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[英] 史蒂芬·卡瓦利耶，译者：陈功 编

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• 电影
• 纪录片

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出版社： 中央编译

ISBN：9787511714985

商品编码：1029549958

开本：16

出版时间：2012-09-01

基本信息

• 商品名称：世界动画史(精)
• 作者：(英)史蒂芬·卡瓦利耶|译者:陈功
• 定价：198
• 出版社：中央编译
• ISBN号：9787511714985

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2012-09-01
• 印刷时间：2012-09-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：精装
• 页数：416

编辑推荐语

史蒂芬·卡瓦利耶编著的《世界动画史》详细描述了世界动画的百年历史，将欧洲、北美、亚洲的重磅人物纷纷囊括其中，并辅以丰富的彩图和百科全书式的知识广度，引领读者踏上奇幻旅程，感受人类的无尽想象，领略动画世界的广阔无垠与无限创意。动画自诞生伊始便历经变革 ，同时也创造出了各种异彩纷呈的风格、极富创意的技术、家喻户晓的动画角色以及令人难忘的精彩故事。史蒂芬·卡瓦利耶以编年史的方式撰写了本书，其覆盖领域之广泛，涉及各种先驱人物、动画长片、电视剧集、数字影片、电子游戏、独立电影以及经由互联网发布的作品。本书以详尽的电影时间线和技术创新为主脉络，并配有必看影片及剧情梗概，以及动画人与动画公司的具体介绍，展现了动画的演变历程，从转描技术到改进后的赛璐璐技术，从胶片直绘动画到粘土动画……内容可谓覆盖全球。

作者简介

史蒂芬·卡瓦利耶，在动画业和游戏业有着近二十年的工作经验。他自编自导过多部获奖短片，参与过史蒂芬·斯皮尔伯格的动画制作团队，同时他还是迪士尼公司BBC的动画导演。卡瓦利耶居住在英国布莱顿，在自已经营的公司中担任动画师、编剧和导演。

目录

序（西维亚·乔迈）
引言
世界动画简史
1900年之前动画的起源
1900—1927：动画电影的实验时代
1928—1957：动画电影的黄金时代
1958—1985：电视时代
1986—2010：数字时代
动画资源库
术语表
奥斯卡获奖作品
动画书籍与网站
索引
图片来源
致谢

