具体描述
编辑推荐
画稿适合学生起步学习或高考考生应试。内容简介
第一部分为作画前需了解的一些色彩基础知识，包括色彩属性、色彩关系、色彩对比、构图常识、小色稿的介绍；第二部分为色彩专业分析，包括色调的构建、画面色调分析、局部物体分析等；第三部分为不同静物的作画示范；第四部分为画面剖析；第五部分为临摹与范画欣赏。作者简介
张勇：资深美术图书策划组稿人，景创文化创始人。对美术图书具有敏锐的市场观察力。长期从事美术高考教学工作，对美术考学动向比较了解。内页插图
前言/序言
用户评价
对于一个将绘画视为舒缓压力、陶冶情操的业余爱好者来说，我一直追求的是画面中的“写意”和“意境”。然而，《起步教程：色彩静物（提高篇）》这本书，在“写实”的基础上，赋予了色彩更深层次的内涵。书中关于“色彩的氛围营造”的讲解，让我受益匪浅。它不仅仅是关于颜色本身的运用，更是关于如何通过色彩的搭配来营造一种特定的情绪和氛围。比如，如何利用柔和的色彩和微妙的明暗变化来营造宁静祥和的画面，或者如何通过大胆的色彩对比和鲜明的笔触来表达画面的活力和激情。这一点让我对色彩的理解，从“形似”上升到了“神似”。书中还深入探讨了“色彩的笔触感”和“色彩的表现力”。它教导我如何通过不同的笔法和用色方式，来表现物体表面的质感，以及如何让笔触本身也成为画面的表现元素。这让我意识到，我之前的绘画，可能过于“光滑”，缺乏了艺术家手的温度和情感的传递。这本书让我看到了，即使是写实的静物，也可以通过色彩的运用，赋予其独特的个性和艺术感染力。
评分我一直认为，画出逼真的静物，最关键的在于“形”的准确，而对于色彩，只要调出相近的颜色就好了。然而，《起步教程：色彩静物（提高篇）》彻底颠覆了我的认知。这本书让我明白了，色彩不仅仅是颜料的混合，更是一种观察和理解世界的方式。书中对“光与色的关系”的讲解，是我之前从未深入思考过的。它详细分析了不同光源（自然光、人造光）对物体色彩的影响，以及不同角度的光线如何塑造物体的体积和纹理。例如，书中展示了如何通过捕捉物体受光面和背光面的色彩差异，以及阴影部分如何受到环境色的影响，来让画面中的物体“站”起来。这对我以往过于依赖“素描关系”来塑造体积的做法，是一种极大的补充和提升。此外，书中还对“色彩的对比”进行了深入的探讨，不仅仅是冷暖对比，还包括了明度对比、饱和度对比等。它教导我如何通过巧妙运用这些对比，来突出画面的重点，引导观众的视线，以及营造画面的节奏感。这本书的出现，让我觉得我之前的绘画实践，可能只是在“临摹”物体，而这本书则是在教我如何“理解”和“表现”物体。
评分作为一个长期从事设计工作的人，虽然工作中会接触大量的色彩，但将这些色彩应用到绘画创作中，特别是写实静物，我发现自己还是存在不少盲区。《起步教程：色彩静物（提高篇）》这本书，就像给我打开了一扇新的大门。它不仅仅停留在色彩理论的层面，而是将理论与实践紧密结合，通过大量的优秀案例分析，让我看到了色彩在实际创作中的无限可能性。书中对“色彩的纯度”和“色彩的饱和度”的讲解，让我对如何控制画面的色彩浓度有了更深刻的理解。以往我可能只是模糊地感觉画面“灰”或者“亮”，但这本书则教我如何通过调整色彩的纯度和饱和度，来达到不同的视觉效果，比如如何通过降低饱和度来营造画面的沉静感，或者通过提升纯度来突出画面的重点。让我尤其印象深刻的是，书中关于“色彩的联想”和“色彩的情感”的讨论。它不仅仅是教你如何“好看”地配色，更是引导你思考色彩背后所蕴含的情感和意义。比如，红色可以代表热情，蓝色可以代表宁静，而这些情感如何通过色彩的搭配和运用在画面中得以体现，书中给出了非常生动而深入的解析。这让我意识到，色彩静物不仅仅是技巧的展现，更是情感的表达，这对我今后的创作方向产生了深远的影响。
