厦门大学戏剧影视丛书·导演者：从梅宁根到巴尔巴（增订本） [Directors：From Meiningen to Barba] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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陈世雄 著

图书标签:

• 戏剧
• 导演
• 戏剧史
• 表演研究
• 梅宁根
• 巴尔巴
• 戏剧理论
• 舞台艺术
• 戏剧导演
• 戏剧文化

出版社： 厦门大学出版社

ISBN：9787561526118

版次：2

商品编码：11242846

包装：平装

丛书名： 厦门大学戏剧影视丛书

外文名称：Directors：From Meiningen to Barba

开本：16开

出版时间：2013-04-01

用纸：胶版纸

页数：625

字数：615000

正文语种：

内容简介

　　《厦门大学戏剧影视丛书·导演者：从梅宁根到巴尔巴（增订本）》主要内容包括：导演的崛起与嬗变、19世纪末至-战结束西欧和美国的导演艺术、导演与戏剧流派、梅宁根公爵与导演中心制的建立、皮斯卡托与德国的政治戏剧、阿庇亚——现代舞台的“灯光之父”等。

作者简介

　　陈世雄，厦门大学教授，博士生导师。曾赴苏联列宁格勒大学、莫斯科文化大学、俄罗斯人民友谊大学等校进修、讲学，获国家人事部、教育部授予的“有突出贡献的回国留学人员”称号。研究领域为戏剧理论、欧美戏剧史、闽台戏剧。已出版专著《现代西方剧作戏剧性研究》、《苏联当代戏剧研究》、《现代欧美戏剧史》（1994年一卷本与2010年三卷本）、《戏剧思维》、《三角对话一斯坦尼斯拉夫斯基、布莱希特与中国戏剧》、《导演者：从梅宁根到巴尔巴》，论文集《闽台戏剧与当代》和译著《逃亡》等，另有随笔集《莫斯科郊外的回想》，与周宁合著《20世纪西方戏剧思潮》。发表论文、评论一百五十余篇。代表作《戏剧思维》获首届国家社会科学优秀成果奖，另有多种论著获省、部级社会科学优秀成果奖、中国戏剧奖和全国性学会奖：主要社会兼职有中国田汉研究会副会长、中国戏剧文学学会顾问、中国戏剧家协会导演艺术委员会委员、《中华戏曲》编委、《福建艺术》编委等。

内页插图

目录

绪论 导演的崛起与嬗变
一、导演的世纪
二、导演艺术简论
三、导演与演员
四、导演与剧作
五、导演与观众
六、对导演中心主义的挑战

上编 19世纪未至一战结束西欧和美国的导演艺术
第一章 导演与戏剧流派
第一节 自然主义导演艺术
一、自然主义的本质特征
二、自然主义的导演艺术
第二节 象征主义导演艺术
一、象征主义戏剧的特征
二、象征主义导演群体
第三节 表现主义导演艺术
一、表现主义戏剧的特征
二、表现主义导演艺术
第二章 梅宁根公爵与导演中心制的建立
第一节 梅宁根剧团的非凡历程
第二节 格奥尔格公爵二世和克隆涅克的导演艺术
第三节 梅宁根剧团的深刻影响
第三章 莱因哈特——永无止境的探索者
第一节 莱因哈特的早期创作
第二节 莱因哈特第二阶段的创作
第三节 莱因哈特第三阶段的创作
第四节 莱因哈特的创作个性
第四章 皮斯卡托与德国的政治戏剧
第一节 表现主义与革命戏剧
一、戏剧的政治化和菜因哈特的落伍
二、表现主义的崛起
第二节 皮斯卡托的早期探索
第三节 政治的、叙事体的、文献纪实性的戏剧
第四节 皮斯卡托的退却
第五节 最后的探索
第五章 阿庇亚——现代舞台的“灯光之父”
第一节 阿庇亚的生平与创作
第二节 阿庇亚的舞台艺术观
第六章 戈登·克雷：条屏技术与“超级傀儡”论
第一节 戈登·克雷的生平与创作
第二节 戈登·克雷的戏剧理论
……

