【后浪直营】《克利》费顿艺术史画册书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[英] 道格拉斯·霍尔 著，曹丹苧 译

图书标签:

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店铺： 后浪出版公司官方旗舰店

出版社： 湖南美术出版社

ISBN：9787535680914

商品编码：21560454651

品牌：后浪

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-12-01

用纸：铜版纸

正文语种：中文

编辑推荐

《克利》带你深入探寻现代艺术大师克利的艺术世界，全方位领略他缤纷多彩的艺术生涯里的狂想、困惑、顿悟以及突破。
48幅精选图版，外加数幅文中插图、对比图，展示了克利从抽象的到具象的，从建筑性的到诗性的，静态的到动态的精华作品。
专业名家解读，为艺术从业者和艺术爱好者整体、透彻地了解克利的艺术理念提供了的途径。

内容简介

克利是一位对现代艺术发展起着至关重要作用的艺术家，也是一位掌握着多样形式创新的艺术家。而《克利》书即是一本快速了解克利的艺术生涯及其创作精神的指南图书。
在本书中，曾任苏格兰国立现代美术馆主管的道格拉斯?霍尔倾情讲解，以言简意赅的文字还原克利艺术生涯中的重大事件，并精选出48幅克利的代表作品，以彩色图版形式呈现，每幅图版下辅以文字，力图全面剖析克利作品背后的艺术理念。这些作品涵盖了克利从抽象的到具象的，从建筑性的到诗性的，静态的到动态的作品。集中展示了克利从纯粹的线条伸展至线条、色调、色彩复杂的组合，然后又回归到简单的彩色网格的手法演变。

媒体推荐

克利拥有同时期人的思维能力，他们中没有人，甚至康定斯基都不能，像克利那样透彻地思考他们所做的事情的各种含义。许多人讨论艺术与自然间新的关联；只有克利尝试去定义它，并取得了巨大的成功。在一个充满不确定性与艺术上失去方向的时代，他是信心和钦佩的来源。
——道格拉斯·霍尔

作者简介

作者：（英国）道格拉斯?霍尔 译者：曹丹苧


道格拉斯?霍尔
曾为苏格兰国家现代艺术馆主管，也是研究克利及其艺术的专家。他的文章深入浅出，条理清晰，他所撰写的关于克利的图书是读者透彻了解克利伟大艺术成就的佳选。

