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[英] 雷·史密斯著刘婷婷译 著

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出版社： 北京美术摄影出版社

ISBN：9787805019581

商品编码：13519014893

出版时间：2017-06-01

作  者:(英)雷·史密斯 著；刘婷婷 译 定  价:98 出 版 社:北京美术摄影出版社 出版日期:2017年06月01日 页  数:373 装  帧:平装 ISBN:9787805019581 ●介绍
●材料
●颜料
●油
●树脂
●胶水、淀粉和树胶
●蜡
●溶剂
●添加剂
●支撑物和基底材
●刚性支撑物
●弹性支撑物
●基底材
●画图
●铅笔
●铅笔
●彩色铅笔
●软色粉
●油画棒
●粉笔和彩色粉笔
●部分目录

内容简介

雷·史密斯著的《艺术家手册》囊括了关于艺术的一切，我们精选了从古至今、从材料到成品、从制作到储存等的各种题材，以严谨的逻辑顺序编排，打造了这一部小型艺术百科手册。本书不但详细讲述了常用的艺术题材，还加入了关于颜料和基底材的选用、储藏与装裱、打理工作室、展览、健康与安全等方方面面的内容，阅读本书后，可以对一个艺术家所需要了解的领域有一个全面的了解，对于已经踏入艺术领域的读者来说，也是一个全面、系统化学习艺术的绝好机会。
本书是有关传统与当代绘画、素描、印刷以及相关视觉艺术技法的实用指南，是一本涉猎广泛的工具与材料的百科全书。内容中详尽阐述了各种材料及其用途，并充分研究其创造潜力，同时介绍了画材知识及其新发展。艺术家只有接近了解了各种材料的成分和性质才能成功地使用它们。本书详尽介绍了各种基底材、绘画材料及添加剂等，一系列详细的表格介绍了实用的颜料，提供了有关耐光性、不透明性及毒性的知识等
(英)雷·史密斯 著；刘婷婷 译 雷·史密斯是许多艺术院校的客座教授，同时也是南开普敦大学的驻校艺术家。雷的研究范围涵盖了从命题肖像到重要公共艺术策划等许多艺术的领域，他还撰写并绘制大量的书籍并获奖，这些书籍已在世界范围内出版。

