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店铺： 善本图书专营店

出版社： TASCHEN

ISBN：9783836529204

商品编码：13893209055

开本：16x19.8CM

正文语种：英文

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《原版Monet 莫奈画册》-ISBN：9783836551014，17010110100487

《原版DALI 达利画册》-ISBN：9783836544924，13041600000015

《原版Van Gogh 梵高画册》-ISBN：9783836557153，17010110100561

（梵高预售，预计5月份到货）

（达利预售，预计6月份到货）

内容介绍

除了透纳以外，或许再也没有人能够像莫奈一样，巧妙地透过画布和画笔，生动地捕捉光影印象的纷呈变化。莫奈重新创造了色彩运用的可能性，这可能归功于他早期对于日本绘画的兴趣、他在阿尔及利亚服兵役的时光、或者他在1800年代晚期和许多知名画家的互动。无论如何，莫奈的画作永远地改变了我们观看自然世界的方式。在这本传记性的著作中，将客观地描述这位伟大画家的生平事迹，并收录许多关于莫奈画作的精美细节和精采评论。











内容介绍

一提到达利，您脑中第yi个浮现的，绝对是他的招牌翘胡子。然而，除了翘胡子以外，您还对他了解多少？被毕加索比喻为「动个不停的马达」的达利，从小就自认是个天才，终日沉浸在他脑海中不断冒出的奇异念头，并且将这些念头转化为源源不绝的创作。

身兼画家、雕塑家、作家和电影制作人等多重角色，达利的创作型态多元地惊人，并且将弗罗伊德的理论与他的创作结合，让观众置身于恍如梦境的奇幻想像之中。达利被喻为上个世纪zui爱表现自我也zui古怪的艺术家之一，所到之处必定引起广泛的争议，本书收录了他一生中既宏伟又怪诞的创作，带您一同探索他天马行空的奇想世界。

内容介绍

文森特·威廉·梵高，荷兰后印象派画家。出生于新教牧师家庭，是后印象主义的先驱，并深深地影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与表现主义。油画技法使用点彩画法。早年因学习传统绘画技法，画面色彩并不明快，后来受新艺术流派影响以及个人气质使然，画面变得色彩强烈，色调明亮。后来受到革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，大胆的探索、自由地抒发内心感情的风格，追求线条和色彩自身的表现力，追求画面的平面感、装饰性和寓意性。梵高的作品中包含着深刻的悲剧意识，强烈的个性和形式上的独特追求，一切形式都在激烈的精神支配下跳跃和扭动。当时他的作品虽很难被人接受，却对西方20 世纪的绘画艺术有深远的影响。同时对现代人也有着积极的影响。