中编 19世纪未以来的俄罗斯导演艺术
下编 战后西欧、美国和巴西的导演艺术
附录 重要词语中外文对照与索引

精彩书摘

　　1909年，莱因哈特导演了《哈姆雷特》。这似乎是一次冒险。他把舞台后部的地板放低，以创造一个不确定的空间，莎士比亚悲剧中的人物就是从这个地方，在烟雾中出现的。整个演出充满了神秘的、惊心动魄的气氛；那些见不得人的犯罪勾当就是在可怕的烟雾中进行的。莱因哈特选择的第一个演员对哈姆雷特的解读和歌德当年的解读比较接近：哈姆雷特是一个懦弱的青年，所以，复仇对他来说是一项过于沉重的使命。他的愤怒使他谴责和揭露恶习，却不足以消灭邪恶。演出强调了这位丹麦王子的无力、无助和心灵的脆弱。
　　早在上演《哈姆雷特》之前，莱因哈特就开始进行舞台装置的改革。在《冬天的童话》中就尝试过使用呢绒。在《哈姆雷特》中，他再次使用呢绒，模仿伊丽莎白时代的舞台，制作了最简单的布景。
　　莱因哈特所选择的第二个扮演者在塑造哈姆雷特形象时表现不俗。他把哈姆雷特塑造成具有情感爆发力的、孤独的愤世嫉俗者，一个时刻都在进行着紧张的思索的人。这种紧张的思索在他对宫中众臣的冷嘲热讽中流露出来，在他来到奥菲利娅墓前时愤怒的言词中爆发出来。另一方面，哈姆雷特在和艺人们打交道时是和善的、温柔的。全剧的结尾是一个盛大的群众场面。被刺死的哈姆雷特躺在托板上，朋友们围绕着他，在雄壮的军乐声中将他高高地举起。莱因哈特创造的这个结尾成为经典性的结尾，后来经常被人们模仿。这另一个哈姆雷特的形象是一个有行动能力、同时又孤独的人，体现了黑格尔关于莎士比亚戏剧的主人公伟大而孤独的论述。对哈姆雷特有了新的解读：一个人再有才能，也难以单独完成历史的使命。
　　《哈姆雷特》成了莱因哈特的杰作。
　　同在1909年，莱因哈特排演了席勒的《唐·卡洛斯》和《强盗》。1910年，他排演了根据《-千零一夜》改编的一部哑剧，表现出更高的进行戏剧实验的热情。他打破“第四堵墙”，首次在欧洲戏剧史上运用了日本的“花道”手法。演员们沿着花道穿过观众厅走向舞台，而在走下舞台时，再原路返回。形体的表演和舞蹈、布景、音乐的因素结合在一起，色彩的运用也体现了东方的艺术。当莱因哈特带着这一出戏到伦敦和巴黎巡回演出时，人们称赞它简直是“魔术”。然而，评论界有不同看法。
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前言/序言

　　随着厦门大学戏剧戏曲学博士点的成立和教育部行动计划项目的下达，出版厦门大学戏剧影视丛书不仅有了必要，而且条件日臻成熟。
　　这套丛书包括我校教师研究戏剧和影视的学术著作，有书即出，不因为追求“体系”而作茧自缚，目的是检阅科研成果，促进学术交流和学科建设。
　　有一个问题困扰着我们，这就是：综合性大学如何办好戏剧戏曲学专业博士点？在这方面，大陆高校中只有南京大学能为我们提供历史经验。然而，厦门大学的情况和南京大学有所不同。我们没有陈白尘先生那样在国内外享有盛誉的大剧作家，也没有董健先生那样德高望重的前辈学者。我们相对年轻一些，戏剧戏曲学硕士点创办才三年，就升格为博士点，经验不足，底蕴不足，力量单薄。
　　然而，我们有信心。我们的指导思想是扬长避短，办出特色。
　　首先，综合性大学有多学科交叉、互补的优势。以厦门大学而言，我们仅在人文学院内部就有中文、历史、哲学、新闻传播、社会学、人类学等相关学科；在学院以外还有台湾研究、东南亚研究两个国家级研究基地和美术、音乐硕士点。就连信息科学也可以和戏剧戏曲学实现学科上的交叉、互补。因此，我们完全可以在戏剧的多学科综合研究上下功夫，拿出成果。例如：我们已经完成或即将完成的戏剧思维研究、戏剧与宗教关系研究、戏剧人类学研究、戏剧意识形态研究、数码戏剧研究等课题，都带有多学科交叉研究的性质。而对于专业的戏剧院校来说，这是比较不容易做到的。

