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赵广超著 著

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出版社： 故宫出版社

ISBN：9787513409551

商品编码：18476858982

出版时间：2017-05-01

作  者:赵广超 著 定  价:160 出 版 社:故宫出版社 出版日期:2017年05月01日 页  数:334 装  帧:精装 ISBN:9787513409551 ●序（我叫做江行初雪）
● 耳鑑·众山皆响
●第二章 春天·风格
●第三章 有这麽的一条线
●第四章 有这麽的一枝笔
●第五章 甚麽人在议论纷纷·说『六法』
●第六章 看得见的气·看不见的韵
●第七章 墨水和水墨·纸
●第八章 山水工程（有）
●第九章 甚麽意境
●第十章 真相大白
●第十一章 山水工程（无）
●第十二章 几个文人和几幅文人画
●第十三章 写字
●第十四章 一天·五百件
●第十五章 个个都有点忧鬱
●第十六章 文质彬彬赵孟頫·七八九十徐文长
●后记、参考书目
●作者简介

内容简介

赵广超著的《笔纸中国画（精）》内容上以宋代有名文人画作品为例，作者循着自己的思路进行发散思考，由此勾勒出中国传统绘画艺术的人文精神内涵，内容新颖明快，具有设计感和现代气息，对于当下年轻人群具有其独特的吸引力。 赵广超 著 赵广超，生于香港，早年留学法国，现从事艺术、设计教育及著述工作。二〇〇一年成立设计及文化研究工作室。曾任二〇一〇年上海世博会中国国家馆“城市发展中的中华智慧”研讨会顾问及“智慧长河”展项展示深化设计专家顾问。中国中央电视台9纪录频道《故宫100》百集纪录片艺术顾问。