艺术家的工具箱：从灵感到实践的全面指南 一本激发无限创造力的实战手册，专为渴望精进技艺、拓展视野的每一位创作者量身打造。 在这个信息爆炸、媒介多元的时代，成为一名真正的艺术家，需要的不仅仅是天赋与激情，更需要一套系统、扎实、与时俱进的知识体系和实操方法。本书并非描绘某一种特定艺术流派的史诗，也不是晦涩难懂的艺术理论堆砌，它是一本面向未来的、高度实用的“工具箱”，旨在为所有处于创作旅程中的人——无论你是刚踏入艺术殿堂的新手，还是寻求突破的中坚力量——提供清晰的路径和坚实的支撑。 本书的结构设计，清晰地遵循了艺术创作的完整流程：理念的孕育（Conceptualization）、技艺的磨砺（Technical Mastery）、创作的实施（Execution & Production）、以及最终的呈现与推广（Presentation & Professionalism）。我们坚信，真正的创新往往诞生于对基础的深刻理解与对边界的勇敢试探之间。 第一部分：构建基石——洞察与灵感的熔炉 这一部分着重于艺术思维的建立与日常灵感的捕捉与管理。我们探讨如何将“观察”转化为“洞察”，如何从日常琐碎中提炼出具有普世价值的艺术主题。 1. 艺术家的内观与哲学： 超越风格的思考框架： 如何定义你的“艺术主张”？我们深入分析了从古至今艺术家的核心驱动力，并提供了自我提问清单，帮助读者清晰界定创作的“为什么”。 美学与伦理的交汇点： 探讨当代艺术语境下，美感与社会责任之间的张力。我们不提供标准答案，而是引导读者建立一套属于自己的、能够指导创作实践的伦理准则。 创造性思维的解剖学： 介绍一系列经过验证的思维模型，例如联想扩散法、逆向工程思考、以及如何利用“限制性条件”来激发更具创意的解决方案。如何将抽象的哲学概念转化为可操作的视觉或听觉元素？ 2. 灵感生态系统的构建： “信息降噪”的艺术： 在海量信息流中，如何筛选出真正滋养创作的养分，避免被短暂的热点所裹挟。 跨界连接的魔力： 如何有效地从科学、历史、社会学、乃至商业运作中汲取灵感，并将看似不相关的元素进行有机融合，形成独特的创作视角。 材料与媒介的“前语言”对话： 在动笔或塑形之前，引导读者深入理解不同材料的内在“脾气”和潜能。例如，理解特定颜料的化学反应，或不同织物的结构张力，如何为最终作品的含义增添层次。 第二部分：技艺的精进——从熟感到精通的阶梯 本部分是本书的“实操核心”，它摒弃了对单一媒介的偏爱，而是聚焦于跨媒介通用的核心技能，以及如何将这些技能高效地应用于实践。 1. 视觉语言的基础语法： 构图的动态平衡： 深入解析经典的构图法则（如黄金分割、三分法），更重要的是，探讨如何有意识地“打破”这些法则以达到特定的情感冲击。 光影的叙事功能： 不仅仅是光照技术，而是如何利用明暗对比、色彩温度和投射角度来引导观众的情绪，塑造空间感和戏剧性。 色彩心理学的实战应用： 提供了一套色彩情绪调色板，指导艺术家根据作品的意图，精准调配和运用色彩组合，达到最大的情感共振。 2. 媒介的深度探索与整合： 数字工具的雕刻刀： 详尽介绍当代主流数字创作软件在流程优化、高精度模拟方面的应用，强调软件作为“延伸的双手”，而非替代直觉的工具。 传统工艺的复兴与创新： 涵盖版画、雕塑基础、高级纺织技术等领域中，被现代艺术实践重新诠释的关键技术点，旨在帮助创作者理解媒介的物质性。 多模态叙事的张力： 针对影像、装置艺术和混合媒介创作者，提供如何确保不同媒介元素之间保持叙事一致性与技术兼容性的策略。 3. 工作流程的优化与效率管理： 项目分解与时间管理： 针对大型、长期创作项目，提供从概念草图到最终完成的“里程碑”设定方法，确保项目按期高质量推进。 避免“技术陷阱”： 如何在追求完美技艺的过程中，不让技术本身压倒了艺术表达的初衷。区分“必要的打磨”与“无谓的重复劳动”。 第三部分：实践的落地——从工作室到世界的桥梁 艺术品的价值不仅在于其内在质量，更在于它如何被感知、被理解和被流通。本部分聚焦于作品的最终呈现和艺术家的职业化发展。 1. 作品的“生命终点”设计： 装裱与展示的艺术： 探讨装裱、基座、照明如何作为作品的“第二语言”。例如，一面哑光的墙面与一个高反光的底座对雕塑感知的影响。 装置与空间的关系： 针对空间艺术，详细分析如何根据展览场地的声学、人流动线和自然光照，对作品进行现场优化布局。 文档化的严谨性： 详细指导如何进行高质量的作品摄影、建立详尽的创作日志（包括材料批次、修改历史），这是作品鉴赏和未来溯源的关键。 2. 艺术家的职业化生存指南： 建立个人品牌叙事（Artist Statement）： 如何撰写一份既专业又引人入胜的艺术家自述，清晰传达作品的深度和个人立场。 合规与知识产权保护： 基础的版权常识、合同审阅要点，以及如何为你的创作设定合理的商业价值和使用许可范围。 画廊与策展人沟通的艺术： 如何准备一份专业的艺术家作品集（Portfolio），以及在初次会面中有效推介自己工作的策略和禁忌。 本书的最终目的，是提供一把钥匙，开启通往更深层、更有效率创作的大门。