镜头的雕塑家：一位导演的史诗与蜕变 本书以宏大叙事和精微个案分析相结合的笔触，深入剖析了二十世纪以来世界戏剧舞台上，那些最具开创性、影响力深远的导演艺术的嬗变轨迹。我们聚焦于那些不仅是文本诠释者，更是舞台空间、演员心灵乃至观众感知重塑者的巨匠。这不是一部单纯的导演流派史，而是一部关于权力、远见与创造性暴力的艺术史。 全书结构以时间线索和思潮碰撞为主轴，分为四个主要部分，力求勾勒出从古典主义的严谨秩序向现代主义的解构颠覆，再迈向后戏剧剧场多元实践的完整链条。 第一部分：旧世界的坍塌与新秩序的萌芽（1880s – 1920s） 本部分将目光投向二十世纪戏剧的“哥白尼式革命”时期。在传统大剧院的浮华与社会剧目的平庸背景下，一股强劲的革新力量正在酝酿。我们将详细探讨由康斯坦丁·斯坦尼斯拉夫斯基（Konstantin Stanislavski）在莫斯科艺术剧院所建立的“生活真实”体系——这不仅是对表演技巧的革新，更是对演员主体性重塑的哲学尝试。我们不回避分析其体系在后来的演变中，如何被过分强调技术和心理还原的倾向所局限。 同时，我们将对照性地考察阿道夫·阿皮亚（Adolphe Appia）和爱德华·戈登·克莱格（Edward Gordon Craig）的“美学革命”。他们是真正的舞台空间哲学家。克莱格对“至上艺术”（Über-marionette）的执念，对布景作为独立意义载体的强调，以及他对机械时代美学的深刻洞察，如何挑战了“剧本至上”的传统。我们细致分析克莱格如何运用光线、形态和几何结构来创造“精神上的真实”，而非感官上的模仿。他们的理论，虽然在当时往往停留在纸面上，却为后世所有追求舞台形式解放的导演提供了思想蓝图。 第二部分：激进的重塑与意识形态的角力（1920s – 1950s） 两次世界大战不仅重塑了政治版图，也彻底颠覆了艺术的信仰。第二部分聚焦于那些试图用戏剧改造社会、用舞台介入政治的“行动派”导演。 欧仁·尤涅斯科（Eugen Ionesco）和塞缪尔·贝克特（Samuel Beckett）的出现，标志着“荒诞派”的崛起。本章将深入分析他们如何通过对语言的消解、情节的循环以及人物的异化，来表达战后西方社会中存在的深刻的形而上学的焦虑与虚无感。尤其关注彼得·布鲁克（Peter Brook）早期在英国的探索，以及他如何受到印度哲学的启示，开始思考戏剧的“本质”与“空间”之间的关系。 更具革命性的是伯特·布莱希特（Bertolt Brecht）的“史诗剧”理论。本部分将用大量篇幅梳理“间离效果”（Verfremdungseffekt）的实践细节，探讨他如何利用舞台提示、旁白和非心理化的表演方式，强迫观众保持批判性距离，从而将剧场转化为一个思想辩论的场所。本书力求澄清，布莱希特的“政治性”并非简单的口号灌输，而是一种深刻的认识论挑战。 第三部分：后现代的解构与剧场的解放（1960s – 1980s） 随着社会对权威和单一真理的反思加深，戏剧迎来了最富实验性和多元化的“解放”时期。本部分是全书的核心之一，探讨导演如何从“文本的奴隶”转变为“意义的制造者”。 我们将详细剖析彼得·劳伦斯（Peter Stein）对大型史诗制作的掌控力，以及他如何利用现代技术手段，在沙恩比恩剧院（Schaubühne）实现了对文本的“再语境化”。 随后，焦点将集中在对当代舞台美学产生决定性影响的两位巨人身上： 1. 耶日·格洛托夫斯基（Jerzy Grotowski）的“贫乏剧场”（Poor Theatre）。本书将深入分析他如何剥离所有外在的装饰——布景、服装、化妆——将剧场回归到演员与观众之间最原始、最赤裸的“相遇”行为上。我们不仅仅是描述他的技巧，更探究其背后深刻的人文主义哲学关怀：对人类潜能的挖掘与信仰。 2. 罗伯特·威尔逊（Robert Wilson）的“视觉诗学”。威尔逊是当之无愧的舞台空间建筑师。本书将分析他如何运用慢动作、极端灯光设计和超现实的符号系统，创造出一种独立于线性叙事、完全依赖于审美体验的戏剧语言。他的作品要求观众放弃对“意义”的追逐，转而沉浸于“瞬间的纯粹感知”。 第四部分：剧场的跨文化与身体的边界（1980s – 2000s 至今） 最后一部分考察全球化背景下，导演艺术如何处理文化身份、身体政治与科技介入。我们关注那些打破地域和流派界限的实践者。 本章将审视彼得·布鲁克在后期的作品，尤其是他对非洲和印度戏剧的吸收与转化，分析他如何试图在全球文化资源中寻找戏剧的“共同语言”。同时，我们将探讨哈罗德·品特（Harold Pinter）对悬念、沉默和语言下潜流的精妙处理，以及这些手法如何被当代导演用以揭示权力结构中的不确定性。 本书的收尾将探讨数字时代对现场艺术的冲击，分析新一代导演如何利用多媒体投影、互动装置等手段，在保持现场能量的同时，拓展舞台叙事的维度。 总而言之，本书意在提供一个多维度的、批判性的视角，审视导演艺术如何从文本的仆人，成长为剧场乃至时代精神的领航者。它是一部献给那些不满足于“重现”而执着于“创造”的舞台实践者的致敬之作。读者将通过本书，理解每一场成功的演出背后，都蕴含着一位导演对世界深刻的观察、不懈的坚持以及对观众心智的勇敢挑战。