目录

彩色图版
1.窗前的画家
1909年；墨水、淡彩和彩色粉笔；29.8cm×24.7cm；
私人收藏，瑞士
2.红和白的圆顶
1914年；水彩和水粉；14.6cm×13.7cm；
北莱茵-威斯特**艺术品收藏馆，杜塞尔多夫
3.哈马马特图案
1914年；木板蛋彩；27cm×22.5cm；
艺术博物馆，巴塞尔
4.隐居地
1918年；粉笔底上水彩；18.3cm×25.4cm；
保罗·克利基金会，艺术博物馆，伯尔尼
5.古老花园里的生长
1919年；纸上水彩和色粉；15cm×21cm；
原藏于费希尔美术有限公司，伦敦
6.宇宙构图
1919年；纸板油彩；48cm×41cm；
北莱茵-威斯特**艺术品收藏馆，杜塞尔多夫
7.夜的庆典
1921年；木板油彩；50cm×61cm；
所罗门·R·古根海姆博物馆（罗伯特·E·梅茨和玛
丽·唐隆收藏），纽约
8.红气球
1922年；粉笔涂底的平纹细布上油彩；31.8cm×31.1cm；
所罗门·R·古根海姆博物馆，纽约
9.千里光
1922年；纱布上油彩；40.5cm×38cm；
艺术博物馆，伯尔尼
10.叽喳器
1922年；水彩画和油彩素描；40.6cm×29.8cm；
现代艺术博物馆，纽约
11.走钢丝的人
1923年；石版画；43.2cm×26.7cm；
苏格兰国家现代艺术画廊，爱丁堡
12.一个年轻女人的冒险
1921年；水彩；43.8cm×30.8cm；
泰特美术馆，伦敦
13.木偶剧场
1923年；粉笔底上油彩；51.4cm×37.2cm；
保罗·克利基金会，艺术博物馆，伯尔尼
14.水晶渐变
1921年；水彩；24.5cm×31.5cm；
艺术博物馆（铜版画陈列室），巴塞尔
15.红色赋格
1921年；水彩；23.9cm×33cm；
私人收藏，瑞士
16.重建
1926年；平纹细布上油彩；36.3cm×39.3cm；
北莱茵一威斯特**艺术品收藏馆，杜塞尔多夫
17.山中狂欢
1924年；纸上水彩，裱在木板上；23.5cm×31.1cm；
保罗·克利基金会，艺术博物馆，伯尔尼
18.植物剧场
1924／34年；木板上油彩和水彩；50.2cm×67.2cm；
私人收藏，伯尔尼
19.田园曲
1927年；布上蛋彩，裱在木板上；69.2cm×51.7cm；
现代艺术博物馆（艾比·奥尔德里奇·洛克菲勒基
金），纽约
20.要建在森林里的城堡
1926年；水彩；26.7cm×39.5cm；
私人收藏
21.花园里的大门
1926年；板上油彩；54.5cm×44cm；
胡格勒基金会，艺术博物馆，伯尔尼
22.鱼的魔法
1925年；油彩和水彩，画好后涂一层清漆；
76.8cm×98.1cm；
艺术博物馆（路易丝和瓦尔特·阿伦斯贝格收藏），费城
23.鱼的循环
1926年；蛋彩和油彩；46.3cm×64.1cm；
现代艺术博物馆（艾比·奥尔德里奇·洛克菲勒基
金），纽约
24.危险的暴风雪
1927年；钢笔、墨水和水彩喷绘；48.9cm×31.4cm；
苏格兰国家现代美术馆，爱丁堡
25.出神的傻瓜
1929年；粗麻布上油彩和水彩；50cm×35.5cm；
路德维希博物馆，科隆
26.肥沃土地上的古迹
1929年；水彩；46cm×30.5cm；
保罗·克利基金会，艺术博物馆，伯尔尼
27.晚间火焰
1929年；木板油彩；37cm×36cm；
现代艺术博物馆（约阿希姆·让-阿贝尔巴赫夫妇基
金），纽约
28.到边缘
1930年；水彩，画好后涂一层清漆；46.3cm×35.9cm；
艺术博物馆，巴塞尔
29.红上的果实
1930年；丝绸上水彩；61.2cm×46.2cm；
连巴赫市立美术馆，慕尼黑
30.征服者
1930年；水彩；41.6cm×34.2cm；
保罗·克利基金会，艺术博物馆，伯尔尼
31.三个主题，复调
1931年；水彩和铅笔；48cm×63cm；
原藏于费希尔美术有限公司，伦敦
32.上升与道路（滑翔）
1932年；布上油彩；90cm×91cm；
佳士得拍卖行卖出，伦敦，1989年4月
33.复调
1932年；亚麻布上蛋彩；66.5cm×106cm；
埃马努埃尔·霍夫曼基金会，艺术博物馆，巴塞尔
34.前往帕纳苏斯山
1932年；板上油彩；100cm×126cm；
保罗·克利基金会，艺术博物馆，伯尔尼
35.未来人
1933年；用刮刀涂的水彩；61.8cm×46cm；
保罗·克利基金会，艺术博物馆，伯尔尼
36.盛开的
1934年；木板油彩；81.9cm×81.3cm；艺术博物馆，
温特图尔
37.被画的人
