从莎士比亚说到梅兰芳 艺术 舞台艺术戏剧 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 莎士比亚
• 梅兰芳
• 艺术
• 舞台艺术
• 戏剧
• 文学
• 文化
• 戏曲
• 经典
• 表演艺术

店铺： 福州金榜图书专营店

出版社： 海豚出版社

ISBN：9787511004260L

商品编码：18435360705

商品参数

书    名:从莎士比亚说到梅兰芳

作    者:宋春舫 著，陈子善 编

I S B N :9787511004260

出 版 社:海豚出版社

出版时间:2011年3月

印刷时间:2011年3月

字    数:64千字

页    数:133页

开    本:32开

包    装:平装

重    量:141克

定    价:19.80元

编辑推荐

陈子善教授挖掘出的又一值得纪念却被忽略的一位戏剧家。他是中国话剧史上值得纪念和研究的“先知先觉”。

媒体评论

“褐木庐”主人宋春舫

陈子善

1918年10月《新青年》第五卷第四号发表了署名宋春舫的《近世名戏百种目》，这是宋春舫的名字出现在“五四”新文化运动的标志性刊物上。该期《新青年》是“戏剧改良专号”，还发表了胡适的《文学进化观念与戏剧改良》、傅斯年的《戏剧改良各面观》等等。在此前后，又有胡适、罗家伦译《娜拉》、陶履恭（陶孟和）译《国民公敌》和胡适作《终身大事》等在《新青年》揭载，这就把“戏剧”也纳入了“文学革命”或“文学改良”的轨道，与小说、诗歌、散文等文学领域的提倡白话批判文言同步了。在此背景下，宋春舫此文的出现非同一般，这不仅是一份较早较为完备的西洋近世名剧目录，也似乎预示着未来中国话剧运动的兴起必将借鉴西洋戏剧，透露了宋春舫与现代戏剧的密切关系和多重身份，他是独特的西洋戏剧收藏家、研究家、翻译家，以及话剧作家。

宋春舫（1892-1938）是浙江吴兴人，国学大师王国维表弟，后来王氏后人印行《海宁王静安先生遗书》，宋春舫即为作序者。宋春舫家学渊源，十三岁即在清末后一次

目录

北平

我不小觑平剧

中国戏剧社的回溯

看了俄国“舞队”以后联想到中国的武戏

从莎士比亚说到梅兰芳

论戏剧的对白

戏院观众纵横谈

谈戏剧杂志

话剧的将来

《海宁王静安先生遗书》序

《褐木庐藏戏曲书写目》自序

《宋春舫戏曲集》集序

《五里雾中》之经过

《原来是梦》序

宋家弄

从“家”忽然想到搬家

海草

附录：毛姆与我的父 /林以亮

内容推荐

本书选录了作者关于中国戏曲、西洋戏剧和现代话剧的并不过于专门的论述，以及序跋和若干回忆性散文。附录乃宋春舫之子宋淇（笔名林以亮）的《毛姆与我的父》，此文详细考证毛姆与宋春舫的那段文字交，并对宋春舫的戏剧观作了精彩的阐述。

......