好的，这是一本关于中国古代宫廷建筑艺术的深度探讨专著的图书简介，旨在全面梳理和剖析明清两代紫禁城等皇家建筑群的规划理念、结构形制、装饰工艺及其背后的文化象征意义。 --- 琼宇巍峨：明清宫殿建筑的礼制、工法与意蕴 本书导言： 自古以来，宏伟的宫殿不仅是帝王居住和施政的场所，更是国家权力、宇宙观念与礼乐制度的具体物化形态。《周礼·考工记》中“匠人欲为天子立国，天子之国，面朝前，后市，左祖右社，面朝后市”，奠定了中国都城规划的基石。本书将目光聚焦于中国封建社会晚期——明清两代，深入解剖了以北京紫禁城为核心的皇家建筑群，试图揭示其作为“皇权堡垒”与“人间圣境”双重身份下，所蕴含的严密礼制秩序、登峰造极的营建工法，以及渗透在每一梁、每一瓦之中的文化意蕴。我们旨在超越纯粹的形制描述，探究这些巍峨建筑如何与儒家伦理、道家思想乃至风水堪舆紧密结合，共同构建了一个自上而下、层层递进的权力话语体系。 --- 第一部分：礼制图谱——宫殿的权力布局与空间哲学 第一章：天人合一的都城营建观 本章首先追溯了中国古代都城规划的历史脉络，重点阐述了从汉唐至明清，都城选址、中轴线的确立及其在宇宙观中的地位。探讨了都城布局中“九经九纬”的理想模型，以及如何通过城市肌理的象征手法，实现“法天象地”的政治宣示。着重分析了明清北京城在规划上对前代都城的继承与超越，特别是其在体现皇权至高无上性方面所做的调整与强化。 第二章：中轴线上的权力递进：紫禁城的空间序列 本书的核心章节之一，系统梳理了紫禁城从午门到神武门的南北中轴线布局。详细剖析了外朝“三大殿”（太和殿、中和殿、保和殿）与内廷“后三宫”（乾清宫、交泰殿、坤宁宫）在功能、尺度、装饰等级上的显著分野。阐释了这种空间序列如何对应“前朝后寝”、“外朝议政、内廷家事”的礼制需求，以及这种层层设防、步步高升的布局对访客心理产生的威慑与敬畏效应。 第三章：规制与等级：建筑形式的等级符号学 详细解析了明清官式建筑的形制标准，包括屋顶形式（庑殿、歇山、悬山、硬山）的严格等级划分，台基的开敞与层级，以及斗栱、梁枋等结构构件在不同建筑等级中的使用规范。通过对特定殿宇（如太和殿的重檐庑殿顶、文渊阁的黑瓦绿琉璃）的个案分析，揭示建筑形制如何直接成为权力、身份和地位的“硬性指标”，任何僭越都是对皇权秩序的挑战。 --- 第二部分：精微之境——营建工艺与结构科学 第四章：乾坤定所：台基与基础的稳定性研究 聚焦于古代建筑的基座系统。详细阐述了夯土技术、条石基础的叠筑方法，以及在紫禁城复杂地质条件下，如何通过“工”字形或“品”字形梁架结构与台基排水系统（如龙首排水螭吻）的配合，确保宏伟建筑群在数百年间的稳定。剖析了“须弥座”台基在视觉上对殿宇的抬升效果及其在古代美学中的意义。 第五章：木构的艺术：斗栱、梁架与模数制 深入探讨了中国古代木构架建筑的核心技术——斗栱系统。本书不仅描述了斗栱的结构功能（承重、出挑、减震），更着重分析了其作为建筑装饰母题的演变。研究了明清两代对《营造法式》的继承与简化，以及“材分制”在确保建筑构件标准化生产中的关键作用，揭示了其背后的数学逻辑和预制化管理思想。 第六章：色彩的语言：琉璃瓦与彩画的象征密码 本书用专门章节分析了皇家建筑的色彩体系。重点解析了黄色琉璃瓦（至高无上）与绿色琉璃瓦（王公、园林）的区分使用。同时，详尽解读了官式彩画的种类（和玺彩画、旋子彩画等），阐明了画作中龙凤图案、象征吉祥的动植物纹样，如何通过视觉信息，在不诉诸文字的情况下，强化皇家意识形态的教化功能。 --- 第三部分：天工开物——装饰细节与匠作传承 第七章：石雕的史诗：台基栏板与御道陈设 本书对皇家园林及殿宇前的石雕艺术进行了细致考察。从汉白玉栏板上精雕细琢的蟠龙、云纹、海水江崖纹样，到御道上象征帝王出行的“香案石”和“云龙阶石”，分析了石雕在结构装饰中的作用，以及工匠们如何将神话传说与现实场景熔铸于坚硬的石材之中。 第八章：地面的艺术：铺装与地砖的工艺密码 地面是使用者最直接接触的层面。本章考察了皇家建筑内部的地面处理，包括金砖（御窑特供的方砖）的烧制工艺及其质地特征。分析了不同殿宇地面铺装的材质选择（如殿内木地板的铺设，以及广场石板的排列），揭示了其对建筑声学效果和维护成本的考量。 第九章：匠心独运：营造体系中的组织管理 最后，本书将目光投向了宏大工程背后的组织力量。研究了清代工部工部工程营缮所的职能，以及每年为修缮和新建工程而设立的“官局”的运作模式。通过对史料中对工匠、材料运输和预算控制的记录，勾勒出支撑起这一庞大建筑群的庞大、复杂且高度专业化的国家工程管理体系。 --- 结语： 《琼宇巍峨》不仅是一部建筑技术手册，更是一部结合了社会学、政治学和美学视角的综合研究。它带领读者穿透历史的尘烟，重新审视明清宫殿群落，理解这些人类智慧与权力的结晶，是如何通过精密的结构、等级森严的布局和内敛的象征符号，完美地契合了“君权神授”的政治哲学，构建出中国传统社会中最为极致的“人间天堂”蓝图。

