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[美] Fil Hunter，Steven Biv 著

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• 光线
• 技巧
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• 商业摄影
• 人像摄影

店铺： 润轩泽辕图书专营店

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115416490

商品编码：24438908758

包装：平装

出版时间：2016-03-01

基本信息

书名：美国摄影用光教程

：69元

作者： Fil Hunter,Steven Biver,Paul Fuqua

出版社：人民邮电出版社

出版日期：2016-03-01

ISBN：9787115416490

字数：

页码：199

版次：5

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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1.本书无论在作者的知名度上，还是在内容的理论体系、作品的精彩程度上，在摄影用光类图书中都可谓*屈一指，很多专业摄影师都是它的拥趸，受到摄影艺术院校师生的青睐。
　　2.不管数码相机有多么智能，如果想要拍出精彩的照片，你仍需要绞尽脑汁地考虑如何用光。付出一些精力学好用光是值得的——没有其他的技巧能够像用光技巧一样让你如此迅速地提升摄影水平。
　　3. 本书以富于实效的案例和说明，为您*面提供有关光线特性和用光原则的理论。书中既有照片、示意图，也有一步步的详细说明，适用于不同层次的摄影师。
　　4. 通过学习本书，你将能够：
　　理解与摄影直接相关的光线特性，以及如何活用这些特性来指导和优化拍摄；
　　学会对拍摄对象和场景进行识别和判断，选择和安排适用的光位设置来完成拍摄；
　　掌握拍摄静物、肖像等多种题材的用光技巧，并针对经典难题（拍摄金属和玻璃制品等）给出了完整、多样的解决方案；
　　轻松应对* 端情形下的恶劣光线条件，以及通过改善光源质量和后期处理来解决遇到的用光问题。
　　5.新版本包括：
　　*新章节“建立个摄影棚”
　　经过修订和扩充的第8章“表现人物”
　　超过100张新照片和信息栏
　　更新了有关闪光灯、LED灯板和荧光灯的*新信息

内容提要

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本书以丰富的案例和实践指导，为读者*面提供了有关光线的特性和用光原则的理论。书中包含大量精彩作品和布光示意图，并加以详细地步骤指导。对于如何为那些较为困难的被摄体——如各种性质的表面、金属体、玻璃制品、液体、* 端情形（黑对黑和白对白）、人像等——进行用光，本书也提供了*方位的指导。
　　新版本增加了*新章节“建立你的新工作室”，重新修订并扩充的第8章“表现人物”，超过100幅新照片和信息栏，更新了有关闪光灯、LED灯板和荧光灯的新近信息等新内容。
　　本书适合专业摄影师以及摄影爱好者阅读，也可作为摄影艺术专业课程的教材。

目录

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作者介绍

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Fil Hunter，是一位备受尊敬的商业摄影师，专门为广告和杂志插图拍摄静物和特效照片。在超过30 年的职业生涯中，他的客户包括美国在线（America Online，AOL）、美国新闻（US News），《时代出版社生活》（Time-Life Books），《生活杂志》（Life Magazine，27 次封面）、美国国家科学基金会（National Science Foundation）和美国国家地理杂志（National Geographic）。他也在大学里教授摄影课程，并为许多摄影出版物担任技术顾问。Hunter 先生曾三次赢得“弗吉尼亚专业摄影师大奖”。

　　SteveBiver，作为一名专业商业摄影师拥有超过20 年的从业经验，他专攻肖像、静物、摄影蒙太奇和数字制作。他的客户包括强生公司（Johnso& Johnson）、美国农业部（USDA）、威廉和玛丽学院（William & Mary College）、康泰纳仕集团（Condé Nast）和IBM。他曾荣获CommunicatioArts、Graphis、HOW 杂志和Adobe 公司的诸多奖项，Adobe 公司将他的作品纳入Photoshop 附赠光盘，以激励其他摄影师。他也是《人像摄影艺术》的合著者，这是由Focal Press 出版社出版的另一本图书。

　　Paul Fuqua，作为一名杂志摄影师和野生动物摄影师已经超过35年。他在1970 成立了自己的制作公司，致力于利用视觉材料进行教学。他在法律、公共安*、历史、科学和环境等不同领域都编写并制作了教育和培训材料。在过去的十年里，他已经摄制了关于处理自然科学和*球栖息地管理需要的教学材料。Paul 也是Focal Press 出版社出版的《人像摄影艺术》的合著者。

