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约瑟夫·M·博格斯 著

图书标签:

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• 电影史
• 电影分析

店铺： 后浪出版公司官方旗舰店

出版社： 世界图书出版公司

ISBN：9787510050695

商品编码：20607592799

品牌：后浪

包装：平装

丛书名： 后浪电影学院

开本：16开

出版时间：2012-10-31

用纸：胶版纸

页数：589

正文语种：英文

编辑推荐

《看电影的艺术(影印第7版)》编辑推荐：美国高校经典教程，透彻解析观影之道。全面展现电影艺术，完整还原原著风貌。加州大学伯克利分校等400余所著名学府指定教材，发行7版畅销不衰。聚焦当下热门影片，以全新视角解读经典知识体系，兼顾趣味性与理论性。独具特色的“闪回”单元，集中探讨了动画、剪辑、色彩等技术领域的发展脉络。影印版完整呈现原书450余幅图片，配以48个彩页，生动展现“视觉特效”、“色彩”等相关章节精彩内容。保留原书中片段练习、DVD花絮参考、索引等内容，方便读者使用、学习。

作者简介

作者：（美国）约瑟夫?M.?博格斯(Joseph M. Boggs) （美国）丹尼斯?W?皮特里(Dennis W. Petrie)

约瑟夫?M.?博格斯（Joseph M.Boggs），曾于美国西肯塔基大学任教。
丹尼斯?W?皮特里（Dennis W.Petrie），三州联合大学教授美国文学和文化研究专业，发表过研究传记文学的专著。

