钧瓷雅集(故宫博物院珍藏及出土钧窑瓷器荟萃)(精) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 紫禁城

ISBN：9787513404839

商品编码：1393051824

开本：16

出版时间：2013-10-01

基本信息

• 商品名称：钧瓷雅集(故宫博物院珍藏及出土钧窑瓷器荟萃)(精)
• 作者：故宫博物院
• 定价：360
• 出版社：紫禁城
• ISBN号：9787513404839

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2013-10-01
• 印刷时间：2013-10-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：精装
• 页数：359

编辑推荐语

钧窑是我国宋元时期北方地区的**瓷窑。因窑址在钧州境内（今河南禹州），故名，为宋代五大名窑之一，亦称“均窑”、“钧州窑”。钧窑创烧于唐代，兴盛于北宋，经历宋金至元代，以后历代都有仿造。故宫博物院编著的《钧瓷雅集(故宫博物院珍藏及出土钧窑瓷器荟萃)(精)》为配合故宫博物院相关展览出版的展览图录，收录故宫博物院及不同文博机构所藏传世和出土钧窑瓷器130余件，全面介绍钧窑发展历史，展示钧窑瓷器精品。

目录

序耿宝昌
图版目录
图版
民钧——器皿类钧瓷
官钧——陈设类钧瓷
仿钧——钧瓷仿制品
专论
试论钧窑的几个问题吕成龙
清代“唐窑”与雍正官窑刍议定——兼谈“唐窑”的成就及雍正朝仿钧釉瓷器
后记

