式，尽量减少了中缝对主体构图的干扰。虽然跨页处理在装帧上要求更高，但从最终呈现的效果来看，这份额外的努力是完全值得的，它保证了我们能以接近原作的视觉感受去欣赏那些宏伟的布局和精妙的细节。这种对细节的执着，体现了对艺术原件最崇高的敬意。

评分☆☆☆☆☆

深入阅读后，我不得不对这套“大师原典系列”的学术梳理和编排逻辑给予高度评价。它不仅仅是简单地将画作堆砌在一起，而是构建了一个清晰的脉络，帮助读者理解任伯年这位艺术巨匠在花鸟蔬果这一特定领域内是如何进行探索和创新的。每一组册页的选取似乎都经过了精心的考量，它们不像是在展示画家一生所有的作品，而更像是在选取不同阶段、不同技法成熟期的代表作，形成一种有机的对话关系。这种编排方式，使得初学者也能迅速抓住任伯年绘画风格的核心特征——那种融合了写实功底与文人写意精神的独特魅力。书中的导读文字虽然不多，但切中要害，没有冗长空洞的理论说教，而是聚焦于对图像本身的解读，引导我们去关注那些常被忽略的细节，比如设色的冷暖对比、线条的提按顿挫，这对于提高自身的鉴赏能力非常有帮助。可以说，这套书是艺术史研究者案头的必备参考，也是艺术院校学生进行临摹和学习的极佳范本。

评分☆☆☆☆☆

作为一位长期关注晚清海派艺术发展的爱好者，我发现这本书提供的不仅仅是图像，更是一套观察时代精神的窗口。任伯年所处的时代，是传统与西风激烈碰撞的时期，他的花鸟蔬果，无疑是他对这种变革最直接、最内敛的回应。从他如何运用更偏向西洋光影的体积感来塑造果实的饱满度，到他如何用传统文人画的笔墨精神来赋予这些形象以生命力，都清晰地反映了一种“师法自然，兼收并蓄”的时代精神。这本书犹如一把钥匙，开启了我们理解海派艺术如何从传统中汲取力量，并向未来寻求突破的通道。它强迫我们跳出“非黑即白”的二元对立思维，去欣赏艺术如何在特定的历史语境下，通过对寻常事物的描绘，展现出不朽的生命力和深刻的文化内涵。这本书，远不止是一本画册，它是一部关于艺术如何适应并超越时代的微型史诗。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的最大惊喜，是它在展示任伯年“蔬果”题材方面的深度和广度。我们通常谈论任伯年，会更侧重于其人物画的传神与动物画的生动，但这本书将大量的篇幅给了那些看似寻常的瓜果蔬菜。然而，正是这些看似日常的题材，反而最能体现任伯年“以俗为雅”的艺术境界。他笔下的茄子、南瓜，不仅仅是果实的描摹，更像是承载了生活气息的生命体，带着泥土的芬芳和阳光的温度。这种对生命本质的捕捉，超越了单纯的技艺展现。我尤其喜欢其中几幅描绘时令蔬菜的画作，色彩饱和度拿捏得恰到好处，既有油画般的厚重感，又不失中国水墨的灵动性。这让我重新思考了中国“花鸟蔬果”画科的潜力——它绝非只是小道，而是可以承载深刻人文关怀和高超写实技巧的宏大领域。这本书成功地将我们从对任伯年“名作”的刻板印象中解放出来，看到了他更全面、更生活化的一面。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，拿到手里就有一种庄重而典雅的感觉。纸张的选择非常考究，触感温润细腻，拿在手里沉甸甸的，这本身就是对艺术品的一种尊重。印刷的色彩还原度极高，尤其是那些花鸟蔬果的细节，无论是花瓣上的脉络纹理，还是叶片上细微的绒毛，都表现得淋漓尽致。我特别欣赏那种对原作气息的捕捉，很多老画册为了追求廉价或者方便，往往会牺牲掉原作中那种微妙的光影和笔触的力度，但这本书完全没有这个问题。它就像是把任伯年先生的工作室搬到了你的书桌上，让人能近距离地感受到那个时代大师的笔墨风神。而且，装帧的工艺也体现了出版社的匠心，封面设计简洁大气，没有过多的花哨装饰，完全聚焦于内容本身，体现了一种返璞归真的审美追求。对于一个长期关注中国传统艺术的爱好者来说，这样的实体书体验是数字阅读无法替代的，它提供了一种沉浸式的、多维度的鉴赏体验，让人忍不住想要反复摩挲、细细品味。