袁雪芬越剧唱腔精选 附CD三张 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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上海越剧艺术研究中心 著

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• 越剧
• 袁雪芬
• 唱腔
• 戏曲
• 音乐
• 光盘
• 传统戏曲
• 地方戏
• 艺术
• 戏曲教学

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552312911

版次：1

商品编码：12206007

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-10-01

用纸：胶版纸

附件：CD

附件数量：2

内容简介

本书特点是以情取胜，重视用润腔细致地表达感情，她演人、唱情，韵味醇厚，这些长处，今天仍然是值得我们学习、继承和发扬的。黄德君主编的《袁雪芬越剧唱腔精选(附光盘早期)》收入了袁雪芬上世纪30年代中期至40年代已出版唱片的唱段，其中有女子越剧首次出版唱片中的唱段《方玉娘哭塔》和诞生[尺调腔]的《香妃》唱段。书中记载了袁雪芬在那一时期代表剧目的唱段，展现了袁派唱腔艺术形成的过程，同时也展现了越剧音乐唱腔发展的一个很重要的方面，是今后学习、研究越剧音乐和袁派唱腔艺术的一份很有价值的资料。

内页插图

目录

艺术的华章：中国戏曲史与美学研究 一部深度剖析中国传统戏曲艺术源流、流变及其审美哲学的恢宏巨著。 本书旨在为广大戏曲爱好者、研究者以及艺术院校师生提供一个全面、深入、富有洞察力的视角，去理解和欣赏中国戏曲这一世界级的舞台艺术。全书摒弃了简单的流派介绍和名家传记式叙事，转而聚焦于戏曲艺术在历史长河中的内在逻辑、结构嬗变以及其独特的东方美学意蕴。 本书共分为七大部分，结构严谨，内容涵盖面广，力求勾勒出一部立体的、有血有肉的中国戏曲发展全景图。 --- 第一部分：溯源与奠基——戏曲艺术的远古回响 本部分追溯了中国戏曲的萌芽与早期形态。我们不再将戏曲视为孤立的剧种，而是将其置于中国古代文娱活动与宗教仪式的宏大背景下进行考察。 一、远古的仪式与歌舞： 探讨原始的祭祀歌舞、百戏的雏形，以及上古傩戏中的祛邪与娱乐功能如何为后世的表演艺术打下“唱、念、做、打”中“做”与“舞”的身体基础。重点分析了汉代百戏中的“角抵戏”对早期戏剧冲突模式的影响。 二、唐宋的繁荣与转型： 详细考察了唐代参军戏的兴起及其对角色扮演（小花脸、副净等雏形）的贡献。深入分析了宋代“瓦舍勾栏”这一关键的城市文化空间，如何促使民间叙事、说唱艺术（如平话）与成熟的音乐（如燕乐）进行深度融合，催生了最早的成熟戏曲形式——南戏。我们通过对早期南戏文本如《琵琶记》手抄本的细微之处考察，揭示了早期戏曲结构中“说唱结合”的叙事特征。 三、元曲的定型与高峰： 这一部分是戏曲成熟期的核心。重点分析了元杂剧如何通过“正末（旦）一人唱”的体制，确立了板式与曲牌的严格对应关系，实现了音乐与文学的完美结合。研究了关汉卿、王实甫等大师作品中对社会矛盾的深刻揭示，以及元曲如何在高雅的文人圈层与市井的娱乐需求之间找到了绝佳的平衡点。 --- 第二部分：南腔北调的碰撞与融合——剧种的多元化发展 明清两代，中国戏曲进入了“百花齐放”的阶段，地域性与流派性显著增强。本书着重探讨了这种多元化背后的文化地理与社会结构因素。 一、昆曲的雅化与精致： 详细论述了明代中后期昆山腔如何被文人集团（如梁辰鱼、汤显祖）吸收、改造，成为“水磨腔”，以其婉转细腻、唱功为上的特点，登上了宫廷和士大夫的舞台。我们探讨了昆曲在声腔系统上的严谨性，以及其对后世所有南方声腔（如徽班、汉调）在音乐化处理上的深刻影响。 二、地方腔调的勃兴： 考察了以秦腔、梆子戏为代表的北方高腔系统如何适应广阔的西北地域，形成了高亢激昂、注重板式变化与锣鼓点应用的表演风格。分析了徽班“四九班”进京，与汉调等地方声腔相互影响，为京剧的最终形成提供了必要的“化学反应”。 三、声腔体系的结构性差异： 通过对比昆曲的“一腔统制”与梆子的“曲牌板式自由组合”的特点，阐释了不同声腔体系在审美取向上所体现的“内敛的抒情”与“外放的叙事”的张力。 --- 第三部分：舞台的法则——戏曲程式的符号学解析 戏曲舞台的魅力在于其“非写实性”，即程式化。本部分将戏曲程式视为一套成熟的、高效的符号语言系统进行深入解读。 一、虚拟空间的构建： 探讨“一桌二椅”如何象征天地、城池、山水，以及演员的走位（圆场、碎步）如何精确地指示时间和空间。分析了舞台调度中的“假定性”原则如何激发观众的想象力。 二、身段与手势的语汇： 细致剖析了“手、眼、身、法、步”的每一个技术动作背后的文化含义。例如，开扇、拂袖、云手等动作不仅仅是技巧展示，更是特定情绪（如喜悦、悲伤、踌躇）的固定表达。我们引入符号学理论，将其视为一套可被精确“翻译”的身体语言。 三、脸谱与化妆的象征意义： 深入研究了脸谱的色彩学和图腾学基础，解析了红色（忠勇）、白色（奸诈）、黑色（正直/粗犷）等基本色块所承载的性格标签，以及其在不同剧种间的细微差异。 --- 第四部分：戏曲文学的叙事结构与诗性 本书将戏曲文本视为一种特殊的诗化文学体裁，重点剖析其叙事策略与韵律美学。 一、“曲白相济”的艺术： 分析了戏曲中“唱词”与“道白”的功能划分。唱词承担情感的抒发和场景的渲染，需严格遵循音乐的格律；而道白（如韵白、京白、土白）则负责推进情节、刻画人物性格的细节。这种交织创造了独特的节奏感。 二、板式变化的叙事功能： 深入探讨了板式（如慢板、流水板、散板）如何与人物心绪的变化同步。例如，从缓慢的慢板转入急促的流水板，不仅是音乐的变化，更是人物情绪从压抑到爆发的戏剧性体现。 三、诗意与哲思的融入： 考察了戏曲文本中大量的典故引用、排比对仗和比兴手法，这些文学技巧使得简单的故事获得了超越性的诗意和对人生哲理的探讨。 --- 第五部分：表演的生成——声腔艺术的科学与情感 本部分专注于戏曲表演的核心——“唱”。探讨了不同声腔体系在发声方法、气息控制和情感表达上的差异与共性。 一、气息与嗓音的调性： 区别探讨了以气托声、以声塑腔的技术要求。着重分析了昆曲“以气为主，以声为辅”的婉转之美，与京剧、秦腔“以声为主，注重爆发力”的强悍之风的声学基础差异。 二、“四功五法”的综合训练： 探讨了演员如何通过长期的专业训练，将声、腔、身、手整合为一体，实现“声中有腔，腔中有戏”的境界。强调了戏曲发声对人体的协调性、耐力和控制力的极高要求。 三、戏曲美学中的“情”与“腔”： 讨论了如何避免纯粹的技艺展示而流于匠气。真正的戏曲表演，要求演员将所有程式化的技巧，服务于角色内在情感的“外化”，达到“以情驭腔，以腔抒情”的最高境界。 --- 第六部分：梨园的生态——师承、行当与市场机制 戏曲艺术的传承依赖于独特的作坊式教学体系和严格的行当划分。 一、行当的专业化分工： 详细解析了生、旦、净、丑四大基本行当的职能划分、角色定位，以及在舞台上所需的专门技巧和扮相要求。分析了这些分类如何从宋元时期的简单区分，演变为高度专业化的表演体系。 二、师徒传承的制度： 考察了戏班内部的等级制度（科班）和严苛的师徒关系。探讨了这种封闭式的学习模式在保证技艺纯正性、维持艺术风格统一性方面的积极作用，以及其在现代社会面临的挑战。 三、戏班的社会功能与市场： 探讨了清代乃至民国时期，戏班作为一种移动的文化传播者，在城乡社会中扮演的角色，以及其复杂的经济结构和与赞助人、观众的互动关系。 --- 第七部分：现代的挑战与未来的视野 本书最后一部分将目光投向近现代，探讨工业化、全球化对传统戏曲的冲击与重塑。 一、戏曲的现代化改编： 分析了二十世纪以来，戏曲工作者在保持核心审美特征的前提下，如何吸收话剧的写实技巧、电影的叙事节奏，进行现代性转型。重点研究了“新编历史剧”对传统戏码的观念更新。 二、审美观念的代际差异： 探讨了当代观众对传统戏曲“慢热”和“程式化”的不适应性，以及如何通过舞台调度、灯光设计等手段，在不破坏本体的前提下，增强对年轻观众的吸引力。 三、国际视野下的中国戏曲： 讨论了中国戏曲在世界舞台上（如欧洲艺术节）如何被解读和欣赏，及其作为“东方符号”所蕴含的跨文化交流价值。 结语： 本书最终论证，中国戏曲并非停滞的古董，而是一个拥有严密内在逻辑和强大适应能力的活态艺术系统。理解其历史的厚重与审美的精妙，是欣赏其不朽魅力的前提。

