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[美] 西娅·韦斯特雷克·瓦格纳 著

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店铺： 雅昌艺术图书专营店

出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534042386

商品编码：1785639248

基本信息

书名： 当代艺术收藏指南 作 者： (美)西娅·韦斯特雷克·瓦格纳 出 版 社： 浙江人民美术出版社 ＩＳＢＮ： 9787534042386 出版时间： 2015年2月 装 帧： 精装 语 言： 中文 开本：32开 页码：307页

内容介绍

《当代艺术收藏指南》是当代艺术购买者的深度指南，揭示了成功收藏家的动机和秘密，同时指导读者构建起独特的，大批量的，甚至是伟大的藏品。本书由艺术顾问西娅·韦斯特雷克·瓦格纳和伊桑·瓦格纳夫妇共同撰写，教你操作当代艺术领域的每一个细节，从评估销售信息、联系画廊到发现、购买极具潜力的艺术品。在本书中，作者生动地描述了全球艺术及收藏领域的动态，概述了杰出收藏家和他们的伟大藏品。对每一位收藏者来说，作者对全球艺术的深刻见解及大量实用性的建议都是不可或缺的。

作者介绍

西娅·韦斯特雷克·瓦格纳，在视觉和表演艺术领域做过多年的志愿者。她于1982年成立了维斯彻思艺术咨询服务中心，为遍布美国和欧洲的收藏者提供建议。同时她也建成了公司名下拥有13000余册图书的图书馆，用于研究和分析。她在举办展览和出版艺术家图书方面拥有三十年的经验。

伊桑·瓦格纳，对于艺术的兴趣同样可以追溯到三十年前，他致力于收藏艺术品、出版艺术家图书、担任作者，同时也参与艺术组织的活动。此前他曾做过国际专业的公共事务顾问， 现在主要打理艺术咨询服务中心的事务，代表公司客户研究艺术市场。瓦格纳夫妇收藏了大量的当代艺术作品，其中的大部分——超过800余件作品，将会与惠特 尼美国艺术博物馆和蓬皮杜中心合作。目前，这两家机构正在策划这些藏品在2015年的展出。

目录

第1章 艺术收藏的美妙
第2章 个人品味和知识
第3章 当代艺术收藏的狂热
第4章 基于预算的收藏
第5章 艺术与金钱、金钱与艺术
第6章 艺术市场的繁荣与萧条
第7章 相关的评论文章
第8章 公共展览和策展实践
第9章 艺术市场导航
第10章 建立一个伟大的收藏
后记
注释
索引
延伸阅读
图片来源