好的，这是一本名为《世界动画史（精）》的书籍的详细简介，内容涵盖了该书可能涉及的广泛领域，但不包括《世界动画史（精）》本身的内容。 --- 《光影的演进：全球电影艺术的百年探索》 一部跨越世纪的视觉叙事史诗 本书并非一部聚焦于动画媒介的专著，而是对全球电影艺术自诞生以来的百年发展脉络进行的一次宏大梳理与深入剖析。它致力于揭示电影如何从一项新奇的技术发明，逐步蜕变为影响全球文化、政治和社会思潮的强大艺术形式。我们将跟随光影的足迹，穿梭于各个历史时期、不同地理区域，探究电影语言的诞生、成熟与变迁。 第一部分：默片时代的诞生与实验（1895-1927） 黎明之光：电影的起源与早期探索 本卷以巴斯德兄弟的“活动影戏机”的问世为起点，详细考察了电影在十九世纪末二十世纪初的诞生背景。我们探讨了梅里爱（Georges Méliès）如何将魔术与叙事引入早期影像，创造出第一批“故事片”的雏形。 重点章节将聚焦于美国和欧洲的先驱者们如何构建电影的基本语法： 格里菲斯与叙事革命： 深入分析D.W.格里菲斯在蒙太奇、景别和镜头语言上的创新，如何确立了好莱坞叙事电影的基石，同时也反思其作品中潜在的社会偏见。 德国表现主义的阴影： 考察魏玛共和国时期，受表现主义绘画和建筑影响，电影如何运用强烈的明暗对比、扭曲的布景和非自然主义表演，来表达战后德国的心理创伤与焦虑。《卡里加里博士的小屋》、《诺斯费拉图》等经典作品的视觉风格将被细致解构。 苏联的蒙太奇学派： 阐述爱森斯坦、普多夫金等电影大师对“知性蒙太奇”的理论建构与实践，探讨电影如何被用作一种强有力的政治宣传工具，以及“吸引子的对比”原则如何重塑了观众的感知。 第二部分：有声时代的来临与类型片的定型（1927-1950） 声音的冲击与黄金时代的建立 随着《爵士乐歌者》的问世，电影进入了有声时代。这一转变不仅是技术上的革命，更是对现有电影制作体系的颠覆。本书将分析行业如何适应配音、对白和音乐的融入，以及由此带来的剧本创作范式的转移。 好莱坞制片厂制度的鼎盛： 全景式描绘米高梅、华纳兄弟等“八大”制片厂如何通过工业化的流水线生产，主导了全球的电影市场。我们将分析这一制度下类型片（西部片、歌舞片、黑色电影、恐怖片）的成熟与风格化。 黑色电影的兴起与反英雄： 深入剖析二战前后，美国社会普遍弥漫的不安感如何催生了黑色电影（Film Noir）。从弗里茨·朗到比利·怀德，我们考察了蛇蝎美人、侦探角色以及阴郁的城市景观如何成为现代性的象征。 战时宣传与国际交流： 考察各国政府如何在二战期间利用电影进行动员和信息传播，同时关注非好莱坞地区，如印度电影（宝莱坞前身）的早期发展轨迹和拉丁美洲电影的初步尝试。 第三部分：战后思潮与电影的革新浪潮（1950-1970） 突破边界：作者论与新浪潮的冲击 战后的社会动荡和对既有权威的反叛，催生了对电影艺术的深刻反思，催生了强调导演个人意志的“作者论”。 意大利新现实主义的回响： 探究战后意大利电影工作者如何走上街头，用非专业演员和自然光线，记录普通民众在废墟中的生存挣扎，重塑了电影对真实性的表达。《偷自行车的人》、《罗马，不设防的城市》的创作哲学将被详细讨论。 法国新浪潮的叛逆： 聚焦于《电影手册》的影评人（如特吕弗、戈达尔）如何从理论转向实践，挑战好莱坞的经典叙事模式。我们将分析其打破时间连续性、使用即兴表演和手持摄影等手法，如何彻底解放了电影的表达工具。 其他区域的觉醒： 考察瑞典（伯格曼对信仰与死亡的拷问）、日本（小津安二郎的家庭美学、黑泽明的史诗构建）以及捷克斯洛伐克（如米洛斯·福尔曼的讽刺作品）如何在各自的文化土壤中发展出具有强大内省力的电影语言。 第四部分：新好莱坞与全球商业化（1970-1990） 从反叛到整合：商业与艺术的再平衡 七十年代，一批受过欧洲艺术电影熏陶的年轻导演（如科波拉、斯皮尔伯格、马丁·斯科塞斯）接管了制片厂，开启了“新好莱坞”时代。 导演的胜利与体制的回归： 分析这一代导演如何将强烈的个人风格与好莱坞的巨额预算相结合，创造出《教父》、《出租车司机》等既叫好又叫座的作品。同时，也讨论了《大白鲨》、《星球大战》如何开启了“暑期大片”的商业模式，并对电影工业产生了深远影响。 第三电影的政治宣言： 深入研究拉丁美洲（如阿根廷、古巴）及非洲部分地区，电影工作者如何借用“第三电影”的旗帜，创作出明确表达反殖民、反帝国主义诉求的激进作品，探讨其与主流商业电影的张力。 香港电影的崛起与类型融合： 重点分析邵氏和嘉禾等公司在七八十年代如何将武侠、功夫片推向极致，并与社会现实、喜剧元素进行大胆融合，确立了其在全球动作片领域不可撼动的地位。 第五部分：数字时代的重构与未来展望（1990至今） 媒介的边界消融与全球观众 随着数字技术渗透入电影制作的每一个环节，电影艺术再次面临根本性的变革。 独立电影的复兴与多媒体叙事： 考察昆汀·塔伦蒂诺等导演如何借助独立电影的自由度，重新定义了非线性叙事和对话的力量。探讨互联网和家庭影院的普及，如何挑战了传统院线发行模式。 特效革命与虚拟现实： 分析计算机生成图像（CGI）如何彻底改变了科幻片、奇幻片的视觉上限，以及动作场面的构建方式。讨论沉浸式技术对传统“观看体验”的潜在颠覆。 流媒体与全球发行： 探讨Netflix、Amazon等平台对内容生产、艺术品味和文化多样性的影响。讨论当代电影艺术在全球化背景下，如何处理身份政治、文化挪用与跨国合拍的复杂议题。 结语： 本书的最后一部分将超越具体流派和地域，探讨电影作为一种综合艺术形式，其在塑造现代集体记忆、挑战社会规范、以及反映人类共同困境方面所扮演的永恒角色。它是一部关于光影幻术师们如何用最原始的工具——光、影与运动——来构建一个又一个令人信服的、有时是颠覆性的世界的历史记录。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到兴奋的一点是，它完全没有陷入对“迪士尼”或“宫崎骏”这种主流叙事的过度迷恋中，而是勇敢地将聚光灯投向了那些被主流历史遗忘的角落。例如，书中对拉丁美洲早期政治讽刺动画的研究，那些用极度夸张变形的人物来批判独裁统治的作品，其思想的锋利度和艺术的野性美，简直令人拍案叫绝。作者成功地建立起一条横跨全球的“反叛者”动画谱系，将那些为了理念和表达自由而坚持独立制作的艺术家们联系起来。阅读这些章节时，我深刻感受到动画这门媒介的巨大潜力——它不仅能制造美梦，更能成为刺破现实的利刃。这本厚厚的书，与其说是历史记录，不如说是一部全球独立动画精神的赞歌，它激励着每一个从事或喜爱视觉艺术的人，去追寻表达的深度和广度。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，初读时我有些被其庞大的信息量所震撼，但很快就被作者独特的叙事节奏所吸引。它不是那种平铺直叙、按照时间线索罗列事件的流水账，而更像是一部由无数个精彩“切片”构成的拼图。每一章仿佛都是一次深入的田野考察，聚焦于一个特定的地域或一个鲜为人知的流派。我尤其欣赏作者对“非主流”动画的关注，比如书中花了大量篇幅介绍中亚和东欧在冷战时期发展出的那些充满象征主义和政治隐喻的定格动画，这些内容在市面上常见的动画史书籍中是极其罕见的。那些作品背景的介绍，不仅普及了动画知识，更像是在无形中进行了一场世界政治史的速成课。这种将艺术史、社会学和历史背景深度交织的写法，使得即便是对某些国家文化不甚了解的读者，也能通过动画作品本身感受到那个时代的张力与脉搏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，远超出了它作为一本“史书”的定位。它更像是一份对“观看”行为本身的反思录。作者在探讨不同文化背景下的动画叙事方式时，提出了一个发人深省的观点：不同社会对“时间流逝”和“角色命运”的理解，是如何直接决定了他们动画的剪辑速度和角色运动的规律。比如，书中对比了日本早期动画中那种近乎禅意的、漫长而极简的场景留白，与美国黄金时代那种高速、密集的笑料堆砌，揭示了这背后深层次的文化差异和对“效率”的不同定义。读完这部分内容后，我再去看任何一部动画片，都会不自觉地进行更高维度的审视——它在试图向我传达什么样的世界观，它如何操纵我的情绪节奏。这种“被启蒙”的感觉，是阅读其他同类书籍时从未有过的体验。