评分作为一个曾经尝试过几次静物写生，但总是觉得画出来的东西“不够味”的爱好者，我购买了《起步教程：色彩静物（提高篇）》。我最想解决的问题是，如何让画面中的物体看起来更“真实”，更有“质感”。这本书在这方面给予了我极大的帮助。它不仅仅是教你如何调出颜色，而是教你如何“观察”颜色。书中详细分析了不同材质物体表面的色彩特点，比如陶瓷的温润、布料的柔滑、木材的粗糙，以及如何通过色彩的细微变化来表现这些质感。例如，在描绘陶瓷时，它会告诉你如何捕捉其光滑的表面反射出的环境色，以及如何通过色彩的渐变来表现其圆润的体积。在表现布料时，它则会教你如何通过色彩的明暗变化和褶皱的阴影来表现其柔软的质感。让我印象深刻的是，书中还强调了“色彩的观察角度”的重要性。它告诉我，同一个物体，在不同的光线和环境下，其色彩也会发生巨大的变化。这本书通过大量的实例，教会我如何去捕捉这些细微的变化，从而让我的画面更加生动和真实。它让我意识到，绘画不仅仅是“画”出来，更是“看”出来，然后用色彩去“表达”出来。
评分说实话，我一直觉得色彩静物是个相当挑战的题材，尤其是在色彩的运用上，稍有不慎就会显得枯燥乏味或者杂乱无章。在朋友的推荐下，我购买了《起步教程：色彩静物（提高篇）》，原本是抱着学习一些新的技巧的想法，但这本书带来的启发远不止于此。它给我最大的感受就是，这本书不仅仅是教你“怎么画”，更是让你“怎么看”。书中在分析作品时，不仅仅是简单地指出某个颜色，而是深入剖析了艺术家是如何通过色彩来引导观众的视线，如何通过色彩的冷暖、明暗、饱和度变化来塑造画面的空间感和层次感。例如，对于水果的描绘，书中详细讲解了不同水果表皮的纹理如何影响光线的反射，以及如何通过色彩的细微差别来表现水果的饱满和光泽。这让我意识到，之前我在画水果时，总是过于强调形状，而忽略了色彩的真实性和表现力。书中还有关于“环境色”的讲解，这一点对我来说非常重要。很多时候，我画的东西总感觉“孤立”，没有融入到周围的环境中。这本书则教会我如何观察物体受到的环境光影响，并将这些色彩融入到物体本身的色彩中，从而让画面更加和谐统一，富有真实感。这种对“整体”的把握，让我感觉绘画的视野被大大拓宽了。
评分之前我一直认为，色彩静物画得好不好，很大程度上取决于画家对色彩的“天赋”，要么天生有色彩感，要么就很难画好。但在我深入研究了《起步教程：色彩静物（提高篇）》之后，我彻底改变了这个看法。这本书用科学而系统的方法，将色彩的奥秘层层剥开，让我明白色彩并非神秘莫测，而是可以通过学习和实践来掌握的。书中对色彩的“体积感”塑造讲解得尤为精彩。它不仅仅是强调明暗对比，而是通过分析光线如何在物体表面形成不同角度的反射，以及这些反射所带来的色彩变化，来教导读者如何运用色彩的微妙变化来表现物体的体积和轮廓。例如，在描绘球体时，书中详细展示了如何通过色彩的渐变来表现球体的弧度和光泽，而不是简单地用深浅来区分。这让我恍然大悟，原来我之前画的静物之所以缺乏立体感，是因为我没有真正理解色彩在塑造体积中的作用。此外，书中还强调了“色彩的和谐”的重要性，以及如何通过“主色调”和“辅助色”的搭配来构建一个统一而富有表现力的画面。这一点对于我这种容易在色彩上“用力过猛”的画者来说，简直是救星。它教会我如何克制，如何在追求表现力的同时，保持画面的整体感和舒适度。
评分我是一名对美术理论有浓厚兴趣的学习者，但总觉得在色彩静物的实践中，理论与实践之间似乎总有一层隔阂。《起步教程：色彩静物（提高篇）》这本书，很好地架起了这座桥梁。它在深入讲解色彩原理的同时，也提供了大量具有指导意义的实践案例，让我能够将理论知识转化为实际的绘画技巧。书中对“色彩的统一性”的探讨，是我以往学习中比较薄弱的环节。它不仅仅是简单地强调“调和”，而是通过对色彩“主导色”、“辅助色”的分析，以及如何运用“衔接色”来过渡，来教导我如何让整个画面色彩和谐统一，避免出现“跳色”或“杂乱”的现象。这一点对于我这种容易在细节色彩上“用力过猛”的学习者来说，至关重要。让我惊喜的是，书中还专门辟出了章节来讨论“色彩的节奏感”。它通过分析不同色彩在画面中的分布和对比，来引导读者如何通过色彩的变化来制造画面的起伏和动感，从而让画面更具吸引力。这本书的出现，让我觉得我对于色彩的理解，不仅仅停留在“好看”，而是上升到了“有逻辑”、“有章法”的层面，这对于我今后的学术研究和绘画实践都有着重要的指导意义。