致谢

图书展示

《古籍修复的艺术与科学》 图书简介 这是一部深入探讨古籍文献修复技艺与理论的专著。全书以严谨的学术态度和详实的案例分析，勾勒出中国古代典籍从纸张、绢帛到装帧形式的物质构成，并系统阐述了跨越历史长河的保护、修复与再造工艺。本书旨在为古籍保护工作者、历史文献研究者以及对手工艺有深厚兴趣的读者，提供一个全面、深入且富有实践指导意义的参考框架。 第一部分：古籍的生命脉络——物质基础与历史语境 本部分首先追溯了中国古籍载体的演变史，从早期的甲骨、青铜器铭文，到竹简、木牍，最终确立了以纸张和绢帛为主流的文献载体。重点剖析了不同历史时期纸张制造工艺的地域差异与技术革新，例如东汉的麻纸、唐代的皮纸、宋代的竹纸以及明清时期对纤维素精炼技术的应用。详细介绍了不同纤维原料（如楮皮、檀皮、桑皮、稻草等）对纸张耐久性和物理特性的影响。 其次，书籍的“外衣”——装帧形制的研究被置于重要位置。本书系统梳理了卷轴装、经折装、旋风装、蝴蝶装直至线装的演变过程。每一种装帧形式不仅仅是技术上的迭代，更是社会文化、阅读习惯变迁的物证。我们通过对明清时期文人手抄本、官刻本和坊刻本的装帧细节对比，揭示了不同社会阶层对书籍物质形态的需求与审美取向。例如，对蝴蝶装“以印代抄”过程中，纸张对折与裁切工艺对书籍整体强度的影响进行了力学分析。 第二部分：病理诊断——古籍的“疾病”谱系 修复工作的前提是对“病灶”的精确识别。本部分构建了一个详尽的古籍病害分类体系，涵盖了生物性、物理性和化学性三类主要病害。 生物性病害：着重分析了霉菌、虫蛀（以蠹虫为主）对纸张纤维素的侵蚀机理。详细描述了不同气候带环境下，真菌孢子萌发所需的温湿度条件，以及不同蠹虫（如衣鱼、书虫）的生命周期与危害特征。书中配有高倍显微照片，直观展示了虫蛀孔洞的结构和纤维受损的微观形态。 物理性病害：涵盖了装订松脱、纸张脆化、折痕断裂、页面移位等问题。通过对不同年代用纸的拉伸强度和撕裂韧性测试数据，解释了为何某些朝代的书籍更容易在翻阅中损坏。特别探讨了“酸化”这一长期困扰古籍保护的化学问题——纸张中残余的酸性物质如何催化纤维素的水解，导致纸张快速变黄、变脆。 化学性病害：聚焦于墨水与颜料对纸张的腐蚀。书中详细分析了乌金墨（铁胆墨）中的铁离子与纸张的反应，以及朱砂（硫化汞）在特定光照或湿度条件下可能发生的变色或渗化现象。此外，还探讨了早期修补材料（如淀粉胶、动物胶）老化后对原书造成的二次损害。 第三部分：精微之术——修复工艺的科学与传统 本部分是全书的核心，详细介绍了当代古籍修复的原则、技术与流程，强调“可逆性”和“最小干预”的现代修复理念。 基础准备与材料学： 修复始于材料的精准选择与制备。详细阐述了如何依照原书的纤维结构，手工抄制或打浆，以求得与原纸在吸水性、透明度和强度上高度一致的“补纸”。对各类天然粘合剂（如小麦淀粉胶、柿蒂膏、鱼皮胶）的熬制浓度、过滤精细度以及适用场景进行了量化描述。 “手术”流程的解构： 1. 清理与去污： 介绍采用化学和物理方法分离污渍。物理方法包括精确的干刷、吸附性材料（如橡皮泥、脱脂棉）的运用；化学方法则侧重于局部、微量的水洗脱酸处理，并强调水质控制在去离子状态。 2. 裁切与配纸： 阐明了根据破损边缘的纹理走向来确定补纸裁切方向的重要性，这是保证修复后强度与弹性的关键。 3. 粘接与平整： 详细讲解了“铺纸”技术，即如何使用特制的工具和适当的力度，将补纸与原纸的破损边缘完美融合，避免“浮胶”和“起皱”。对蝴蝶装的书页修补，尤其强调了中缝的力度控制，以确保书籍打开时的自然弧度。 4. 虫蛀与空洞的填补： 对于结构性缺失的部位，介绍了“接纸”和“镶嵌”技术。镶嵌要求修复者具备极高的手眼协调能力，使新纸片与原纸的厚度、平整度达到无缝衔接的效果。 5. 重新装帧与加固： 探讨了在保持原装帧风格的前提下，对书脊、书 оболо的纤维进行加固的技术。例如，使用细丝线在书脊内层进行“穿筋”加固，以及如何处理因虫蛀导致的封面或扉页残损问题。 第四部分：传承与展望——古籍修复的未来视野 本部分超越具体技术层面，探讨了古籍修复在新时代的挑战与机遇。 首先，详细介绍了无损检测技术在古籍保护中的应用，如红外反射、紫外荧光成像在揭示隐写文字、检验修补痕迹方面的作用。其次，探讨了数字化存档与实体修复之间的关系，两者并非替代，而是相互印证。 最后，本书强调了修复师的伦理责任，即“存真”原则的绝对性。任何修复行为都必须留下清晰的“手术记录”，确保后世研究者能够区分原物与修复部分。对青年修复人才的培养路径和专业素养提出了期望，认为古籍修复不仅是技术，更是一种对文化历史的敬畏与耐心。 全书配有数百张清晰的图例，涵盖了从显微结构到完整书页的各个修复阶段，是理解和实践中国古籍保护艺术的权威参考读物。

评分☆☆☆☆☆

令人称奇的是，这本书在探讨艺术与前沿科技的融合方面，竟然做到了预见性极强。它不仅仅是简单地罗列了那些使用VR、AR或者人工智能创作的案例，而是深入剖析了这些新技术对人类感知和艺术本体论提出的根本性挑战。作者没有被技术的炫目外表所迷惑，而是冷静地探讨了当作品的生成过程被算法接管后，我们该如何定义“作者身份”和“原创性”。书中对“数字永恒性”的讨论尤其发人深省，在数据易逝、媒介更迭飞快的今天，如何确保那些依存于特定软件或硬件的数字艺术品能够长久地被观看和理解？这种对艺术品“寿命”的哲学思考，远超出了寻常的收藏指南所能触及的深度。整本书在理论和实践之间保持了一种精妙的平衡，它既提供了欣赏艺术的工具，也提供了质疑艺术本身的批判性思维框架，这种双重功能，使得它成为一本可以反复阅读并每次都能获得新启发的宝贵资源。