锦绣中华：中国古代青铜器艺术鉴赏与研究 本书简介 本书以宏大的视角和严谨的学术态度，系统梳理了中国青铜器自夏商周至秦汉这一漫长历史阶段的发展脉络、技术演变、纹饰内涵及其在古代社会政治、宗教、礼仪活动中的核心地位。旨在为广大文物爱好者、历史研究者以及艺术设计专业人士提供一部全面、深入且具有高度鉴赏价值的青铜器研究专著。 第一部分：文明的序章——夏商时期的青铜铸造与礼器制度的奠基 第一章：红山玉器背景下的技术萌芽与二里头文化探索 本书首先追溯至中国文明的源头，探讨在红山文化、良渚文化等新石器时代晚期社会中，已展现出的金属冶炼的初步迹象。随后，重点聚焦于二里头文化，分析其早期铜器如刀、戈、爵的出现，标志着中国青铜时代的正式开启。这一阶段的器物体量较小，多为实用工具或伴随性礼器，但其铸造技术已显露出成熟的范式基础。 第二章：商代早期：狞厉之美的初现与“狞祭”的社会背景 商代早期是青铜器发展史上一个关键的转折点。本书详细描绘了这一时期青铜器在体量、复杂性和神秘感上的飞跃。 技术革新： 深入分析复合范铸法在商代早期炉火纯青的应用，尤其是在铸造大型鼎、鬲等炊煮器皿上的突破。对鼎、斝、爵等核心礼器的形制演变进行了细致的描摹。 宗教与政治的交织： 探讨商代社会“重鬼神”、“崇祖先”的信仰体系如何直接驱动了青铜礼器的生产。这些器物不仅仅是容器，更是沟通天地人神的媒介，是王权合法性的物理载体。 纹饰的象征意义： 详细解析早期饕餮纹（兽面纹）的构成要素及其所蕴含的原始神性与威慑力。对比圈足、方体器物上的几何纹与乳钉纹，揭示其在视觉构图上的早期尝试。 第三章：商代晚期：鼎盛的威严与铭文的兴起 商代晚期，以殷墟为中心的青铜铸造业达到了前所未有的高峰。本书将此阶段视为商代礼制的成熟期。 器型谱系的完备： 系统梳理以司母戊鼎（后母戊鼎）为代表的超大型器物，分析其对铸造能力和组织能力的极致考验。同时，对盛酒器（如觚、斝）和食器（如鼎、簋）的组合规律进行阐释。 铭文的史学价值： 重点研究商代中晚期铭文的字体风格和内容。这些铭文不再是简单的符号，而是记录了祭祀、战争、册命等重要事件的原始文献，是研究商代政治史和社会制度的第一手资料。深入辨析“子”、“父”、“王”等核心称谓的含义。 装饰艺术的极致： 详述商代晚期流行的“失蜡法”（局部应用）的痕迹，以及高浮雕、多层装饰的复杂工艺。对云雷纹、夔龙纹的精细化处理及其在器物表面的空间布局进行专业鉴赏。 第二部分：礼序的规范——西周的制度化与青铜艺术的转型 第四章：西周初年：从殷商遗风到周礼的初步确立 周人取代商朝后，对青铜器进行了体系性的改造。本书分析了西周初期（武王、成王、康王时期）青铜器在继承商代威严感的同时，如何开始向“中和之美”过渡。 礼器制度的重构： 详细阐释周公“制礼作乐”对青铜礼器组合、数量、形制规格的严格限定，即“列鼎制度”的建立，及其在不同等级贵族间的严格区分。 纹饰的简化与人文化： 研究兽面纹在西周初年如何逐渐“面目模糊”，并过渡为以粗犷的卷体结构为主的“重环纹”或“窃曲纹”的早期形态。 第五章：西周中晚期：铭文的黄金时代与“雅化”的审美取向 西周中晚期，尤其是厉王、宣王时期，是周代青铜铭文的鼎盛期，也是青铜艺术审美风格发生根本性转变的时期。 长篇铭文的史诗性： 深入解读如《毛公鼎》、《大盂鼎》等重量级器物的铭文，分析其核心思想，如对“德行”、“敬天保民”的强调，以及对奴隶、庶民的治理方略。探讨铭文内容如何反映了周王室权力结构的变动和分封制度的巩固。 纹饰的“平面化”与“程式化”： 阐释周人对“狞厉”的审美排斥，导致动物纹样被简化、拉长，趋于几何化和带状化。重点分析窃曲纹、波曲纹、垂鳞纹等成为主流装饰母题的过程，以及这种变化背后所反映的社会心理趋向——从神秘的沟通转向世俗的秩序。 第六章：西周晚期至春秋早期：器型与装饰的创新性探索 随着宗法制度的松动和诸侯国势力的崛起，青铜器的形制和装饰开始出现个性化和区域性的尝试。 器型创新： 分析如“鉴”、“镈”等新器种的出现，以及现有器型如鼎、钟在体量和功能上的变化，如出现了更多专门用于宴乐的乐器组合。 “活化”的纹饰： 探讨蟠螭纹、蟠蛇纹在春秋早期的流行，这些纹饰开始展现出更强的动感和扭曲的生命力，为后来的春秋战国风格埋下了伏笔。 第三部分：诸侯争鸣——春秋战国的地域风格与技术巅峰 第七章：春秋时期：礼崩乐坏下的地域流派 春秋时期，周王室权威衰落，诸侯争霸，青铜铸造业呈现出前所未有的多元化和地域性特征。 晋楚吴越的风格分野： 分别探讨晋系、楚系、吴越系青铜器在纹饰主题、铭文书写和器物胎体厚度上的显著差异。例如，楚系青铜器常带有浓郁的南方神秘主义色彩和繁缛的动物缠绕图案。 金文的书法研究： 详细分析春秋时期金文（特别是晋系铭文）在字体上开始向“大篆”过渡的特征，其笔画的丰腴和结构的变化，为后世书法艺术提供了宝贵的早期范本。 第八章：战国时期：实用化、艺术化与复合技术的运用 战国时期是青铜艺术的最后辉煌，技术的进步和对世俗生活的关注，使得青铜器呈现出前所未有的世俗化和工艺精湛化。 宴乐与生活场景的描绘： 重点研究战国“宴乐渔猎攻战纹”铜器组（如中山王墓出土器物），分析其如何将写实的日常生活场景直接铸刻于器物之上，反映了贵族生活方式的巨大变迁。 失蜡法的成熟应用： 深入剖析失蜡法在战国时期被广泛应用于复杂浮雕、透雕和镶嵌工艺中。通过对透光镜、错金银、嵌红铜工艺的案例分析，揭示其在追求极致装饰效果上的技术突破。 