文摘

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序言

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光影魔法：解构美国摄影用光艺术 在摄影的浩瀚星河中，光线永远是那位最神秘而强大的魔术师。它能塑造形态，渲染情绪，揭示细节，更能将平凡的瞬间转化为触动人心的艺术杰作。而美国摄影，以其多元的文化土壤、蓬勃的创新精神以及对视觉语言的独特追求，在用光技法上，更是发展出了一套独树一帜且影响深远的体系。本书并非直接教授某一本具体的《美国摄影用光教程》，而是从更广阔的视角出发，深入剖析贯穿于美国摄影史中的经典用光理念、技术演变以及艺术实践，旨在为摄影爱好者和专业人士提供一套理解和掌握美国摄影用光精髓的思维框架和实践指南。 我们并非要复述某本书籍的目录或章节，而是要探寻隐藏在那些经典作品背后的“光之语言”。这门语言，是摄影师们用以对话世界、表达自我的重要媒介。从早期湿版摄影时代对自然光的精妙运用，到好莱坞黄金时代人造光源的戏剧性塑造，再到当代纪实摄影、时尚摄影、艺术摄影中光影的多元化表达，美国摄影的用光艺术始终在不断演进，与社会、文化、科技的发展同频共振。 一、自然光：最古老也最永恒的灵感源泉 在美国摄影的早期，自然光无疑是绝大多数摄影师赖以生存和创作的唯一光源。无论是西部风光摄影师安塞尔·亚当斯（Ansel Adams）对国家公园壮丽景色的记录，还是早期肖像摄影师对室内散射光的细腻捕捉，都充分展现了对自然光特性的深刻理解和极致运用。 黄金时段与蓝色时段的魔力： 摄影师们深谙“黄金时段”（日出后和日落前的一小时）柔和、温暖的光线如何为画面注入诗意和浪漫，使其成为风光摄影的宠儿。同样，“蓝色时段”（日出前和日落后的短暂时刻）那种宁静、神秘的光影效果，也被许多摄影师用来营造出截然不同的氛围。这种对一天中不同时段光线变化的敏感捕捉，是美国摄影师对自然光驾驭的经典体现。 窗口光的艺术： 在室内人像摄影中，窗口光被视为一种极其宝贵的“柔光箱”。摄影师们通过调整被摄者与窗户的角度、距离，利用窗帘的遮挡或散射，来塑造面部轮廓、眼神光，以及营造画面的空间感和情感深度。比如，玛丽·艾伦·马克（Mary Ellen Mark）在拍摄社会底层人物时，常利用环境中的自然光，以一种真实而不失尊严的方式呈现人物。 漫射光与直射光的对比： 了解并利用漫射光（如阴天光、透过薄云的光）的柔和、均匀特性，以及直射光（如正午阳光）的强烈、对比强烈的特性，是摄影师控制画面质感的关键。前者适合表现细腻、柔美的特质，后者则能突出轮廓、强调力量感。 二、人造光：技术革新与艺术表达的融合 随着摄影技术的进步，人造光源的出现极大地拓展了摄影创作的边界。在美国，人造光的使用，尤其是在电影和商业摄影领域，达到了登峰造极的程度，并形成了独具特色的美学风格。 好莱坞的“光之炼金术”： 好莱坞电影产业的发展，催生了对人造光运用的精细化、戏剧化追求。三点布光法（主光、辅光、轮廓光）等经典布光体系，虽然源于电影，但其基本原理深刻影响了后来的肖像摄影和商业摄影。摄影师们利用灯光的角度、强度、色温来雕塑人物形象，制造神秘感、柔情或威严，塑造了无数经典银幕形象。比如，常用于塑造“硬汉”形象的低角度布光，或者用于营造梦幻、浪漫氛围的侧面柔光。 闪光灯的进化与创意应用： 从笨重的镁光灯到便携的电子闪光灯，闪光灯的普及改变了许多摄影师的创作习惯。