目录

电影学院?影印从书说明1 
出版前言2 
前言13 
第—章看电影的艺术 
电影的独特性 
电影分析面临的挑战 
电影分析的价值 
成为善于接受的观众 
看电影的环境 
准备看电影 
深化我们对电影的反应 
自测问题：分析你对一部电影的反应 
第二章主题元素 
主题和中心 
以情节为中心 
以情感效果或情绪为中心 
以人物为中心 
以风格、质感或结构为中心 
以思想为中心 
确立主题 
评价主题 
自测问题：分析主题部分 
观片练习 
学习影片列表 
第三章虚构和戏剧的要素 
电影分析和文学分析 
好的故事应具备的要素 
好的故事有完整的情节 
好的故事是可信的 
好的故事是有趣的 
好的故事既简单又复杂 
好的故事应有节制地处理感情戏 
标题的重要性 
戏剧结构 
线性或按时间顺序安排的结构 
非线性结构 
结尾是对结局的仔细安排 
冲突 
人物刻画 
通过外表进行人物刻画 
通过对白进行人物刻画 
通过外部动作进行人物刻画 
通过内心活动进行人物刻画 
通过其他角色的反应进行人物刻画 
通过对比进行人物刻画：戏剧性衬角 
通过漫画化和主题反复进行人物刻画 
通过名字的选择进行人物刻画 
人物角色的多样性 
寓言 
象征 
通用的和自然的象征符号 
创造象征意义 
象征阵式和递进 
冲突的象征意义 
隐喻 
过分解读象征意义 
反讽 
戏剧性反讽 
情境反讽 
角色反讽 
场景反讽 
语调反讽 
宇宙反讽 
自测问题：分析虚构的、戏剧的要素 
观片练习 
片段练习 
DVD花絮参考 
学习影片列表 
第四章视觉设计 
彩色对黑白 
银幕格式（宽高比例） 
电影胶片 
美工设计／美术指导 
剧本：创作起点 
场景及其效果 
摄影棚还是外景拍摄 
年代剧 
生活空间和办公室 
奇幻世界 
服装和化装设计 
布光 
预算对影片视觉的影响 
自测问题：分析视觉设计 
观片练习 
片段练习 
DVD花絮参考 
学习影片列表 
第五章摄影和特殊视觉效果 
视觉画面的重要性 
有电影感的电影 
电影的视点 
客观视点 
主观视点 
间接主观视点 
导演诠释视点 
电影构图元素 
关注有意义的物体 
保持画面的动感 
制造景深幻觉 
特殊电影技巧 
手持摄影机 
摄影角度 
色彩、散射和软焦 
特殊光学镜头 
快动作 
特殊光效 
电影魔术：现代电影中的特殊视觉效果 
动画片中的特效 
闪回：动画变成了主要事务 
自测问题：分析摄影手法和视觉特效 
观片练习 
片段练习：电影摄影 
片段练习：动画特效 
DVD花絮参考 
学习影片列表 
第六章剪辑 
选择 
闪回：拯救电影：电影剪辑师一直在做的事 
一致性、连贯性和节奏 
转场 
节奏、速度和时间控制 
拉伸和压缩时间 
慢动作 
定格、融格和静止画面 
定格 
融格 
静止画面 
创造性的镜头并置：蒙太奇 
自测问题：分析剪辑 
观片练习 
片段练习1 
片段练习2 
DVD花絮参考 
学习影片列表 
第七章色彩 
现代影片中的色彩 
色彩对观众的影响 
闪回：发掘影片中的色彩 
作为过渡手段的色彩 
色彩的表现主义用法 
作为象征符号的色彩 
色彩的超现实主义用法 
色彩的主题反复 
色彩用于增强情绪 
漫画书的色彩 
连环漫画的色彩 
色彩的绘画效果 
反讽地使用色彩 
特殊的色彩效果 
彩色与黑白的对比 
自测问题：分析色彩 
观片练习 
片段练习 
DVD花絮参考 
学习影片列表 
第八章音效与对白 
声音与现代电影 
对白 
声音的三维特性 
可见和不可见声源的声音 
声音中的视点 
音效和对白的特殊用途 
讲述内心故事的声音效果 
暗示主观心理状态的声音变形 
机械声音的“个性” 
慢动作声音 
声音和图像的反讽并置 
对声音作非同寻常的强调 
声音作为表现质感、时间和温度的手段 
声音作为一种剧情手段 
声音作为一种转场元素 
旁白（画外音）叙述 
作为音响效果的寂静 