评分☆☆☆☆☆

整体来说，这本书的价值已经远远超出了一个“选集”的范畴。它更像是一个多媒体的、沉浸式的艺术体验平台。我尤其欣赏其中穿插的一些对同辈艺术家对袁雪芬评价的引述。这些来自同行和前辈的评价，使得全书的视角更加立体和客观，避免了“自夸式”的颂扬。它展现了艺术大家在时代洪流中相互砥砺、共同进步的生态。我感觉这本书不仅仅是留给今天的戏迷，更是对未来越剧研究者的一份厚礼。它所承载的不仅仅是袁雪芬一个人的艺术成就，更是那个时代越剧艺术蓬勃发展的缩影。当我合上书本，回味那些唱段时，心中充满了敬意——敬佩袁雪芬大师的艺术高度，也敬佩出版方能够如此用心良苦地将这份珍贵的文化遗产整理、呈现出来。这本书值得每一位热爱传统戏曲的人珍藏。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本只是抱着试试看的心态买这本书的，毕竟关于老一辈艺术家的资料，市面上良莠不齐。但这本书的编辑工作之扎实，远超我的预期。它的资料搜集工作想必是极为详尽的，光是曲目索引部分的注释就体现出了极高的专业水准。每一段唱词的背景、典故，甚至袁雪芬老师在不同时期对同一段腔的演绎细微差别，都有非常精炼却又深入的解读。这对于我这种半专业的戏迷来说，简直是宝藏。它不是简单地罗列唱词，而是试图去“翻译”和“解码”那些流淌在旋律里的情感密码。我喜欢它那种学术与爱好者视角兼具的平衡感，既有研究者的严谨，又不失戏迷的共鸣。读完导言，我对于袁雪芬艺术的理解一下子上升到了一个新的层次，不再是碎片化的听感，而是有了一套完整的认知框架。这本册子无疑成了我案头常备的参考书，随时可以翻阅，随时都能获得新的启发。

评分☆☆☆☆☆

作为一名资深的越剧爱好者，我最关心的自然是音频部分的质量。过去总觉得，老录音的修复是个难题，高音刺耳、低音模糊是常态。然而，这次附带的配套音频，简直是给了我一个惊喜。我特意用高保真耳机试听了其中几段经典段落，那清晰度，那层次感，简直像是袁雪芬老师在我的客厅里现场演唱一般。乐器的配器声、唱腔中的气息运用，甚至是她特有的“雪芬腔”里那种特有的鼻腔共鸣，都得到了最大程度的保留和还原。这种近乎“考古级”的修复工作，体现了出版方对声音艺术的极致追求。它让我重新认识了这些耳熟能详的选段，仿佛是第一次真正听清了那些细腻的润腔和转音。对于那些想学习或模仿袁雪芬唱腔的后辈来说，这些音质极佳的伴随资料，其价值是无法用金钱衡量的，这是真正的“活教材”。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书在内容编排上的逻辑性非常强，它没有采取简单的年代顺序或者剧目顺序，而是形成了一种非常独特的、以“韵味”和“技巧”为核心的模块划分。比如，有一章专门探讨她对“哭腔”的运用，从早期的含蓄内敛到后期的酣畅淋漓，配合文本分析和音频标注，让人豁然开朗。这本书的作者群或者编者群，显然对袁雪芬的艺术生涯有着深刻而全面的掌握。他们的文字叙述，既有文学性，又不失准确性，避免了过度美化或空泛的赞美。读起来非常过瘾，感觉像是在听一位资深专家娓娓道来，而不是枯燥的学术论述。这种精心的结构设计，让读者能够非常系统地梳理和吸收袁雪芬的艺术精髓，而不是被海量的资料淹没。对于希望深入了解越剧艺术体系的读者，这本书的结构设计堪称典范。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，拿到手就感觉很有分量。封面选用的那种淡雅的米黄色调，配上烫金的书名，古典韵味十足，一下子就把我拉回到了那个婉约的年代。内页的纸张质感也处理得恰到好处，不反光，阅读起来非常舒适，即便是长时间翻阅也不会感到眼睛疲劳。我特别留意了一下排版，字体选择上，宋体的纤细和魏碑的古朴做了巧妙的融合，使得文字既有历史的厚重感，又不失现代阅读的清晰度。尤其是那些剧照和历史资料的插入，真是下了大功夫，黑白照片的颗粒感和袁雪芬老师当年的神采飞扬被捕捉得淋漓尽致，这不仅仅是一本唱腔的汇编，更像是一部浓缩的越剧艺术史。我感觉出版方在细节上是下了真功夫的，从书脊的设计到扉页的题词，每一个环节都透露出对这位艺术大师的尊重与敬意。光是翻阅这本书的实体，就已经是享受，它放在书架上，本身就是一件艺术品。