评分☆☆☆☆☆

作为一个长期关注戏剧理论研究的爱好者，我一直试图构建一个清晰的导演艺术演变时间轴，尤其想深入了解那些被誉为“巨匠”的先驱们，他们是如何在历史的夹缝中找到新的表达可能。这本书的标题无疑抓住了我的注意力，它暗示着一条从古典严谨到当代先锋的清晰路径。我原本期望能读到对特定导演作品的深度文本分析，比如他们如何处理空间、光线以及演员调度这些核心要素，以及这些处理方式背后所蕴含的哲学思考。然而，实际阅读体验中，我发现书中对这些技术层面的剖析略显浮光掠影，更多的是对历史事件和人物生平的记述，这使得对于那些渴望深入“如何做戏”的读者来说，可能缺乏一些实操性的洞察。它更像是一份精美的文献汇编，而非一本深入的技法指南，这一点让我略感遗憾，因为那些历史的细节，很多在其他地方也能找到。

评分☆☆☆☆☆

这本书的翻译质量和排版细节处理得相当用心，这一点值得称赞。对于这种涉及专业术语和特定历史语境的艺术书籍来说，准确的翻译至关重要。我特别留意了书中对一些专业德语或法语戏剧术语的处理方式，希望能从中感受到译者深厚的功力。我期待它能为我提供一个跨越文化背景的比较研究框架，探讨在不同的社会环境下，艺术家的创造冲动是如何被激发和引导的。我希望看到的不仅仅是简单的事件罗列，而是对那些充满争议和突破性创新的瞬间进行深入的心理侧写。然而，在某些段落，我发现叙述的节奏变化很大，有时拖沓冗长，有时又过于简略，这种不一致性打断了我的阅读沉浸感，使得原本可以更具感染力的历史瞬间，显得有些平淡，缺乏那种扑面而来的震撼感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在太引人注目了，那种厚重的质感和精美的封面插图，一看就知道是下了大功夫的。我抱着极大的期待翻开它，希望能在其中找到关于舞台艺术发展脉络的深度剖析，尤其是在导演理念不断革新，从传统到现代的过渡期，那些关键人物的闪光点。我希望能看到对不同时期戏剧流派之间如何相互影响、彼此渗透的细致梳理，比如欧洲早期舞台革新者们如何挑战既有的审美范式，他们的创作实践究竟在哪些方面具有划时代的意义。读完后，我感觉在图像呈现和整体的视觉体验上，它无疑是达到了一个很高的水准，让人爱不释手。可惜的是，我期待中那种对导演手法的系统性归纳和比较分析，似乎并没有得到足够的展开，更多的是一种散点式的介绍，使得整体的逻辑推进感略显松散，未能形成一个强有力的理论框架来支撑起厚重的历史背景。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个偶然的机会接触到这本书的，当时我正在研究现代戏剧的起源问题，对那些打破第四面墙、重塑观众体验的先驱们充满了好奇。这本书的篇幅和它所涵盖的历史时期，预示着它应该能提供一个宏大的视角。我最感兴趣的部分是如何论述“导演中心制”的确立过程，以及在新兴技术（如布景与灯光）介入后，导演是如何将自己从传统“剧作者解释者”的角色中解放出来的。我希望书中能有足够的篇幅来讨论这种权力转移背后的社会文化动因，以及不同地域的戏剧传统是如何在这些变革中被重塑的。但阅读过程中，我常常感到信息量的饱和度不够，很多关键的转折点描述得过于匆忙，仿佛是为了赶时间完成一个时间跨度很大的叙事，导致我对一些关键的艺术思潮的来龙去脉理解得不够透彻，总像是隔着一层纱在看。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对舞台空间哲学有浓厚兴趣的旁观者，我最初被这本书的广阔视野所吸引——它试图连接剧场历史的两端。我更关注的是导演艺术中“在场性”的变迁，即在不同的美学体系下，舞台对观众的“控制力”是如何演变的，以及这种控制力的消减或增强，如何反映了时代精神的更迭。我希望能看到一些关于如何“阅读”导演意图的入门级导引，帮助非专业人士更好地进入复杂的戏剧语境。遗憾的是，这本书更像是为已经具备一定背景知识的读者准备的，对于初涉此领域的人来说，缺乏足够的背景铺垫和概念澄清，很多理论性的跳跃显得有些突兀。它似乎假设读者已经完全理解了某些流派的核心概念，使得某些关键的论证点显得不够扎实，整体上更偏向于历史的记录，而非富有洞察力的理论构建。