对白和音效的韵律特征 
外语片或外国片的“声音” 
配音 
字幕 
闪回：有争议的配音 
自测问题：分析音效和对白 
观片练习 
片段练习 
DVD花絮参考 
学习影片列表 
第九章配乐 
音乐与电影的密切联系 
配乐的重要性 
配乐的常见功能 
配乐的特殊功能 
加强对白的戏剧效果 
讲述内心的故事 
提供某种时空感 
预示事件或建立戏剧张力 
增加视觉画面的多层含义 
使用音乐进行人物刻画 
引起条件反射 
旅行音乐 
提供重要的转场 
确立初始基调 
用音乐般的声音作为配乐的一部分 
音乐作为内心独白 
音乐作为舞蹈化动作的基础 
弥补影片中可能的缺陷 
合成配乐 
平衡配乐 
自测问题：电影配乐分析 
观片练习 
片段练习 
DVD花絮参考 
学习影片列表 
第十章表演 
表演的重要性 
演员的目标 
化身为剧中人物 
电影表演与舞台表演的区别 
闪回：无声电影：过去的表演 
演员的类型 
角色再现型演员 
阐释与评注型演员 
本色型演员 
明星制度 
挑选演员 
挑选演员的难题 
扮演类型角色的陷阱 
配角演员 
特殊选角的挑战 
临时演员和小角色 
演员是创造性的贡献者 
对演员的主观反应 
自测问题：分析表演 
观片练习 
片段练习1 
片段练习2 
DVD花絮参考 
学习影片列表 
第十一章导演风格 
风格的概念 
题材 
摄影 
剪辑 
场景和场景设计 
声音和配乐 
选角和表演 
剧本和叙事结构 
不断演变的风格和适应性 
特别剪辑：导演剪辑版 
四位导演的比较 
自测问题：分析导演的风格 
片段练习 
DVD花絮参考 
学习影片列表 
第十二章影片的总体分析 
基本方法：观看、分析和评价影片 
主题 
部分与整体的关系 
影片的目标水准 
对影片的客观评价 
对影片的主观评价 
分析、评价和讨论的其他方法 
作为技术成果的影片 
展示演员的影片：个人崇拜 
作为单一创造者的成果的影片：作者导演分析法 
传达道德、哲学或社会思想的影片 
作为情感或感官体验的影片 
作为重复的艺术形式的影片：类型分析法 
作为政治声明的影片 
作为性别宣言的影片 
深入洞察内心思想的影片：从心理分析的角度 
折中的分析方法 
再读评论 
评价影评人 
制定个人标准 
自测问题：分析整部影片 
片段练习1 
片段练习2 
DVD花絮参考 
学习影片列表 
第十三章改编影片 
改编影片存在的问题 
媒介的变化 
艺术创作者的变化 
原著改编成电影的可能性 
散文体小说的改编 
文学视点和电影视点 
闪回：编剧在好莱坞的地位 
第三人称视点面临的挑战 
第—人称视点面临的挑战 
长度和深度的问题 
哲学思考 
总结人物的过去 
总结事件的困难 
文学过去时与电影现在时 
其他影响小说改编的因素 
戏剧的改编 
结构的划分 
空间感 
电影语言和舞台语言 
舞台传统手法和电影传统手法 
其他变化 
从事实到影片：从现实到神话 
自测问题：分析改编影片 
片段练习 
DVD花絮参考 
学习影片列表 
第十四章类型片、重拍片和续集片 
类型片 
价值观 
类型片的力量 
基本的类型片惯例及其变化 
重拍片和续集片 
重拍片 
续集片 
自测问题：分析类型片、重拍片和续集片 
片段练习 
DVD花絮参考 
学习影片列表 
影片与社会 
外国影片 
“陌生的”无声电影 
美国电影塑造或反映社会和文化价值观吗？ 
《电影制片法典》，1930-1960年 
表1：《电影制片法典》选录 
过渡时期的审查制度，1948-1968年 
MPAA分级制度 
表2：美国电影协会自愿采用的电影分级制度 
审查制度与在电视上播放的电影 
在规范和分级制度之外 
改变对性、暴力和粗口的处理方法 
社会问题影片 
闪回：真实的银幕生活 
自测问题：分析社会类影片 
片段练习 
DVD花絮参考 
学习影片列表 
注释 
重要词汇 
索引 
参考书目