1935年；纱布；30.5cm×27.5cm；
北莱茵一威斯特**艺术品收藏馆，杜塞尔多夫
38.沃普尔吉斯之夜
1935年；织物上水粉；50.8cm×47cm；
泰特美术馆，伦敦
39.珠宝
1937年；棉布上色粉，裱在画布上；57cm×76cm；
北莱茵-威斯特**艺术品收藏馆，杜塞尔多夫
40.凝视
1938年；新闻纸上色浆；47.2cm×65.8cm；
贝耶勒美术馆，巴塞尔
41.英勇的玫瑰
1938年；染色画布上油彩；68cm×52cm；
北莱茵-威斯特**艺术品收藏馆，杜塞尔多夫
42.红马甲
1938年；色浆，上蜡；65.1cm×42.5cm；
北莱茵-威斯特**艺术品收藏馆，杜塞尔多夫
43.卢（塞恩）旁的公园
1938年；板上油彩；100cm×70.2cm；
保罗·克利基金会，艺术博物馆，伯尔尼
44.恐惧的爆发
1939年；蛋彩打底的纸上水彩；63cm×48cm；
保罗·克利基金会，艺术博物馆，伯尔尼
45.作为帕拉斯的梅菲斯特
1939年；黑色打底的纸上蛋彩和水彩；90.5cm×150cm；
乌尔姆博物馆，乌尔姆
46.穿着民族服饰的女人
1940年；纸上色浆；48cm×31.7cm；
保罗·克利基金会，艺术博物馆，伯尔尼
47.定音鼓鼓手
1940年；纸上色浆；34.4cm×21.7cm；
保罗·克利基金会，艺术博物馆，伯尔尼
48.死与火
1940年；麻布上油彩；46cm×44.1cm；
保罗·克利基金会，艺术博物馆，伯尔尼
文中插图
1.保罗·克利照片
伯尔尼；1906年
2.莉莉·施通普夫照片
伯尔尼；1903年
3.保罗·克利在慕尼黑的工作室；1920年
4.树上的处女
1903年；蚀刻版画；28.7cm×29.7cm；
保罗·克利基金会，艺术博物馆，伯尔尼
5.女人和野兽
1904年；蚀刻版画；20cm×22.8cm；
保罗·克利基金会，艺术博物馆，伯尔尼
6.被从名单上划掉
1933年；蜡纸上油彩；31.5cm×24cm；
私人收藏，伯尔尼
7.保罗·克利照片
德绍；1933年
8.保罗·克利照片
伯尔尼；1939年
9.撑住！
1940年；制图纸黑粉笔；29.6cm×20.9cm；
保罗·克利基金会，艺术博物馆，伯尔尼
对比插图
10.罗伯特·德劳内；窗户
1912／1913年；北莱茵一威斯特**艺术品收藏馆，杜
塞尔多夫
11.向毕加索致敬
1914年；木板油彩；34.9cm×29.2cm；
私人收藏，康涅狄格
12.冈察洛娃；“金鸡”的背景设计
1914年；纸板上水粉，水彩和铅笔；47.3cm×61.6cm；
现代艺术博物馆，纽约
13.有窗的构图
1919年；保罗·克利基金会，艺术博物馆，伯尔尼
14.费力克斯·克利的木偶剧场照片；1922年
15.R别墅
1919年；木板油彩；26.5cm×22cm；艺术博物馆，巴
塞尔
16.索尼娅·德劳内；电动棱镜
1914年；布上油彩；250cm×250cm；
法国国立现代艺术美术馆，巴黎
17.攻击的物质、精神与象征
1922年；纸上水彩和油彩；33.5cm×47.5cm；
赫尔顿夫人收藏，伦敦
18.《航海者》的战斗场景
1923年；纸上水彩和油彩；
私人收藏，巴塞尔
19.厄洛斯
1923年；水彩；33.3cm×24.5cm；
罗森加特收藏，卢塞恩
20.毕加索；米诺陶之战
1935年；蚀刻铜版画；49.8cm×69.3cm；
毕加索博物馆，巴黎
21.魔法剧场
1923年；钢笔、画笔和印度墨水，还有水彩；
33.6cm×22.8cm；
保罗·克利基金会，艺术博物馆，伯尔尼
22.一座给俄耳甫斯的花园
1926年；纸上钢笔和印度墨水，裱在木板上；
47cm×32.5cm；
保罗·克利基金会，艺术博物馆，伯尔尼
23.G的局部景观
1927年；转印到纸上的水彩和油彩，裱在木板上；纽约
24.大路和小路
1929年；路德维希博物馆，科隆
25.在水流中，六个门槛
1929年；所罗门·R·古根海姆博物馆，纽约
26.大胆地称量
1930年；纸上水彩和印度墨水，裱在木板上；
31cm×24.6cm；
保罗·克利基金会，艺术博物馆，伯尔尼
27.动态复调组合
1931年；31.5cm×48cm；
私人收藏，瑞士
28.尼森山
1915年；水彩；
私人收藏，伯尔尼
29.舞台景观
1937年；色粉；
私人收藏，伯尔尼
30.布拉克；瓶子和玻璃
1912年；55cm×38cm；
私人收藏，伯尔尼
31.高架桥的革命
1937年；艺术馆，汉堡
32.也是身体的一副容颜
1939年；私人收藏，瑞士