浮光掠影：中外文学的交汇与回响 （一本关于世界文学经典、跨文化交流、艺术思潮变迁的深度探析之作） 本书并非一部聚焦于某一特定艺术领域或历史人物的专著，而是一次横跨时空、深入不同文化土壤的文学与艺术思辨之旅。我们以更宏大的视角，审视那些塑造了人类精神景观的文学巨匠及其作品，探讨不同文明体系下艺术表达的共性与殊途。 本书将重点考察那些在西方文学史上占据了不可动摇地位的经典作家群像。从荷马史诗的源头活水，到古希腊悲剧的深刻哲思，我们试图解析西方戏剧美学中“原型”与“冲突”的构建方式。重点分析但丁的《神曲》如何以其恢弘的结构和深邃的象征意义，勾勒出中世纪的宇宙观，并预示了文艺复兴的人文精神。 随后的篇章将集中探讨启蒙运动至浪漫主义、现实主义直至现代主义的文学演进。我们将细致剖析十八、十九世纪欧洲小说艺术的成熟——从司汤达、巴尔扎克对社会肌理的精微刻画，到陀思妥耶夫斯基和托尔斯泰对人类灵魂深处的拷问与救赎。这种对个体命运、道德困境和社会批判的关注，构成了理解西方现代性思想的基石。 本书的价值不仅在于对既有经典的回顾，更在于对“文本”与“时代”之间动态关系的探讨。例如，我们将考察现代主义文学（如乔伊斯、普鲁斯特的作品）如何以意识流、碎片化叙事等手法，回应工业化、战争和科学发现对既有世界观的颠覆，从而展现文学形式如何成为时代精神的敏感探针。 --- 跨越疆界：东方叙事的精神底色与美学追求 在对西方文学进行梳理的同时，本书并未将目光局限于欧洲，而是将视野投向了东方文明的艺术高峰，特别是那些在叙事结构、审美范式和哲学意蕴上与西方形成鲜明对照的文学传统。 我们将深入研究中国古典文学的几个重要里程碑。这包括先秦诸子散文的凝练与思辨，汉赋的铺陈与气势，唐诗宋词的意境营造与格律之美。我们关注的重点是东方美学中“言有尽而意无穷”的留白艺术，以及“天人合一”思想如何渗透到山水文学和抒情诗歌之中，形成了一种与西方注重对立冲突的叙事模式截然不同的审美体验。 特别地，本书将花费篇幅探讨中国古典小说，如“四大奇书”的文本结构与社会功能。我们分析《红楼梦》如何以家族兴衰为载体，构建了一个无比精细的社会模型，并在其悲剧内核中蕴含着对生命无常的深刻体悟。这种对“情”与“理”、“虚”与“实”的辩证处理，是理解中国叙事艺术的关键。 --- 艺术的共通性：风格的变迁与跨文化对话的可能性 本书的第三部分旨在探讨在不同的文化土壤中，艺术表达的哪些核心要素得以共通，哪些又因文化根基的差异而产生了根本性的分野。 我们不会简单地进行“对等比较”，而是着眼于探讨“艺术功能”的转移。例如，当西方戏剧从亚里士多德的“三一律”走向易卜生对现代社会弊病的直面，其核心关乎戏剧如何介入社会治理；而当中国戏曲艺术（如昆曲、京剧的早期流派）从宫廷走向民间，其美学核心是如何通过程式化表演达成“情景交融”的瞬间爆发力。 我们将通过分析不同媒介（小说、诗歌、舞台艺术）在特定历史时期所承担的教化、娱乐或反思功能，来勾勒出一条跨越地理界限的艺术思想演化线索。这包括： 1. 英雄观的差异： 西方古典悲剧中的“英雄气概”与东方叙事中“隐士情怀”或“忠义精神”的哲学根源分析。 2. 时间与空间的处理： 探讨线性时间叙事与循环/非线性时间观念在不同文学体裁中的运用效果。 3. 美学范畴的交织： 比较西方“崇高”（Sublime）与东方“幽玄”、“空灵”等审美概念的内在联系与张力。 --- 艺术的张力：从古典理想迈向现代困境 在本书的收尾部分，我们将转向二十世纪以降的全球艺术景观。重点不再停留于特定流派的界定，而是关注在全球化和技术飞速发展背景下，艺术作为一种精神抵抗或调和力量的角色。 我们将探讨现代文学如何回应两次世界大战带来的精神创伤，以及“荒诞派”戏剧如何以其非逻辑的、极简的舞台语言，挑战观众对现实的既有认知。这部分内容力求展现艺术在面对极端现代性危机时所展现出的顽强生命力和对意义的重建努力。 最终，本书希望引导读者理解，无论是身着古希腊长袍的叙事者，还是身处中国古典园林中的诗人，艺术的终极目的——激发人类的同理心，拷问存在的本质——从未改变。这是一部邀请读者进行深度思考的书，关于人类想象力的边界，以及我们如何通过文学艺术来认识自我和我们所处的世界。它旨在提供一个广阔的视野，去欣赏和理解不同文化遗产中那些宏大而永恒的艺术主题。

评分☆☆☆☆☆

从整体的阅读体验来看，这本书的“重量感”十足，并非指装帧的厚重，而是其思想的深度和广度带来的压迫感。作者的知识体系显然非常庞大，能够游刃有余地穿梭于不同的历史时期和艺术流派之间，而不会显得牵强附会。更难得的是，他并没有把自己塑造成一个高高在上的艺术权威，而更像是一位热情的引导者。他会引导我们去思考，在技术不断迭代、审美不断变迁的今天，舞台艺术的“不变的内核”究竟是什么？他并未给出标准答案，而是通过详尽的案例分析，将这个问题抛给了读者自己。这种开放式的结局和启发性，让这本书的价值得以持续延伸。我感觉，这本书更像是一份“艺术地图”，它指明了广阔的探索方向，至于最终能发现什么宝藏，则取决于读者自身的用心程度。看完后，我感觉自己的艺术视野被极大地拓宽了，对舞台艺术的敬畏之心油然而生。