序言

正如著名导演约瑟夫?冯?斯登堡所言：“电影是一件艺术品。”
所以无论当代好莱坞电影如何用俗套的剧情、精美的特效、病毒式的宣传将商业片的概念以一种廉价的方式灌输进电影产业的方方面面，电影依然被无数渴望了解它、鉴赏它的人们当做一门艺术来珍视。那么，如何才能看“懂”这件艺术品呢？就像鉴赏一件出土自某个古老朝代的器皿需要了解它所处时代的艺术风貌、工艺特征甚至是帝王喜好一样，我们同样需要对电影的故事内涵、艺术形式、拍摄手法以及它与社会的关系等诸多方面详加品析，而《看电影的艺术》就是这么一本“鉴宝大全”。
《看电影的艺术》是当下美国热门的电影专业教材之一，被加州大学伯克利分校等400余所著名学府采用，现在已经升级至第7版。全书涵盖了与电影有关的大部分专业知识，从主题的确立、如何用虚构情节和戏剧元素讲故事等内容表现手段，到视觉设计、摄影、视效、剪辑手法、色彩运用等视觉元素的呈现技巧，再到音效、对白、配乐等声音元素的运用方式，为读者全方位展现了电影在故事层面、技术层面、社会学层面以及美学层面的多重身份。
除了严谨的理论框架外，本书另一大特色则是其一直追求的新颖而引人入胜的讲授方式。书中尽量采用了大量当今读者可能看过的影片作为例子，包括像《指环王》、《蝙蝠侠：开战时刻》、《父辈的旗帜》、《阳光小美女》、《艺伎回忆录》、《罪恶之城》等具有相当艺术水准的主流商业片，令读者能由自己所熟悉的东西开始，更加投入地进入本书所营造的艺术世界当中。
本书中文版由北京大学出版社于2010年出版。较之中文版，影印版完整呈现了英文原书配备的450张品质上乘的图片，辅以48个彩页，并保留了原书课后练习中的“观片练习”、“片段练习”和“DVD花絮参考”以及书后的索引部分，生动还原原书品质，读者可对照中文版阅读和学习。