翰墨丹青：中国传统绘画的时代回响 一部关于中国古代绘画流派、技法演变及审美哲学的深度探索之作 本书并非聚焦于单一的绘画形式或特定的创作工具，而是旨在构建一个宏大而精微的中国传统绘画史诗。我们把目光投向魏晋风骨的初现，直至清末民初的变革浪潮，力求勾勒出中国艺术精神在时间长河中的蜿蜒曲折与不朽光华。 本书的核心在于对“意境”与“笔墨精神”的深度剖析。中国画的精髓，从来不在于对形体的机械模仿，而在于通过线条的提按顿挫、墨色的浓淡干湿，来传达画家对宇宙万物的理解与情感的寄托。 第一部：源起与奠基——气韵生动的精神内核 本部分追溯中国绘画的源头，从岩画的原始生命力，到帛画、壁画的早期实践。重点探讨了自魏晋南北朝以来，画家们如何从“人物志向”转向“山水之乐”。 1. 曹衣吴带，顾盼神飞：人物画的叙事传统 顾恺之与“传神论”： 深入解析“以形写神”的理论基础，探讨线条在塑造人物性格和精神状态上的关键作用。我们考察了早期道释画与世俗画中，画家如何用看似简练的线条表达复杂的情感层次。 吴道子与“吴带当风”： 分析唐代人物画的革新，特别是吴道子如何将道家哲思融入笔法，使衣带产生飘逸、律动的空间感，为后世山水画的“气势”奠定了基础。 2. 王维的诗意觉醒：山水画的独立宣言 “诗中有画，画中有诗”的理论实践： 阐述盛唐时期，山水画从背景陪衬地位上升为独立画科的社会文化背景。重点剖析王维如何以禅宗的空灵境界融入山水创作，确立了水墨写意的初步方向。 荆浩、关仝的北方山水雄浑之气： 考察五代时期，北方山水画家如何以“大斧劈皴”等技法，表现泰山、华山等北方山脉的磅礴气势与坚硬质感，形成了早期山水画的两种基本母题——雄伟与秀润。 第二部：技法与格局——宋元画派的鼎盛与分野 宋代是中国绘画的黄金时代，理论体系的成熟与院体风格的规范化，使得山水、花鸟画的技法达到了前所未有的高度。 1. 北宋：院体之精与写生之变 范宽的“高、远、深”： 详细解析范宽如何通过独特的“雨点皴”表现秦岭山川的厚重与苍茫，其作品中体现的“可行、可望、可游、可居”的审美诉求。 李成、郭熙的理学渗透： 探讨郭熙《林泉高致》如何将理学思想（如“卧游”）融入山水创作理论，并用“卷、 Dapat、悬、仰、俯”等视角来构建多层次的空间结构。 2. 元代：文人画的兴起与个性解放 “以书入画”的革新： 重点剖析“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）如何将书法中的笔法直接用于描绘物象，使线条成为表达性情的载体。倪瓒的“折带皴”和稀疏布局，如何体现其遗世独立的文人情怀。 赵孟頫的复古与中和之美： 考察赵孟頫倡导的“复古”思潮，及其如何强调笔墨的“用笔中锋”和“气韵和谐”，避免了院体画的匠气。 第三部：变革与融汇——明清画坛的多元探索 明清两代，随着市民阶层的壮大和商品经济的发展，绘画风格趋向多元化，既有对传统技法的继承与发扬，也有对笔墨语言的极度个人化探索。 1. 明代：浙派的雄健与吴门画派的雅逸 戴进、吴伟的浙派： 分析以戴进为代表的浙派如何继承北宋遗风，在院中强调笔墨的奔放与洒脱，具有较强的“动感”。 沈周、文徵明的吴门画派： 深入比较文徵明在笔法上的工整严谨（承袭董源、巨碑）与沈周在墨法上的浑厚苍润（融入米芾、苏轼），探讨吴门画派如何将文人情趣推向极致。 2. 清代：四王的正统与个性解放的先声 “正统”的理论构建： 详细审视王时敏、王鉴、王原祁、王翚等“四王”如何系统整理前代笔墨，特别是王原祁如何将元代笔法理论化、程式化，形成了清代官方推崇的“正统”画学。 个体的呼喊： 重点分析以八大山人（朱耷）和石涛（原济）为代表的“异数”。八大山人的极简笔墨与象征性结构，如何传达亡国之痛与精神的孤独；石涛“一画论”中对“无法之法”的追求，如何打破藩篱，为近现代中国画的革新埋下伏笔。 第四部：笔墨的哲学与媒介的探讨 本书的最后一部分，将视角从历史叙事转向本体论的思辨，探讨中国画所依赖的独特媒介和哲学基础。 “皴、擦、点、染”的结构语言： 细致区分不同“皴法”（如披麻皴、荷叶皴、折扇皴）的物理意义与情感意义，揭示它们是如何对应于不同地域山川的质地。 墨分五色的奥秘： 探讨水与墨在宣纸上的相互作用，以及画家如何调控墨色以表现光影、湿度和空气感，这是西方油画技法难以企及的层次感。 画论中的“气”与“道”： 总结历代画家对“气韵生动”、“以神写形”等概念的诠释，阐明中国画是如何通过对自然秩序的体悟，实现人与自然的精神对话。 本书旨在为读者提供一个立体、纵深且充满思辨性的中国绘画图景，而非仅仅是工具或技法的罗列。它是一部关于线条的哲学、墨色的诗篇，以及一个古老文明如何通过视觉艺术来承载其内在精神世界的深度考察。

评分☆☆☆☆☆

作为一名常年在世界各地收集艺术出版物的藏家，我对书籍的印刷质量和内容深度都有着近乎苛刻的要求。这本书在多方面都超出了我的预期。首先，墨色的还原度极高，即便是最淡的渲染层次，也能清晰地分辨出墨的浓淡干湿变化，这对于研究水墨画的精微之处至关重要。其次，它收录的作品题材非常多样，从气势磅礴的巨幅山水到精巧雅致的花鸟虫鱼，涵盖了不同流派和时代的风格特征，为研究中国绘画的演变脉络提供了丰富的视觉资料。我特别注意到书中对一些经典作品的细节放大图处理，这些细节展示了画家运笔时的微妙控制，是普通欣赏中很难察觉的宝贵信息。这本书的编纂者显然是下了大工夫进行甄选和考证的，它不是简单地堆砌图片，而是有清晰的脉络和学术思考贯穿其中。对于希望深入了解中国传统绘画技法与审美范式的专业人士来说，这本书的参考价值是无可替代的，它是一部值得反复研读和收藏的重量级出版物。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是艺术品级的存在，拿在手里就有一种沉甸甸的文化质感。我关注到扉页和内文的字体选择非常考究，既有古典韵味又不失易读性，体现了出版方对传统文化的敬畏之心。更值得称赞的是，它在内容编排上展现出极高的专业水准和人文关怀。对于不同题材的作品，作者似乎精心设计了阅读的节奏，有时候是连续展示几幅风格相近的作品供人比较，有时候又穿插一段关于特定绘画理论的讲解，使得知识点的吸收更加自然。我个人对其中对水墨在不同介质上表现的研究很感兴趣，那些关于宣纸、绢本乃至其他特殊载体上墨韵变化的描述，让我对材料学在艺术中的运用有了更深的理解。这本书的整体调性是内敛而高雅的，它不追求哗众取宠的鲜艳色彩，而是用最纯粹的笔墨语言，讲述着关于时间、空间与生命永恒的思考。对于任何热爱东方美学、追求心灵滋养的读者来说，这本书都是一个值得投入时间和精力去细细品味的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