《艺术的群像：二十世纪西方绘画大师的风采与革新》 本书旨在为读者呈现二十世纪西方艺术波澜壮阔的历史画卷，重点聚焦于那些以独特视角和革命性技法深刻影响了现代艺术进程的绘画大师们。我们摒弃面面俱到的罗列，转而深入剖析几位关键艺术家的创作历程、思想内核及其对后世的深远影响，力求描摹出一幅既具学术深度又不失阅读趣味的艺术群像。 第一章：野性的呼唤——野兽派与马蒂斯的色彩解放 本章深入探讨亨利·马蒂斯（Henri Matisse）及其所代表的野兽派运动。野兽派，顾名思义，以其大胆、非自然主义的色彩运用而著称。马蒂斯并非简单地复制视觉现实，而是将色彩视为表达情感、构建画面结构的核心力量。我们将剖析他如何从早期对光影的探索转向对纯粹色块的迷恋，尤其关注《舞蹈》与《生命的喜悦》等代表作中，色彩如何独立于描绘对象，成为画面叙事的首要语言。这一时期的创作，是对学院派传统的一次猛烈冲击，宣告了主体情感表达的胜利。同时，我们也触及到马蒂斯晚年在剪纸艺术上的突破，展示了一位大师如何直至生命尽头仍保持对形式与色彩的纯粹追求。 第二章：理性与碎片——立体主义的结构革命 立体主义是二十世纪艺术史上一次决定性的转折点。本章将聚焦于巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）和乔治·布拉克（Georges Braque）如何共同构建了这一理论与实践的框架。我们详细解析了立体主义的两个阶段：分析立体主义和综合立体主义。 分析阶段中，艺术家们通过多重视角同时展现物体，将三维空间分解、重构于二维画布之上，模糊了观看者与被观看物之间的界限。这不仅仅是绘画技巧的革新，更是对传统西方透视法——自文艺复兴以来占据主导地位的观看模式——的彻底颠覆。 进入综合阶段，拼贴（Collage）和添料（Papier Collé）的引入，标志着艺术创作材料的拓宽。通过引入报纸、墙纸等日常材料，立体主义将艺术作品的“现实性”提升到了一个新的层面，预示了达达主义和后来的概念艺术的某些倾向。本章将探讨立体主义如何通过对形式的解构，揭示了现代经验中那种不确定性与多义性。 第三章：内在的呐喊——德国表现主义的焦虑与激情 二十世纪初的欧洲社会充斥着工业化带来的疏离感和对即将到来的世界大战的潜在恐惧。德国表现主义（Expressionism）正是这种时代精神的直接投射。本章将重点考察“桥社”（Die Brücke）和“蓝骑士”（Der Blaue Reiter）两个核心团体。 以恩斯特·路德维希·基希纳（Ernst Ludwig Kirchner）为代表的“桥社”艺术家，他们以粗粝的线条、尖锐的色彩，描绘城市生活的压抑、异化与个体的孤独。他们的作品充满了原始的、未经驯化的情感力量。 而瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky）和弗朗茨·马尔克（Franz Marc）领导的“蓝骑士”则更倾向于精神层面的探索。康定斯基被誉为抽象艺术的先驱之一，他致力于探寻“内在的必然性”，相信色彩和线条可以像音乐一样直接作用于灵魂，无需依附于具象事物。本章将详细分析他们如何利用表现主义的强烈手法，表达对人与自然、精神与物质关系的深刻反思。 第四章：潜意识的风景——超现实主义的梦境入口 超现实主义（Surrealism）不仅是一种艺术运动，更是一种思想哲学，它深受弗洛伊德精神分析理论的影响。本章聚焦于安德烈·布勒东的理论基础，以及如何将其付诸视觉实践。 超现实主义的核心在于探索人类潜意识中被压抑的欲望、梦境与幻觉。萨尔瓦多·达利（Salvador Dalí）以其“偏执狂批评法”，创造出令人不安却又无比清晰的“手绘的梦境照片”，例如软化的时钟和怪诞的生物体。他的画作是精确技法与荒诞内容的完美结合。 另一位代表人物雷内·马格里特（René Magritte）则采取了更具哲学思辨性的路径。他通过日常物体的并置、文字与图像之间的悖论性关系，挑战我们对“真实”和“表征”的既有认知。例如，他著名的《这不是一只烟斗》，迫使观众思考语言的局限性。本章将分析超现实主义如何通过对非理性领域的挖掘，扩展了艺术表达的边界。 第五章：抽象的终极——从几何到行动的演变 进入二十世纪中叶，艺术的焦点逐渐转向纯粹的抽象表达。本章将追踪抽象艺术的两条主要脉络。 首先是冷抽象的典范，如皮特·蒙德里安（Piet Mondrian）的新造型主义（De Stijl）。蒙德里安追求宇宙的和谐与普遍性，他将画面简化到最基本的元素：垂直线、水平线、以及红、黄、蓝三原色和黑、白、灰三非色。这种极简主义的几何结构，旨在揭示事物背后永恒不变的秩序。 随后，我们将过渡到二战后席卷纽约的抽象表现主义（Abstract Expressionism）。与欧洲的抽象探索不同，美国艺术家更强调绘画过程本身的情感释放与物质性。杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）的“滴画”或“行动绘画”，不再是描绘对象，而是将画布转变为一个记录身体运动与精神能量的“场域”。他的作品是艺术家与材料之间、瞬间与永恒之间激烈对话的物证。 结语：艺术的永恒迭代 本书通过对这些里程碑式艺术家的深入考察，力图展现二十世纪西方绘画如何摆脱了为再现而再现的传统束缚，转而成为一种对人类经验、精神世界乃至存在本质的深刻反思与持续探索。这些大师们留下的遗产，不仅是色彩与形式的革新，更是不断质疑、不断前行的艺术精神的体现，为我们理解当代艺术的多元面貌提供了坚实的基础。他们的作品证明了艺术的生命力在于其永不满足于现状的求索精神。