评分☆☆☆☆☆

这本书在跨文化艺术交流的呈现上，展现出了一种令人耳目一新的全球视野。它打破了长期以来以西方为中心的艺术史叙事框架，大胆地将目光投向了亚洲、拉丁美洲乃至非洲当代艺术家的创作实践。尤其是关于“身份政治”在不同地理区域的变奏，书中通过对比数位来自不同文化母体的艺术家的作品，揭示了在后殖民语境下，艺术如何成为抵抗、重塑自我叙事以及争取话语权的重要工具。我印象最深的是其中对某位东南亚艺术团体如何利用传统民间仪式元素，解构国家意识形态宣传的案例分析，其文字的描述充满力量感，将艺术行为的社会干预性展现得淋漓尽致。这种广阔的视野，极大地拓宽了我对“当代艺术”边界的理解，让我意识到，艺术的活力和创新往往孕育在那些尚未被全球主流话语充分“驯化”的角落。这本书促使我去重新审视自己对艺术地域性的刻板印象，并开始主动去发掘那些发声渠道相对有限却极具潜力的艺术声音。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格极为个人化，读起来一点也不像一本严肃的“指南”，更像是一位经验丰富、见多识广的朋友在私下里向你娓娓道来他的收藏心得和对艺术的独特见解。语言充满了灵动和幽默感，那些原本可能枯燥的理论概念，被他用生动的比喻和充满生活气息的观察点活了。比如，他对某位观念艺术家作品的评价，竟然将其比作“在一次盛大的晚宴上突然被要求在餐盘里找回自己的童年记忆”，这种带着戏谑和深思的表达，让人会心一笑之余，对作品的荒谬感和深刻性有了更直接的体悟。书中对于收藏实践层面的探讨也相当接地气，他没有停留在理论的象牙塔中，而是深入剖析了艺术品市场中的泡沫、炒作以及如何辨识真正具有长远价值的作品，这些实用性的经验谈，对于刚刚踏入收藏领域的“菜鸟”来说，简直是及时雨。这种坦诚和毫无保留的分享，建立起了一种强烈的信任感，让人感觉作者不是高高在上的导师，而是愿意携手同行的伙伴，一起探索这个复杂而迷人的艺术世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是视觉的盛宴，那种低饱和度的色彩搭配和充满实验性的排版，让人一翻开就感觉自己置身于某个前卫画廊的静谧角落。纸张的选择也非常考究，触感温润而有分量，即便是反复翻阅，那些精美的印刷图片依然清晰锐利，色彩还原度极高。尤其是那些全幅面的当代摄影作品，细节的层次感被完美地捕捉，即便是屏幕上无法企及的质感，也能通过这实体书本得到最好的呈现。作者在选择收录的作品时，明显展现出了一种对“被忽视的”艺术家的偏爱，那些并非主流媒体热衷追捧的名字，却在他们的作品中找到了深刻的时代回响。这不仅仅是一本图录，更像是一场精心策展的迷你双年展，引领着我们穿梭于不同媒介和文化背景的艺术现场。我尤其欣赏其中对于材料运用的细致描述，比如某位雕塑家如何处理回收塑料和传统大理石之间的张力，那种文字的描摹，几乎可以让我们在脑海中重构出作品的三维空间感。这本书的版式设计有一种疏离的美感，留白恰到好处，不会让人感到拥挤，反而为每一件作品都提供了足够的“呼吸空间”，使得观赏过程变成了一种沉思和冥想的体验。

评分☆☆☆☆☆

初读这本书的感受，就像是迷失在一个充满迷雾的知识迷宫中，但迷雾并非源于晦涩难懂，而是信息量的巨大和知识体系的复杂交织所致。作者在梳理不同艺术流派的演变脉络时，采取了一种非常非线性的叙事手法，这对于习惯了传统时间轴叙事的读者来说，或许一开始会有些挑战。然而，一旦适应了这种跳跃式的思维结构，便能体会到其中蕴含的深刻逻辑——艺术史的发展从来都不是一条直线，而是无数次碰撞、融合与反叛的叠加。我花了整整一个下午的时间，才勉强理清书中关于“后数字美学”和“生物艺术”之间微妙的继承与决裂关系。书中穿插的那些历史文献摘录和艺术家的手写信件片段，极大地增强了文本的现场感和真实性，仿佛能听到几十年前那些艺术家们在工作室里激烈的争论声。这本书的学术深度毋庸置疑，它没有试图用简化的语言来迎合大众，而是坚持用严谨的理论框架去构建对当代艺术现象的解读，这对于希望进行深入研究的爱好者来说，无疑是一份扎实的基础。