评分☆☆☆☆☆

我必须得说，这本书的语言风格极其富有张力和表现力，简直可以用“酣畅淋漓”来形容。尤其是在描述那些高潮迭起的剧目片段时，作者仿佛化身为一位现场的评论家，文字的节奏感和鼓点把握得恰到好处，让人读起来热血沸腾。例如，对某个经典歌剧场景的复盘，那种对演员面部肌肉细微抽动的捕捉，对嗓音颤抖程度的精准拿捏，简直达到了文学描写中的“极致真实”。这种对细节的执着，使得即便是对该剧目不甚了解的读者，也能迅速进入情境，感受到角色内心的巨大冲突。而且，作者似乎毫不吝啬自己的情感投入，他的文字中充满了对舞台艺术的深深热爱和敬意，这种“真诚”是任何矫饰都无法模仿出来的。读完那些精彩的描摹，我立刻就产生了去重温经典剧目的冲动，这大概就是一本优秀的艺术评论书籍所能带来的最大价值——点燃读者的探索欲。

评分☆☆☆☆☆

这部作品给我的感觉，就像是走进了一座陈旧却又充满奇幻色彩的博物馆。作者的笔触非常细腻，尤其是在描绘那些尘封已久的历史场景时，仿佛能嗅到旧日剧场的木头香气和脂粉味。我特别欣赏他对不同文化背景下表演艺术精髓的捕捉，那种跨越时空的对话感非常强烈。比如，他对某位西方早期戏剧大师在舞台调度上的独到见解，简直是教科书级别的分析，每一个走位、每一个停顿都被赋予了深刻的含义。我记得有一段描述了灯光如何从早期的蜡烛照明过渡到现代的聚光灯，那种光影变化带来的情感冲击，作者描述得淋漓尽致，让我这个门外汉都能感受到舞台艺术发展史的波澜壮阔。阅读过程中，我常常会暂停下来，闭上眼睛去想象那种宏大的舞台景象，那种沉浸式的体验是现在很多快餐式的娱乐产品无法给予的。它不是简单的介绍或罗列事实，而是在用一种近乎诗意的语言，重构了一个个鲜活的舞台瞬间，让人在知识的获取之余，获得了一种精神上的愉悦。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排实在是太巧妙了，它不拘泥于传统的编年史叙述，而是采用了许多有趣的对照和类比手法，让原本可能略显枯燥的艺术史变得生动有趣。读到后半部分关于“角色塑造”的章节时，我真是拍案叫绝。作者对比了不同时代、不同地域的演员如何处理“悲剧英雄”这一母题，比如，一方是着重于内心独白的深度挖掘，而另一方则是强调程式化的、高度凝练的肢体语言表达。这种跨文化、跨流派的比较分析，提供了一个极佳的观察视角，让我开始重新审视自己过去对“表演”的片面理解。作者的论证过程非常严谨，引用了大量的一手资料和评论，但行文却绝不晦涩，仿佛是在和一位博学的老友促膝长谈艺术的奥秘。对于那些想深入了解舞台艺术内在逻辑，而非仅仅停留在表面欣赏的读者来说，这本书无疑是一座宝藏。它引导我去思考：在不同的文化土壤里，人类共通的情感是如何通过舞台这一媒介被“翻译”和呈现的。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的最大启发在于其对“身体”与“空间”关系的探讨。作者没有将舞台视为一个静止的背景，而是将其视为一个充满能量场域的动态空间。他详细分析了不同表演体系中，演员如何利用自己的身体——从眼神到步法——去占据、划分和定义这个舞台空间，从而与观众建立起微妙的心理联系。这部分内容对我启发很大，它超越了剧本本身的限制，触及到了表演最本源的“在场性”哲学。我特别喜欢作者对“留白”艺术的阐释，那种看似什么都没做，实则暗流涌动的表演状态，作者用非常哲学化的语言进行了剖析，让人不得不佩服其深厚的学养。读起来需要一定的专注度，因为它不是那种能让你走马观花地翻阅的书籍，它要求你慢下来，去体会字里行间那些关于存在、时间与瞬间的深刻思考。它提供的知识密度非常高，每读一页都需要消化一番。