电影的结构与叙事：深度解析经典好莱坞的语法 本书聚焦于电影的内在骨架——剧作结构、叙事逻辑以及视觉语言的构建，旨在为读者提供一套系统而深入的工具，以解构和欣赏电影艺术的精妙之处。我们不关注市场热度或单一影片的影评，而是深入探究那些支撑起数十年光影经典的、经久不衰的电影制作原理。 第一部分：叙事基石——经典三幕剧的再审视与突破 本部分将从最基础的叙事框架入手，但绝非停留在简单的“开端、中段、结尾”的表面。我们将详细剖析经典好莱坞叙事结构的内在张力是如何被精确计算和部署的。 第一章：冲突的引擎与驱动力 核心冲突的定位： 探讨“外部冲突”（主角与外界的对抗）和“内部冲突”（主角内心的挣扎与转变）如何交织，构成叙事的主轴。分析“需要”（Need）与“想要”（Want）之间的张力如何驱动角色行为。 悬念的艺术（Suspense）： 不仅仅是“不知道接下来会发生什么”，而是对“知道危险将至但角色尚不知情”的戏剧性处理。我们将考察希区柯克式的悬念构建技术，包括信息不对称的运用，以及如何通过剪辑和音效来放大观众的焦虑感。 情节转折点的精确计算： 详细解析第一幕结束点（Plot Point I）如何彻底改变主角的处境，以及第二幕中点（Midpoint）如何提供一个“假胜利”或“假失败”来重置叙事节奏。重点分析这些转折点在结构上对前后两幕内容承载力的影响。 第二章：人物弧光与动机的深度挖掘 可信性与变化性： 深入研究如何设计一个“可信”的角色，即使其行为极端。探讨角色动机的层次性——表层动机（他声称的）与深层动机（他潜意识里追求的）。 从静态到动态： 分析“角色弧光”（Character Arc）的内在逻辑。区分“积极弧光”（成长/克服缺陷）、“消极弧光”（堕落/被环境腐蚀）和“平坦弧光”（坚定信念，改变世界）。每一个弧光都需要明确的“代价”和“顿悟”时刻。 人物关系网的构建： 探讨次要人物（Supporting Characters）如何通过镜像、对照或阻碍的作用来反衬主角的特质和成长。分析“导师”角色在叙事功能上的必要性与局限性。 第二部分：视觉语言的语法——镜头、场面调度与剪辑的协同作用 电影叙事不仅仅依赖对白和情节，更依赖于眼睛所“阅读”到的信息。本部分将侧重于非语言叙事层面。 第三章：镜头的语言学 景别与主观性： 剖析不同景别（特写、中景、全景）如何立即设定观众与场景之间的情感距离和信息密度。探讨如何利用极端景别（如超广角或极端的长焦）来扭曲空间感或表达角色心理状态。 角度与权力关系： 详细分析高角度、低角度以及水平视角的心理暗示。低角度如何赋予主体权力感或压迫感；高角度如何暗示观察者或角色的脆弱性。 运动的意义： 区分推轨（Dolly）、摇摄（Pan）、跟拍（Tracking）和手持（Handheld）等运动方式。分析运动镜头在场景中起到的功能——是引导视线，建立空间，还是模仿角色的不稳定状态。 第四章：场面调度（Mise-en-Scène）的叙事功能 空间即语言： 将场景设计视为一种叙事工具。探讨布景、服装、道具在不发一言的情况下如何透露时代背景、阶级差异和角色心理。例如，色彩的对比与象征意义，以及道具的重复出现或缺席。 光影的雕塑： 深入研究照明技术。低调照明（Low-key lighting）与高调照明（High-key lighting）的典型应用及其情感基调。重点分析伦勃朗光、三点布光等经典布光法的叙事目的，而非仅仅是技术实现。 演员的表演空间： 分析场面调度如何利用前景、中景和背景的层次感来引导观众的注意力，并使不同角色的行动在同一画面内形成对话或冲突。 第五章：剪辑的节奏与逻辑 连续性剪辑的隐形魔法： 回顾并批判性地分析180度法则、轴线原则在维持观众空间感上的作用。探讨如何“打破”这些规则，以达到特定的叙事效果（如混乱、眩晕或主观体验的增强）。 节奏的控制： 分析长镜头与快速剪辑序列之间的交替使用。探讨“长镜头”如何强制观众进行更深入的观察和思考，而“快速剪辑”如何激发肾上腺素或压缩时间。 交叉剪辑（Parallel Editing）的张力： 分析交叉剪辑如何同时展现两条或多条故事线，并以此建立因果关系、对比关系或时间上的并置，从而推高最终高潮的预期。 第三部分：超越语法——声音设计与风格化的探索 本部分将目光投向电影的听觉维度，以及如何将结构、视觉与听觉元素整合，形成独特的作者风格。 第六章：声音的层次与潜意识影响 画外音的效用与风险： 分析画外音（Voiceover）的几种功能：解释性、反思性、讽刺性。探讨过度依赖画外音对电影“展示而非告知”原则的破坏性。 音效的叙事重量： 区分对话、音乐和环境音。分析特定的音效（如心跳声、不和谐的噪音）如何在不依赖画面信息的情况下，直接作用于观众的情绪反应。探讨“声场”的构建，即声音在银幕空间中的定位感。 音乐的心理暗示： 不仅分析配乐的主题，更分析其在何时进入、何时退出、如何与画面节奏“同步”或“反同步”，以增强或扭曲观众对所见画面的解读。 第七章：风格化的语境与作者论的影子 类型片的解构与重构： 选取特定类型（如黑色电影、西部片、科幻片）作为案例，分析这些类型所预设的叙事惯例、视觉母题和角色原型。探讨大师如何遵循、颠覆或讽刺这些既定结构。 节奏与时间的非线性处理： 考察闪回、闪进、梦境序列等时间跳跃技术在叙事中的作用。分析何时需要清晰的时间线索，何时允许观众沉浸于模糊的、主观的时间流逝感中。 “观看的愉悦”： 最终，本章回归到电影作为一种艺术体验。探讨形式上的完美契合（结构、视觉、声音的和谐统一）如何超越情节本身，提供纯粹的审美满足感。 本书旨在提供一把解剖刀，帮助读者超越“喜欢”或“不喜欢”的初步判断，深入理解电影制作者是如何通过精密的结构设计和语言运用，将一连串的图像和声音转化为具有持久感染力的艺术作品。