它要求读者不仅是学习者，更是主动的探索者，将书中所载的知识与方法融入自身独特的创作脉络之中，最终铸就出真正属于自己的艺术语言。我们相信，真正的艺术大师，是那些不仅掌握了工具，更懂得如何创造新工具的人。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验是一种渐进式的启示。一开始我只是把它当作一本参考书来翻阅，但随着阅读的深入，我发现它更像是一面镜子，照出了我自身的创作盲点和思维局限。作者的叙事风格非常具有启发性，他擅长通过提出尖锐的问题来引导读者进行自我反思，比如：“你创作的目的是什么？”、“你的作品真的在‘说话’吗？”这些问题迫使我停下来，重新审视自己一直以来习以为常的创作习惯。书中对“叙事性”在非叙事艺术中的重要性的探讨尤其发人深省。它让我意识到，即便是不表现具体主题的抽象作品，也需要有其内在的逻辑和情感脉络。这本书没有提供固定的“答案”，而是提供了一套强大的“提问框架”，帮助我们构建自己的艺术哲学。读完合上书本的那一刻，我感到一种强烈的责任感，仿佛我不再只是一个被动接受指导的学生，而是一个开始主动构建自己艺术世界的探索者。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我原本对这类“指导手册”抱持着怀疑态度，总觉得它们要么过于空泛，要么就是老生常谈的套路。然而，这本书彻底颠覆了我的看法。它最让我惊喜的是对“艺术家的心智模式”的探讨。它没有仅仅教你怎么画、怎么雕塑，而是深入挖掘了优秀创作者是如何看待失败、如何保持专注、如何应对自我怀疑这些内在挑战的。我尤其欣赏作者在谈到“风格的形成”那一章时的深刻见解。他强调风格不是刻意模仿或强行标签化，而是一个“自然涌现”的过程，是个人经历、技术积累和哲学思考的必然交集。书中提供的那些关于如何建立个人工作室和管理创作时间的心得体会，对于像我这样需要平衡本职工作与艺术追求的人来说，简直是雪中送炭。它教会我如何将艺术融入生活，而不是让它成为一种负担。这本书读起来一点也不枯燥，语言充满活力和洞察力，读完后感觉精神上被彻底洗礼了一遍，对“成为一个艺术家”这件事有了更全面、更成熟的理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我量身定做的！我一直都在寻找一本能真正深入剖析艺术创作过程，并且提供实操性指导的书籍。这本书的结构安排得非常巧妙，从最初的灵感捕捉，到后期的作品打磨和市场推广，每一个环节都讲解得详尽入微。特别是关于色彩理论和构图的章节，简直是一本浓缩的精华版教程，我以前在网上找了无数资料都没能这么系统地梳理清楚。作者似乎非常理解创作者在不同阶段会遇到的困惑，比如，当我面对一张空白画布感到无从下手时，书中提供的“视觉触发器”练习立刻给了我方向感。而且，它不仅仅停留在理论层面，书中穿插了大量不同媒介和风格艺术家的案例分析，这些案例不是空泛的赞美，而是深入剖析了他们是如何运用书中所讲的技巧来解决实际创作难题的。读完第一部分，我就迫不及待地拿起画笔，感觉自己的创作思路一下子被打开了，不再是漫无目的地乱试，而是有章可循，效率和质量都得到了显著提升。这本书的实用性远远超出了我对一本“手册”的预期，它更像是一位经验丰富、耐心细致的导师，时刻在我身边提供指导。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书给我的感觉更像是一部“艺术家的生存指南”，而非单纯的技术手册。我最欣赏它诚恳的态度——它没有美化艺术创作的艰辛，反而直面了市场竞争、自我怀疑和灵感枯竭这些“黑暗面”。特别是关于知识产权保护和如何与画廊、委托方有效沟通的那一部分内容，这在很多同类书籍中是被刻意回避的。作者以过来人的身份，分享了许多他自己曾经走过的弯路和踩过的“坑”，这让读者感到非常亲切和信任。它教会我们如何像一个专业的商业人士一样运营自己的艺术事业，而不是仅仅作为一个才华横溢的匠人。这种实用主义和理想主义的完美结合，让这本书的份量瞬间增加。我强烈推荐给所有正在考虑将艺术作为职业，但又对“艺术圈”的运作规则感到迷茫的年轻人。它提供的是一个完整的生态系统视图，而不仅仅是工具箱。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的技术角度来看，这本书的深度令人印象深刻。我本来以为它会停留在初级入门的水平，但事实证明，即便是对某一特定领域（比如数字绘画的高级光影处理）有一定经验的人，也能从中汲取宝贵经验。那些关于材质表现和空间感构建的章节，简直是教科书级别的讲解。作者没有使用太多晦涩难懂的术语，而是用极其清晰的图示和逻辑严密的步骤，将复杂的视觉原理拆解开来。例如，书中对“环境光与反射光”的区分和应用，我以前一直混淆不清，但通过书中提供的几个精心绘制的对比图例，我瞬间豁然开朗。这本书的排版和设计也值得称赞，每一页的留白和插图的放置都考虑到了阅读的舒适度，让你在学习技术的同时，也能享受到视觉上的愉悦。我甚至发现，这本书中的一些关于透视和比例的讨论，可以反过来应用于我的建筑设计工作，这种跨领域的知识迁移能力，正是我认为它价值巨大的原因之一。