不仅仅是作为“补光”工具，美国摄影师们更是将闪光灯玩出了花样。例如，通过离机闪光，控制光线的方向和质量，制造出戏剧性的阴影；使用彩色滤光片改变光线色彩，营造特殊情绪；甚至将闪光灯作为主体光源，创造出强烈的视觉冲击力，如许多街头摄影或时尚摄影中的大胆尝试。 影棚的“光之剧场”： 现代影棚摄影，已经成为一个精密的“光之剧场”。摄影师们不仅拥有各种类型的灯光设备（柔光箱、雷达罩、束光筒等），更重要的是掌握了如何通过组合和控制这些光源，来达到预期的视觉效果。无论是商业广告中对产品细节的极致展现，还是艺术摄影中对概念的视觉化表达，影棚用光都提供了一个高度可控的创作平台。 三、光影的叙事力量：情感、空间与质感的塑造 最终，无论是自然光还是人造光，其价值都在于它们如何服务于摄影师的创作意图，如何构建画面的叙事性和感染力。美国摄影在这一点上，尤为注重光影在情感、空间和质感方面的表达。 情感的“色彩”与“温度”： 光线的明暗、色彩、硬度，都能直接影响观众的情绪。暖调的光线（如日落时分）常常传递温暖、怀念的情感；冷调的光线（如阴天）则可能带来宁静、忧郁或疏离感。强烈的对比光影（高光与阴影）可以营造紧张、戏剧化的氛围；柔和的光线则更容易表现细腻、温柔的情感。 空间的“深度”与“维度”： 光影是塑造空间感的重要元素。通过对明暗的分布，摄影师可以引导观众的视线，区分前景、中景和远景。侧光可以突出物体的体积感和纹理，产生立体效果；逆光则能勾勒出物体的轮廓，营造出神秘或梦幻的氛围，同时也能通过光晕（lens flare）增加画面的视觉趣味。 质感的“触感”与“细节”： 光线是揭示物体质感的最佳语言。粗糙的表面在斜射光下会显现出丰富的肌理，光滑的表面则能反射出耀眼的光泽。摄影师们通过精妙的用光，让观众仿佛能“触摸”到画布的纹理，感受金属的冰冷，或羊毛的柔软。细节的展现，如人物脸上的皱纹、衣物的褶皱，都需要恰当的光线来揭示，使画面更加真实生动。 四、当代语境下的光影探索 随着数字技术的飞速发展和摄影媒介的多元化，美国摄影的用光理念也在不断拓展和演进。 数字时代的光线模拟与后期： 数字传感器对光线的记录能力远超胶片，而后期处理软件则提供了前所未有的光线调整能力。这使得摄影师能够更加灵活地创造和控制画面光影，甚至在后期模拟出各种自然或人造光源的效果。然而，这并非意味着可以随意“捏造”光线，真正的艺术在于如何在数字工具的辅助下，更精准地表达摄影师的意图。 跨媒介的用光借鉴： 当代美国摄影师的用光，也深受其他视觉艺术形式的影响，比如绘画、电影、甚至计算机图形学。他们可能借鉴印象派的光影处理，也可能学习科幻电影中的炫目光效，将这些元素融入到自己的摄影实践中。 概念性用光与情感的深度挖掘： 在艺术摄影领域，用光不再仅仅是技术层面的追求，更是表达观念、传递思想的重要载体。摄影师们可能利用光线的虚幻、扭曲，来表达对现实的质疑；或者通过极端的明暗对比，来探讨人性的复杂。 结语 总而言之，对美国摄影用光的探索，并非局限于死板的技巧罗列，而是要理解其背后贯穿始终的观察力、感受力和创造力。它是一种关于如何“看见”光，如何“驾驭”光，并最终用光来“讲述”故事的能力。通过学习和借鉴美国摄影在自然光和人造光运用上的丰富经验，理解光影如何塑造情感、空间和质感，以及在当代语境下光影的不断创新，每一位摄影爱好者都能在自己的创作道路上，点亮那盏名为“光”的艺术之灯，让作品焕发出更加迷人的魅力。这套由无数先贤和实践者累积的“光之智慧”，值得我们深入体会、反复琢磨，并化为自己独特的视觉语言。