评分☆☆☆☆☆

我必须得提一下这本书对电影史观点的独特处理。它没有完全遵循传统的学院派时间线，而是巧妙地穿插了对不同时代电影美学哲学的对比分析。比如，它会把默片时代追求的视觉冲击力，与现代数字电影追求的超现实质感进行对比，分析技术进步是如何反过来影响了艺术表达的边界。这种跨越时代的对话，让阅读过程充满了思辨的乐趣。我感觉自己像是在参加一场跨越百年的大师对谈。它不只是在“教”你看电影，更是在“激发”你思考电影的未来走向。书中对一些新兴的电影形式，比如沉浸式叙事，也进行了前瞻性的探讨，这让我意识到，电影艺术远非固定不变的范式，而是一个持续演进的有机体。读完之后，我不再满足于仅仅消费电影，而是开始思考自己希望在电影中看到什么样的“新东西”，这是一种非常宝贵的思维转变。

评分☆☆☆☆☆

这本书的版式设计非常人性化，这一点非常值得称赞。我注意到它在引用电影台词或理论时，经常采用特殊的字体或留白，使得重点信息能够立刻跳脱出来。而且，它的索引做得极其详尽，我想要快速查找某个特定导演的理论阐述时，能够迅速定位，这大大提高了我的查阅效率。我是一个非常注重效率的读者，如果一本书结构混乱，我很容易就失去耐心。这本书的逻辑线索非常清晰，从基础的构图原理，到复杂的叙事结构，再到声音设计在电影中的地位，层层递进，形成了一个完整的知识体系。它不是零散的知识点堆砌，而是一个有机的整体。每次合上书本，我都会感到自己对电影的理解更深入了一层，这种系统性的学习成果，是我在其他碎片化学习渠道中难以获得的。对于希望建立扎实理论框架的影迷来说，这本书提供了最好的蓝图。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书之前，有点担心它会太过学术化，毕竟“艺术”二字摆在那里。但读起来，我却发现它更像是一本充满洞察力的随笔集。作者的文笔有一种独特的节奏感，时而激情澎湃，时而又沉静如水，就像他描述的那些光影变幻一样富有层次。我尤其欣赏它对“叙事”与“视觉”之间张力的探讨。很多时候，我们只关注情节的曲折，却忽略了画面是如何不动声色地推动情感的。这本书让我开始关注那些“沉默的时刻”——一个角色眼神的微妙变化、光线如何勾勒出人物的内心世界。这种细腻的观察力，无疑是需要长时间熏陶才能形成的。读完关于色彩心理学的章节后，我再去重温一些老电影，感觉完全不一样了，仿佛揭开了一层滤镜，看到了导演的另一层用心。这种提升“感知力”的体验，远比记住几个专业名词重要得多。

评分☆☆☆☆☆

我最近正在尝试自己剪辑一些短片，所以对技术层面的叙事格外关注。这本书在讲解镜头语言的那部分内容，简直就是我的“救星”。它没有停留在“广角”、“特写”这类基础概念的罗列，而是深入挖掘了不同焦段对观众心理状态的影响。比如，书中分析了如何运用超长焦镜头来制造空间压缩感，以及在特定情境下如何利用鱼眼镜头来营造扭曲、不安的氛围。这些理论结合具体的案例，让我立刻就能理解如何在我的项目里实际应用。我甚至发现，很多我之前无意识中模仿的国外导演的拍摄手法，在这本书里找到了清晰的理论支撑。坦白说，市面上很多教导性的书籍往往是“知其然不知其所以然”，但这本书的厉害之处就在于它把“为什么”解释得清清楚楚。这对于一个正在摸索自己风格的创作者来说，无疑是无价的指引。我甚至在创作日志里，直接引用了书中的一些观点来指导我的下一个场景设计。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计相当引人注目，那种沉稳的深蓝色调配上精致的烫金字体，立刻就给人一种“这是一本有分量的书”的感觉。我本来对“艺术”这个词有点敬而远之，总觉得太高深莫测，但翻开内页后，我发现作者的叙事方式异常亲和。它没有一开始就抛出那些晦涩难懂的电影理论，而是像一个经验丰富的老朋友在慢慢引导你进入一个全新的世界。我特别喜欢它探讨蒙太奇手法的那一章，作者没有用枯燥的术语堆砌，而是结合了几部经典影片的片段进行剖析，那种“原来如此”的顿悟感非常强烈。更别提排版了，字体大小适中，行距舒服，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳，这在如今很多追求速度而牺牲阅读体验的出版物中，实属难得。这本书的装帧质量也无可挑剔，纸张手感厚实，让人忍不住想反复摩挲。看得出来，出版方在细节上真的下了大功夫，这不仅仅是一本书，更像是一件值得收藏的艺术品。对于任何想要提升自己电影鉴赏水平的爱好者来说，这本书绝对是入门与进阶之间最好的桥梁。