评分☆☆☆☆☆

装帧上的精美程度与内容本身的学术严谨性形成了完美的统一。我注意到书中所配的插图，绝非仅仅是章节内容的简单插播，它们经过了精心的挑选和排版，很多图片占据了整整两页，甚至使用了特殊的哑光处理，以最大程度还原了早期赛璐珞原稿的质感。这对于任何一个视觉艺术爱好者来说都是一场视觉盛宴。更值得称赞的是注释体系的完备。对于那些晦涩难懂的术语、难以考证的早期制作人名字，作者都提供了详尽的脚注，这让我想进行深入研究时，总能找到可靠的下一步阅读指引。它没有丝毫的浮躁气，每一处细节都透露出作者数十年如一日的钻研与对知识准确性的执着追求，让人感觉作者是在向我们展示他全部的“知识宝库”，而非仅仅是精选的摘要。

评分☆☆☆☆☆

这部巨著的装帧本身就散发着一种历史的厚重感，封面采用的深色调和烫金字体，让人在翻阅之前就对它所承载的知识量有了初步的敬畏。当我真正沉浸其中时，才发现它远不止是一本关于“动画制作”的教科书，更像是一部跨越世纪的文化人类学报告。作者并没有将笔墨过多地集中在技术革新上，比如如何使用最新的CGI软件，或者某某帧率的细微差别，而是深入挖掘了动画作为一种艺术形式，是如何与特定时代的社会思潮、民族精神以及哲学观念相互渗透、相互塑造的。比如，书中对早期默片时代欧洲动画师如何利用光影和夸张形体来表达潜意识的探讨，那种细腻入微的分析，让我对“卡通”这个概念有了全新的理解——它不再是单纯的娱乐，而是对人类存在困境的一种高度凝练的视觉表达。书中大量引用的早期手稿和未公开的设计草图，更是让人感受到那个时代艺术家们那种近乎偏执的创造力，他们是在用最原始的工具，描绘着最前沿的想象。