评分☆☆☆☆☆

我承认，我买书有时候更偏向于“审美体验”而非纯粹的知识汲取。这本画册的装帧设计，比如封面纸张的选择、内文的排版布局，都直接影响了我翻阅时的愉悦程度。我期待的是一种流畅的视觉体验，而不是被拥挤的文字和低劣的图片切割得支离破碎。想象一下，在安静的午后，泡上一杯茶，慢慢翻开一本设计精良的书籍，那种仪式感是无可替代的。我希望它的开本足够大气，能撑得起那些需要展开来欣赏的宏伟构图。而且，对于色彩的还原，我是极其挑剔的。有些画册，把梵高的黄色印成了廉价的橙色，把伦勃朗的阴影处理成了死板的黑色，那种感觉就像是听着失真的录音在欣赏交响乐，实在是一种折磨。

评分☆☆☆☆☆

作为一个深度爱好者，我购买艺术画册时，最看重的就是内容的权威性和深度。我可不想买一本充斥着肤浅介绍的“旅游纪念品”。我需要的是专业的导览，能够深入解读作品背后的时代背景、艺术家的创作心路历程，甚至是那些鲜为人知的技术革新。如果这本书能够收录一些罕见的早期手稿或者研究性的图表对比，那就更完美了。那种精雕细琢的学术价值，才是支撑起一本“史诗级”画册的骨架。我通常会花很长时间去对比不同版本对同一件作品的解读，所以，如果这本书在选材和注释上展现出严谨的态度，那么它在我的书架上的地位自然就不同了。对我来说，艺术史是一条永无止境的探索之路，而一本优秀的画册，就是指引方向的可靠灯塔。

评分☆☆☆☆☆

从一个“实用主义者”的角度来看，这本书的装订质量和耐用度也是我考量的重点。艺术画册是用来反复阅读和学习的工具，而不是一次性消费品。我希望它的锁线装订足够结实，能够平摊开来，这样在对比研究时，我就不用费力去压住书页。纸张的选择也应该考虑到长久保存的特性，抗氧化、不易泛黄是基本要求。毕竟，这些精美的图像和文字记录，承载的是人类文明的精粹，它们值得最好的保护。如果一个出版社连最基本的工艺细节都敷衍了事，那么我对它所呈现的学术内容也会抱持一份谨慎的怀疑。我需要的是一本能陪伴我十年甚至更久的艺术伙伴，而不是用了一季就散架的“快消品”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我更喜欢那种能带给我“惊喜感”的艺术书籍。那种惊喜不一定来自于那些家喻户晓的“镇馆之宝”，而更多是那些被忽视的、处于艺术史边缘地带的杰出作品。我希望这本书的编纂者能够跳出“教科书式”的选目，去挖掘那些被主流叙事略微遮蔽的天才。也许是某个区域性画派的代表作，也许是某个时期特定材料运用的创新实践。通过这些相对陌生的作品，我才能真正拓宽自己的艺术视野，理解艺术发展并非一条笔直的单行道，而是充满了岔路和试验田。一本好的画册，应该像一个高明的策展人，能引导我去发现新的盲点和热点，而不是重复我已经知道的一切。

评分☆☆☆☆☆

这本画册拿到手里，光是沉甸甸的质感就让人对里面的内容充满了期待。我一直是个视觉动物，对那些流传千古的艺术杰作总是充满了敬畏之情。每次翻阅这类书籍，都仿佛进行了一次穿越时空的对话。我特别关注那些细节的呈现，比如颜料在画布上留下的肌理，光影是如何被捕捉和重塑的。好的艺术画册，不仅仅是简单地复印图片，它应该能还原出原作的“呼吸感”。我希望每一页的印刷都能精准地传达出画家笔触下的情感张力，那种微妙的色彩过渡，那种层次分明的结构布局，都是数字屏幕无法比拟的体验。尤其是在欣赏那些巨幅作品时，如果装帧和尺寸能尽可能地接近原作的宏大，那简直是太棒了。对我来说，艺术史的学习从来不是枯燥的理论堆砌，而是通过这些图像的直接冲击，去感受人类创造力的伟大。