合金配方的优化： 探讨战国时期铜器中铅、锡含量配比的变化，以及这种变化如何影响了器物的铸造难度、光泽和铭文制作的精细度。 第四部分：历史的终章与文化传承 第九章：秦汉的变革与青铜时代的落幕 秦汉统一后，随着铁制工具和漆器、陶器的普及，青铜器逐渐退居次要地位。 制度的延续与衰退： 分析秦汉时期青铜器在礼制上的继承，但数量和重要性急剧下降。重点研究汉代“五畤”祭祀中少量大型青铜器皿的形制。 实用器与装饰品的转型： 研究汉代铜镜、匈奴式带扣、以及铜灯等实用和装饰性青铜器在技术和风格上的特点，它们标志着青铜铸造的主流已经转向了民间工艺和日常陈设。 结论：青铜器留给后世的文化遗产 本书最后总结了中国古代青铜器作为“国之重器”的独特地位，它们不仅是金属冶铸史上的奇迹，更是解读先秦社会结构、信仰体系、审美变迁和文字演化最直接的物证。青铜器的兴衰，清晰地勾勒出中国古代政治文明的演进轨迹。 附录 主要出土遗址与重要墓葬清单 青铜器年代学与分期表 重要铭文选释及图版索引 本书配有大量高清的器物测绘图、纹饰拓片和考古现场照片，确保为读者提供多维度、立体化的鉴赏体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身就是一件艺术品，散发着浓厚的东方古典韵味。封面选用的那块钧瓷纹样，色彩沉郁而富有张力，封底的布局则采用了留白和对称的经典手法，整体视觉效果既大气磅礴又不失内敛的雅致。装订工艺采用了精装，确保了书籍的耐用性，便于反复翻阅。我特别欣赏内页中字体选择的考究，宋体的端正与印刷的清晰度完美结合，阅读体验极为舒适，长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。这种对细节的极致追求，让我深刻体会到出版方对待文化遗产的敬畏之心。它不仅仅是一本用来记录瓷器的工具书，更是一件值得收藏的艺术品本身，无论是放在书房的红木书架上，还是作为馈赠给同样热爱传统文化的友人，都显得体面且有品味。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的编撰视角相当独特，它巧妙地将“馆藏精品”与“考古发现”并置，形成了一种对话。故宫博物院的藏品代表了宋元时期宫廷用瓷的最高水准和官方审美取向，其器型规整、釉色纯正，是典范之作。而那些经过科学发掘、带着泥土气息的出土器物，则为我们揭示了钧窑在民间和更广阔地域的流传与使用情况，它们的存世状态和部分残片更能反映当时的实际生产面貌。这种“官方标准”与“考古实证”的结合，极大地丰富了我们对钧窑体系的认知，消除了许多以往仅仅依赖传世品可能产生的片面印象。我惊喜地发现，某些出土器物在造型的拙朴感上，反而更接近原始的审美趣味，与宫廷的精修细琢形成了有趣的互文关系，这方面的比较研究，是市场上其他相关书籍很少能做到的深度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量真是没得说，捧在手里就有一种厚重感和历史的沉淀。纸张的质感细腻光滑，彩图的印制更是栩栩如生，色彩还原度极高，仿佛能触摸到瓷器釉面那种温润的光泽和变化莫测的“入窑一色，出窑万彩”的独特魅力。尤其是那些细节放大图，将钧窑那标志性的蓝色、紫色、红色在釉层中的自然流淌和交融，展现得淋漓尽致。从艺术审美上来说，这是一次视觉上的盛宴。作为一名长期的陶瓷爱好者，我经常会去博物馆欣赏实物，但能将这么多珍品如此精美地汇集在一册中，并且配以如此高标准的摄影和制版技术，实属难得。对于那些无法经常前往故宫或深度考察出土文物的同好而言，这本书无疑是最好的“移动展厅”。每一次翻阅，都能发现新的光影和釉色变化，这远比在电子屏幕上浏览要来得真切和震撼，充分体现了出版方对中华国粹的尊重与投入。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术价值和资料的翔实程度，超出了我原本的期待。它不仅仅是一本简单的图录，更像是一部严谨的、具有重要参考意义的专题研究文献。从器型、纹饰到釉色分类，编排得井井有条，逻辑清晰。最让我欣赏的是，它并没有仅仅停留在对“美”的罗列上，而是深入挖掘了每一件器物背后的时代背景、烧制工艺的探讨，甚至对比了不同窑址出土器物的细微差异。这种对比和考证工作，对于梳理钧窑的发展脉络至关重要。我特别关注了那些关于“窑变”机理的论述部分，虽然陶瓷烧制涉及复杂的化学反应，但书中用相对易懂的语言，结合实物案例，解释了铜红釉的呈色机制，这对于理工科背景的爱好者来说，简直是福音。它提供了一个扎实的平台，让我们可以从材料科学的角度去理解这份历史的馈赠。

评分☆☆☆☆☆

作为一名古董收藏圈的外行人，我对这类专业书籍往往望而却步，总担心晦涩难懂。然而，这本《钧瓷雅集》在内容组织上，做到了很好的平衡——它既能满足专业人士的严苛要求，也能让初学者顺利入门。图录的排版非常人性化，关键信息如尺寸、年代、款识（如果有的话）都标注得清晰明了，没有让读者在繁杂的图片中迷失方向。更重要的是，它的叙述语言虽然严谨，但没有过多使用令人费解的行话，即便是对钧瓷的“芝麻钉”、“蟹爪纹”等术语，也能通过配图或简短的注释得以解释。这种“雅俗共赏”的编辑思路，使得原本高冷的宋代五大名窑之一，变得触手可及，极大地激发了我进一步学习和了解传统美学的热情，它成功地拓宽了受众的范围。