评分这本书的封面设计就充满了艺术感，一种宁静而又富有生命力的色彩氛围扑面而来。我是一名对绘画充满热爱但基础相对薄弱的业余爱好者，一直以来都渴望能在色彩静物这块领域有所突破。之前尝试过一些入门级的教程，但总感觉缺乏系统性，很多细节上的处理总是让我感到困惑。当我在书店看到这本《起步教程：色彩静物（提高篇）》时，立刻被它吸引住了。书名中的“提高篇”让我看到了一丝希望，仿佛它能带领我跨过瓶颈，进入一个更深的层次。迫不及待地翻开，里面的插图和排版都非常精美，看得出是经过精心设计的。我尤其喜欢书中对不同色彩关系的解析，那些案例分析非常直观，能够让我清晰地理解色彩是如何相互作用，产生微妙的变化。例如，书中对冷暖色调在静物写生中的应用讲解得格外透彻，不再是简单的“这里用暖色，那里用冷色”的泛泛之谈，而是深入到如何通过色彩的冷暖对比来塑造体积感和空间感，如何利用色彩的纯度和明度来营造画面的层次和氛围。这对于我这种对色彩敏感度不够强的学习者来说，无疑是醍醐灌顶。书中还强调了色彩的“情绪表达”，这一点让我耳目一新，原来色彩不仅仅是物理上的反射和吸收，更是一种情感的载体。通过对不同色彩组合的分析，我开始领会到如何用色彩去传递画面的情绪，比如明亮的色彩可以带来愉悦感，而沉郁的色彩则能引发思考。这种从技法到情感的升华，是我之前接触的教程中很少见到的，也让我对绘画有了更深的理解和期待。
评分作为一名有几年绘画经验的爱好者，我对色彩的感知虽然有所积累，但在写实静物中如何处理好色彩的微妙变化，一直是我感到头疼的问题。很多时候，画面总显得有些“平”，缺乏生命力，或者色彩过于“脏”，不够通透。因此，当我在网上看到《起步教程：色彩静物（提高篇）》这本书时，就抱着试一试的心态入手了。这本书的内容深度和广度都超出了我的预期。它并没有停留在基础的调色原理，而是深入探讨了色彩在不同材质、不同光线条件下的表现。比如，对于金属的质感，书中通过分析金属表面的高光、反光以及环境色的折射，详细阐述了如何运用色彩的变化来准确捕捉其光滑、冰冷或是温暖的触感。这远比我之前理解的“金属画出来就是灰色的”要精妙得多。同样，对于玻璃器皿的透明感和折射，书中给出的案例分析也极其到位，通过对透明物体内外色彩的细致描绘，以及对背景色的巧妙运用，能够让读者清晰地看到如何让玻璃“活”起来。最令我惊喜的是，书中还探讨了色彩的“统一性”问题，即如何在画面中保持色彩的和谐，避免色彩的“各自为政”。这涉及到对主色调的把握，以及如何通过邻近色、对比色之间的微妙关系来协调整个画面的色彩关系。这种系统性的讲解，让我意识到以往自己在色彩运用上的盲点，也为我后续的创作指明了方向，感觉自己离画出更有质感的色彩静物又近了一步。
评分我是一名刚刚接触绘画不久的学生，对色彩的理论知识还很懵懂，很多时候看到大师的色彩作品，只能望而兴叹。在老师的推荐下，我获得了这本《起步教程：色彩静物（提高篇）》。坦白说，在看到“提高篇”三个字的时候，我还有些担心自己是否跟不上，但翻开书之后，我的顾虑烟消云散。这本书的语言非常平实易懂，大量的图例和循序渐进的讲解，让我这个初学者也能轻松理解。它并没有直接跳到复杂的色彩搭配，而是从最基础的色彩混合和色彩属性入手，比如如何通过混合不同的颜色来得到想要的色彩，以及色彩的“冷暖”和“明度”到底是怎么回事。书中的案例分析非常详尽，每一个步骤都配有清晰的图示，让我可以一步一步跟着学习。尤其让我受益匪浅的是关于“色彩倾向”的讲解。我之前以为画什么颜色就用什么颜色，但这本书告诉我，物体本身的颜色只是一个基础，更重要的是它受到周围环境和光线的影响，会呈现出不同的色彩倾向。例如，一个红苹果，在绿色的背景下，它的红色可能会带有一点绿色调，反之亦然。这种细致的观察和理解，极大地提升了我对色彩的感知能力。这本书的出现，让我觉得学习色彩静物不再是一件遥不可及的事情，而是可以通过努力和正确的方法去掌握的。
评分还不错！！！！！！！
评分~
评分书不错，讲的比较细，适合初学者
评分还不错还不错
评分给学生用，好的话再买吧
评分快递快，服务优，质量好！！
评分挺好的，，，价格实惠 v
评分不错
评分不错
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