这本画册简直是艺术的盛宴！从拿到手的那一刻起，我就被它精美的装帧和考究的选材所吸引。内页的纸张质感非常出色，光滑而又不失细腻，完全能够承载起那些细腻入微的笔触和层次丰富的墨色。我尤其欣赏其中对传统绘画精神的深入挖掘，它不仅仅是展示作品，更像是在引导读者去体会画家心中的那份山水情怀和人文精神。那些远山叠嶂、近水含烟的描绘，仿佛能将人瞬间拉入一个宁静致远、空灵飘逸的境界。每一幅作品的留白处理都堪称一绝，那种“计白当黑”的智慧，让画面充满了呼吸感和无限的想象空间。即便我对中国画的了解不算精深，也能清晰地感受到作者在构图上的匠心独运，无论是对立体的空间把握，还是对动态的瞬间捕捉，都展现了极高的专业水准。这本书的装帧设计也很有品味，古朴中透着现代的简洁，无论是放在书架上还是在阅读时翻阅，都让人心情愉悦。它不只是一本图录，更像是一部可供反复品味的艺术教科书，让人在欣赏美的同时，也能感受到东方审美的独特魅力和深厚底蕴。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书原本是抱着试试看的心态，因为市面上很多所谓的“国画入门”书籍都流于表面，华而不实。然而，这本书彻底颠覆了我的看法。它最吸引我的地方在于，它没有强行要求读者去模仿某位名家的特定风格，而是鼓励你找到自己与自然、与笔墨之间的连接点。书中穿插了一些关于文人画精神的解读，让我明白了为什么中国画追求的不是逼真的再现，而是“神似”而非“形似”。这种思维上的引导，比单纯的技法讲解更为重要。我特别喜欢其中对于“气”的阐释，如何通过线条的张力来表达内在的情感和生命力，这真的非常启发人心。每次翻开这本书，我都能感受到一种沉静的力量，它让我慢下来，去观察一片叶子的脉络，去体会一滴水墨在宣纸上洇开的瞬间，这种对过程的尊重和对细节的关注，是现代快节奏生活中非常稀缺的体验。它更像是一位循循善诱的老师，而非冷冰冰的教材。

评分☆☆☆☆☆

我是一名从小就对色彩和线条着迷的爱好者，最近开始尝试接触更为深沉的东方艺术表达，这本书的出现简直是为我打开了一扇全新的大门。它不像市面上很多教程那样只教你“怎么画”，而是花了大量篇幅去阐述“为什么要这样画”。书中对不同纹理的皴法进行了非常细致的解析，比如披麻皴的力度变化如何影响山石的厚重感，斧劈皴如何营造出峭拔险峻的姿态，讲解得深入浅出，即便是初学者也能窥见门径。更让我惊喜的是，它对“意境”的探讨，强调了绘画中“气韵生动”的重要性，这超越了单纯的技术层面，触及到了哲学和心性的层面。我翻阅时，会特意将注意力集中在那些看似随意却又无比精准的点睛之笔上，比如一棵遒劲的松树，几笔淡墨勾勒出的飞鸟，都为画面注入了生命力。这本书的排版也很有节奏感，黑白灰的对比处理得恰到好处，使得每一页的阅读体验都十分流畅，让人忍不住一页接一页地沉浸其中，感受那份来自东方笔墨的强大张力。