评分☆☆☆☆☆

我收到这本书时，第一印象是它异常厚实，几乎可以当成一个小型雕塑来收藏。我最感兴趣的是它收录的那些相对小众，或是在主流画展中较少露面的作品系列。这些“遗珠”的出现，极大地拓宽了我对该时期艺术生态的认知。通常情况下，画册为了追求市场效应，会集中展示那些“明星作品”，但这本书的编辑显然更具野心，他们致力于构建一个更全面的艺术全景图。在深入研究了其中几组关于早期手稿和私人收藏的图片后，我发现这些作品虽然知名度不高，但它们在技法发展脉络上起到了承前启后的关键作用。这种对艺术史细微之处的挖掘和尊重，让我对这本书的价值有了更深层次的认可，它不仅仅是一本“看图册”，更是一部具有研究价值的参考资料。

评分☆☆☆☆☆

对于我这样经常需要进行设计灵感搜集的从业者来说，视觉冲击力是第一位的。这本书的排版设计可以说达到了教科书级别的范例。它没有采用那种拥挤堆砌的版式，而是给予每一幅重要作品足够的“呼吸空间”。有时候，一幅画作会横跨两页，但装订处的处理非常高明，几乎没有出现那种令人心烦的“中间断层”，使得大尺幅作品的整体气势得以完整展现。这种对阅读体验的极致追求，让我在翻阅时能够全身心沉浸其中，不被无关的边框或过多的文字打扰。这不仅仅是一本画册，更是一本关于如何有效展示视觉作品的实操指南，其对留白和重点突出的把握，是我个人在未来工作中可以借鉴和学习的典范。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我购买艺术类书籍时，最大的顾虑往往是内容的深度和编辑的专业性。很多市面上的画册，要么是图多字少，要么就是文字翻译腔十足，读起来索然无味。然而，这本作品集在文本的处理上给我带来了极大的慰藉。它的学术性是内敛而精准的，既提供了必要的时代背景和流派解析，又避免了过度深奥的理论说教，使得非科班出身的读者也能轻松进入语境。我尤其欣赏它在某些关键画作旁附加的“微观解读”，那种对色彩构成、符号象征和历史典故的细致拆解，让我对一些原本以为自己已经完全理解的作品，产生了全新的认识维度。它真正做到了“导览”，而不是简单地“陈列”，这一点在如今信息爆炸的时代显得尤为珍贵。

评分☆☆☆☆☆

我一直是个对古典主义绘画情有独钟的爱好者，尤其迷恋那种严谨的结构和对人体解剖的精准把握。这本书虽然涉及的风格范畴较广，但其中一些章节对于早期大师的描绘，让我对他们创作时的心境有了新的理解。我特别留意了那些关于草图和未完成稿的收录，这部分内容远比那些光鲜亮丽的成品更能揭示艺术家的创作脉络和反复推敲的过程。从那些略显粗粝的线条和铅笔的痕迹中，我看到了艺术家具备的强大控制力和对形式的不断探索。很多时候，我们只看到了最终的完美，却忽略了背后那无数次的修正和挣扎。这本书的编排巧妙地平衡了成品的美观与创作的艰辛，让读者不仅是欣赏，更是参与到一种智力上的重建过程，这对于我们这些非专业人士来说，是极其宝贵的学习材料。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的装帧简直是艺术品本身，拿到手就能感受到沉甸甸的分量，纸张的质感细腻光滑，即便是对印刷品质要求极高的人也会感到惊喜。色彩的还原度令人惊叹，仿佛可以直接触摸到画布上的笔触和颜料的厚度。我特地将几幅耳熟能详的作品与网上的高清图片进行了对比，深感印刷技术在这次的呈现中达到了一个令人难以置信的高度。特别是那些光影变幻微妙的场景，书中的处理方式让那种空气中流动的光感得以保留，而不是简单地被平面化。虽然我手中的这本书籍更侧重于某个特定的艺术流派，但那种对原作精神的忠实再现，已经足够让人心潮澎湃。翻阅的每一次，都像进行了一次私密的博物馆之旅，细节处彰显着出版方对艺术的敬畏之心，这绝不是那种随便印印就拿出来销售的普通画册可以比拟的，它更像是一份精心策划的艺术品收藏。