评分☆☆☆☆☆

我一直以来都觉得，摄影用光是一个非常“技术化”的领域，充满了各种设备和参数，让人望而生畏。然而，这本书却用一种非常“人性化”和“艺术化”的方式，将这个复杂的领域变得生动有趣。作者在书中用大量的篇幅去描述光线带给人的“感受”，而不是仅仅停留在技术层面的数据。他会告诉你，怎样的光线能够让你感到温暖，怎样的光线会让你感到不安，怎样的光线能够让你感到宁静。我非常喜欢关于“光线的意境”的探讨。作者会分析，在不同的场景下，怎样的光线能够烘托出画面的意境，例如，在拍摄日出时的山峦，如何利用柔和而富有层次的光线来表现山峦的雄伟和宁静。在拍摄人像特写时，如何利用微妙的光影变化来捕捉人物内心的情感。我曾经尝试用书中的描述去捕捉雨天街头的氛围，利用路灯在湿漉漉的地面上反射出的光斑，以及透过车窗的光线，来营造一种孤独而又浪漫的都市气息。这本书让我明白，摄影用光不仅仅是技术，更是情感的表达。它教会我如何用光线去“讲述”故事，去触动观者的心灵。

评分☆☆☆☆☆

这本书为我这个摄影新手提供了一个非常系统且易于理解的学习框架。我之前接触过一些摄影的书籍，但总感觉内容零散，要么过于理论化，要么就只是罗列一些拍摄技巧，缺乏一个整体的指导。而这本书则不同，它从最基础的“光是什么”开始，一步步地引导读者去认识、去理解、去运用光。作者在书中用了很多形象的比喻，比如将光线比作画家的颜料，将相机比作画布，让我一下子就明白了光线在摄影中的核心地位。我特别喜欢关于“负光”的讲解，这个概念对我来说是全新的。以前我总觉得照片暗了就是失败，但作者却解释了如何利用黑暗的空间来衬托主体，如何通过光线的“缺席”来强调某些元素，创造出更加耐人寻味的画面。我曾尝试用书中介绍的“剪影”技巧去拍摄风景，结果发现，即使没有复杂的布光，通过简单的逆光剪影，也能勾勒出极具艺术感的轮廓。此外，书中关于“光线与色彩”的结合运用也让我印象深刻。作者分析了不同色温的光线如何影响画面色彩，以及如何通过调整光线来改变色彩的饱和度和明度，这对我理解色彩的运用非常有帮助。这本书让我明白，摄影的魅力不仅仅在于捕捉瞬间，更在于如何用光线去“塑造”瞬间。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常独特，它没有使用那种一本正经的教科书式语言，而是充满了作者的个人思考和感悟，读起来非常像是在听一位经验丰富的导师在分享他的心路历程。我尤其欣赏作者对“光线的诗意”的描绘。他会用非常优美的语言去描述光线在自然界中的形态，例如，“夕阳的余晖如同金色的丝带缠绕在山峦之上”、“透过森林的斑驳光影，仿佛是天使的翅膀在舞动”。这些描述不仅仅是为了增加文学色彩，更是为了让我们从更深层次去理解光线的魅力。我曾尝试根据作者的描述，去捕捉那些具有诗意的光线场景，例如，在雨后初霁的清晨，利用阳光穿透云层的“丁达尔效应”，来拍摄出一张充满神圣感的风景照。此外，书中关于“光线的哲学”的探讨也让我受益匪浅。作者会将光线的运用与人生哲理相结合，例如，如何从光线的强弱变化中领悟人生的起伏，如何从光线的方向中找到前进的动力。这本书让我明白，摄影用光不仅仅是技术，更是一种对生活的热爱和对美的追求。它让我重新审视了自己与光线之间的关系，让我用一种全新的视角去观察和感受这个世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的亮点在于它能够打破不同摄影门类的界限，将用光的核心原理融会贯通。我是一名商业摄影师，经常需要拍摄产品，过去总觉得产品摄影的光线运用非常标准化，没有太多的创意空间。然而，这本书却让我看到了产品摄影中用光的无限可能。作者在书中分析了不同材质、不同形状的产品，需要运用怎样的光线来突出其特点，例如，如何利用“柔光箱”来表现光滑表面的反光，如何利用“硬光”来强调金属的质感，或者如何利用“侧光”来塑造食物的立体感和食欲。我印象最深的是关于“光线的质感”在产品摄影中的应用。作者通过大量实例，展示了如何利用穿透玻璃的光线、反射光线，甚至是投影，来为产品增添独特的视觉元素。我曾经尝试用书中的一些技巧来拍摄一款玻璃制品，利用多角度的反射光线，让玻璃的通透感和折射效果得到了完美的展现，客户对拍摄效果非常满意。此外，书中关于“阴影的运用”也让我大开眼界。我过去总是想着如何避免阴影，但作者却告诉我们，阴影同样是光线的一部分，是塑造画面空间感和立体感的利器。在拍摄一些需要营造神秘感的工业产品时，巧妙地利用阴影，反而能够增加产品的吸引力。这本书让我明白，用光是一门艺术，无论拍摄什么题材，都能够从中找到创新的空间。

评分☆☆☆☆☆

不得不承认，我曾经在摄影学习的道路上走了不少弯路，尤其是在光线运用方面，总是抓不住重点。直到我遇到了这本书，我才觉得找到了“北”。它不仅仅是一本技术性的教程，更像是一本关于摄影哲学的读物。作者在书中反复强调“观察”的重要性，告诫我们要学会用眼睛去“感受”光线，去理解它的温度、它的方向、它的强度，以及它在我们周围环境中产生的各种微妙变化。我最受启发的是关于“光线的性格”的讨论。作者将不同的光线拟人化，比如“温柔的散射光”、“热情奔放的直射光”、“神秘莫测的侧逆光”，并详细分析了它们各自适合拍摄的题材和能够营造的氛围。我曾经尝试根据书中的描述，去捕捉不同“性格”的光线，用我手中的镜头去“对话”，结果发现，我不再是被动地等待好光线，而是主动地去寻找和创造好光线。书中关于“光线的对比度”的分析也让我受益匪浅。它让我明白了，高对比度和低对比度光线所能带来的不同视觉效果，以及如何根据画面想要表达的情感来选择合适的光线对比度。我曾经尝试用高对比度的硬光来拍摄我喜欢的黑色礼服，结果发现，光线在礼服的褶皱处形成了强烈的明暗对比，让礼服的质感和立体感得到了极大的增强。这本书真的让我对光线的运用有了全新的认识，它不仅仅教会我技术，更教会我用“心”去感受光。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容深度和广度都让我感到惊讶，它不仅仅停留在基础的用光原理，更深入探讨了光线在不同摄影风格中的应用。我是一名喜欢拍摄运动题材的摄影师，过去在捕捉快速移动的物体时，总是觉得光线捕捉不够及时，画面容易模糊。这本书中关于“动态光线”的讲解，对我来说是革命性的。作者分析了如何利用高速快门和恰当的光线来“冻结”运动的瞬间，以及如何利用“轨迹光”来表现运动的速度感。例如，在拍摄夜晚赛车时，如何利用车灯的轨迹来勾勒出赛车的运动轨迹，从而增强画面的动感。我印象最深的是关于“光线的节奏”的描述。作者认为，好的摄影作品，光线也应该有自己的节奏，有疏有密，有起有伏，就像音乐一样，能够引导观众的视线，让他们在画面中“流动”。我曾尝试将这一概念运用到我拍摄的篮球比赛中，利用场馆灯光的明暗变化和球员身上投射的阴影，来构建画面的视觉节奏，让照片更具观赏性。这本书让我明白，用光不仅仅是技术的叠加，更是一种整体的构图和节奏的把握。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本书的价值远超其价格。我一直以来都对摄影的后期处理非常关注，总觉得前期拍摄的光线运用是后期优化的基础。这本书恰恰满足了我的这一需求，它让我明白，前期拍摄时的光线运用，能够极大地减少后期的工作量，并且能创造出后期难以达到的效果。书中对于“情绪照明”的探讨，更是让我耳目一新。它不仅仅是技术层面的布光，更是从心理学和美学的角度，去解析光线如何影响观者的情绪和感受。例如，在拍摄情绪低落的人物时，如何利用柔和的散射光和较暗的环境光来营造一种孤独感和思考的氛围。反之，在拍摄充满活力的场景时，如何利用明亮而有方向性的光线来突出动感和活力。我最喜欢的一章是关于“光线的质感”的分析。作者通过对比不同质感的光线（如穿透树叶的光斑、雾气中的光线、水面反射的光线等）如何影响画面的视觉效果，让我深刻体会到光线本身的“纹理”之美。我曾经尝试将书中的一些概念运用到我的夜景拍摄中，特别是关于如何利用点光源和线光源来塑造城市的夜景，取得了非常好的效果。这本书不仅仅是一本技术指南，更是一本关于如何用光“讲故事”的艺术手册，它让我重新审视了光线在摄影创作中的重要性。

评分☆☆☆☆☆

这是一本让我眼前一亮的摄影教材，它的出现，可以说彻底颠覆了我对摄影用光的固有认知。我一直以来都觉得，光线就像一个捉摸不定的精灵，时而慷慨，时而吝啬，很难真正地去驾驭它。但通过这本书，我仿佛获得了一把打开光线之门的钥匙。作者并没有枯燥地堆砌理论，而是通过大量的实际案例，生动地展示了不同光线环境下，摄影师是如何运用技巧去捕捉和塑造光影的。我印象最深的是关于“情绪光”的讲解，它不再是简单地描述光线的硬弱，而是深入到光线如何影响观者的情绪，如何通过微妙的光线变化来营造氛围，传递情感。书中的很多图片都配有详细的拍摄参数和布光示意图，这对于我这样的实践者来说，简直是无价之宝。我曾尝试模仿书中的一些案例，发现即使是相似的光线条件，因为对光线理解的深入，我捕捉到的画面也比以往要更具冲击力和感染力。例如，书中有一个关于人像侧光拍摄的章节，我以前总是觉得侧光会让脸部显得阴影过重，不够立体，但作者却通过调整反光板和二次光源的角度，巧妙地解决了这个问题，让人物的轮廓更加分明，眼神也更加深邃。这本书不仅仅是教你如何使用灯光，更是教你如何“看见”光，如何与光对话，从而创作出更具艺术性的作品。它让我明白了，摄影不仅仅是记录，更是一种表达，而光，就是我们表达的有力武器。

评分☆☆☆☆☆

这本书的强大之处在于它能够将抽象的光线原理，转化为读者可以理解和操作的具体技巧。我是一名喜欢拍摄建筑的摄影师，过去在处理大场景的光线时，总是感到力不从心，尤其是如何表现建筑物的立体感和细节。这本书中关于“空间光”的讲解，彻底改变了我的拍摄思路。作者详细地分析了如何利用不同方向和强度的光线来突出建筑的线条、材质和层次感，例如，如何利用斜射的阳光来强调建筑的阴影和轮廓，或者如何利用散射光来柔化硬朗的线条，增加建筑的亲和力。我记得书中有一个关于“光线的引导作用”的章节，作者通过实例展示了如何利用光线的走向来引导观众的视线，从而突出画面的主体。我曾尝试将这一技巧运用到我拍摄的城市夜景中，利用路灯和建筑物的灯光来构建画面的视觉流线，结果发现照片的整体观感大大提升。此外，书中关于“光线的体积感”的阐述也让我茅塞顿开。它让我明白，光线不仅仅是平面上的照射，更可以赋予物体以三维的立体感。例如，在拍摄雕塑时，如何利用追光和侧光来突出其纹理和雕塑的形态。这本书让我对光线的理解，不再局限于“亮”和“暗”，而是上升到了对光线“形态”和“力量”的认知。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开这本书的时候，我并没有抱太大的期望，毕竟关于摄影用光方面的书籍市面上已经有很多了。然而，它带来的惊喜却超出了我的想象。这本书的逻辑结构非常清晰，从最基础的光线原理讲起，循序渐进地深入到各种复杂的光线运用场景。作者的语言风格非常亲切，就像一位经验丰富的老师在娓娓道来，没有那些晦涩难懂的专业术语，即使是初学者也能轻松理解。最让我赞赏的是，书中对于“自然光”的运用有着独到的见解。我一直认为摄影就是与光线搏斗，但这本书让我意识到，很多时候，我们应该去顺应自然，去理解自然光的特性，然后巧妙地加以利用。比如，关于清晨和傍晚的“黄金时段”的光线，书中不仅仅描述了它的色彩特点，更重要的是分析了在这种光线下拍摄人像或风景时，如何通过光线的方向和角度来塑造主体，让画面更具温馨感和故事性。我曾经在黄昏时尝试拍摄户外人像，总觉得光线不够理想，人物面部容易出现暗影。看了这本书后，我尝试将相机稍微低一些，利用地面反射的光线去提亮人物的面部，效果立竿见影。此外，书中关于“硬光”和“软光”的对比分析也让我受益匪浅。以前我总是觉得硬光难以驾驭，容易产生刺眼的高光和死黑的阴影，但作者却通过一些创意性的布光方法，将硬光运用得恰到好处，营造出一种戏剧性的光影效果。这本书确实为我打开了新的视野，让我对光线的理解提升到了一个全新的高度。