东魏北齐庄严纹样研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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苏铉淑 著

图书标签:

• 东魏北齐
• 庄严纹样
• 纹样研究
• 北朝艺术
• 石刻
• 佛教艺术
• 装饰艺术
• 历史文化
• 考古学
• 艺术史

出版社： 文物出版社

ISBN：9787501023134

版次：1

商品编码：10164379

包装：平装

丛书名： 考古新视野丛书

开本：32开

出版时间：2008-01-01

页数：284

正文语种：中文

内容简介

　　本文以中国历史上南北朝时期北方东魏北齐（534～577年）佛教石造像及墓葬壁画中的纹样作为研究对象，由两部分组成。
　　上编，“纹样概要研究”。在收集材料的基础上，通过考古学的类型学分析，对东魏北齐纹样进行综合梳理，初步建立该时期纹样的基本框架。并归纳出此时期纹样的大体特征及东魏北齐境内各地区纹样的特征。
　　纹样的盛衰及演变过程与当时信仰、意识形态以及历史文化的变化有密切的关系。因此，在下编“重点纹样研究”中，主要讨论纹样的宗教及社会含义。我们选择三种较为流行的佛教纹样，如宝塔纹、宝珠纹以及双树纹，从形制分析着手，显示出这些纹样的时代、地区特征。尔后运用图像学及历史社会学的方法，探讨这些纹样出现的背景、含义、社会功能以及宗教艺术与墓葬艺术之间的互动等。
　　本文按文献及实物的考证，认定这一时期流行的覆钵顶单层宝塔纹很大程度上就是阿育王塔。而且论证东魏北齐境内阿育王塔的流行，与北齐皇室的转轮圣王统治思想关系密切。这一时期宝珠纹的最大特点是将宝珠置于柱头上，可以说是“珠柱”或“宝幢”。按佛经的记载，宝幢通常立于佛国净土，所以它的盛行反映东魏北齐时期净土信仰的发展情况。由于山水文化的发展，且在涅磐信仰的影响下，在定州地区双树纹很盛行。

作者简介

　　苏铉淑，1964年生于韩国全州。1986年毕业于首尔西江大学历史系。1999年毕业于梨花女子大学美术史系，获文学硕士学位。2006年毕业于中国社会科学院研究生院考古系，获历史学博士学位。1989年至2001年在《首尔新闻》当记者。现任梨花女子大学研究生院讲师。主要研究方向为汉唐考古与美术史。曾发表《东魏北齐宝塔纹研究》、《响堂石窟火焰宝珠纹研究》、《中国南北朝时代宝珠纹研究——以墓葬美术为中心》、《北响堂石窟北洞的转轮圣王象征》（后两篇论文以韩文发表）等论文。

目录

引论
一研究对象和研究意义
二东魏北齐佛教石造像与壁画墓的发现及研究
1. 佛教石造像的发现与研究状况
2. 壁画墓的发现与研究状况
三关于研究方法
上编纹样概要研究
第一章佛教造像
一邺城地区
二太原地区
三青州地区
四定州地区
第二章壁画墓
一墓道
二甬道
三墓室
下编重点纹样研究-
第一章宝塔纹的形制特征与含义
一南北朝晚期宝塔纹的形制特征
1. 南朝（梁）
2. 北魏
3. 东魏北齐
4. 西魏北周
二（覆钵顶）单层方塔的含义
1. 多宝塔
2. 阿育王塔
三宝塔纹的流行背景
1. 阿育王塔信仰与北齐皇室
2. 佛国土的象征物
3. 佛舍利塔的礼拜与除诸障碍
四小结
第二章佛教艺术中的宝珠纹～以响堂石窟"珠柱"为中心
一北朝晚期诸石窟宝珠纹的形制特征
1. 龙门、巩县石窟
2. 响堂石窟
3. 麦积山石窟、敦煌莫高窟
二响堂石窟宝珠纹的来源及含义
1. 在中国，"珠柱"的出现
2. 作为净土的象征物宝幢"珠柱"
3. 阿育王柱和响堂石窟的"珠柱"
三小结
第三章树木纹一以定州地区双树纹为中心
一“圣树”的形式
1. 中原式圣树
2. 芒果系圣树
二南北朝时期树木纹流行的情况及其背景
三从树木纹到双树纹的转化：“双林”与净土思想
五关于“龙树”
第四章墓葬艺术中的宝珠纹
一　南北朝时期墓葬艺术中的宝珠纹
1.墓室壁画（画像砖）
2.墓碑与墓志盖
3.石棺与石棺床
二　宝珠作为日月与璧的代替物
1.日月
2.璧
三在墓葬艺术中宝珠纹流行的背景
1.佛教艺术的影响
2.宝珠的圆形化和中国内地胡人的活动
四小结
结语
参考文献
后记

精彩书摘

　　定州系佛教造像以曲阳黄山、嘉山之白玉石为材料雕刻，在北朝晚期，尤其东魏北齐佛教美术考古上占有特殊的地位。“定州系佛教造像”除当地之外还流布到周围地方，从考古发掘情况看，主要分布于以定州为中心的华北平原北部及太行山东麓地区，南至河北临漳，东自山东无棣，西及山西昔阳。
　　定州系白玉石佛教造像在清晚期已有零星发现，而20世纪初瑞典学者喜龙仁刊布了若干像例。但从上世纪50年代曲阳修德寺址造像发现以来陆续出土了许多同一风格造像，这点使我们能够大致了解东魏北齐定州系佛教造像的概貌。
　　1953年在河北曲阳修德寺址出土了2200余件造像及残件，有纪年造像至少达247件，包括北魏、东魏、北齐、隋和唐5个朝代。包括北魏晚期17件，东魏40件，北齐101件，隋8l件，唐8件，东魏至北齐即北朝晚期的造像数量最多。此外，1978年在藁城县贾同村建忠（中）寺遗址出土了一批石造像，1994年在定州市发现6件石造像。
　　除定州地区之外，1979年在山西昔阳出土了4件白玉石佛教造像，河北临漳县邺城地区出土了16件白玉石佛教造像及残件，1983年在山东无棣县发现7件白玉石造像。

前言/序言

　　苏铉淑于五年前由韩国首尔负笈北京，到中国社会科学院研究生院考古系研读博士学位。所著《东魏北齐庄严纹样研究》，是她以博士学位的论文为基础，精心修润而成，也是积五年的辛劳与汗水酿造的学术成果。
　　本部论文以佛教石造像及墓葬壁画为中心，在对目前中国北方考古发现的东魏北齐佛教石造像标本，以及东魏北齐壁画墓的考古发掘资料，进行全面梳理的基础上，结合这一时期的佛教石窟寺遗存，以及中外博物馆的有关藏品，进行了考古学的分区分期研究，初步建立了这一时期装饰纹样发展演变的基本框架，在此基础上选取其中的典型纹样，再进行深入探究。
　　东魏北齐时期，在中国古代文化史上，是一个充满变革和创新的时代。在鲜卑族统治下，民族间和地域问，传统的和新兴的，中土的和西来的，文化交往错纵复杂而且富于变化，在不断的互动、碰撞和融合中，孕育着更加宏丽的新文化。所以陈寅恪先生在考述隋唐制度渊源时，十分注重高齐一代，因其承袭元魏及所采用东晋南朝前半期文物制度，且容括魏晋以降保存于河西的文物制度。同时高齐除承袭元魏外，也还不断吸收南朝的文化新风，且因其上层统治者的“胡化”，又重新导人了自西域转入的西来影响。

巍巍华章：中国古代服饰文化通考 著者： [此处留空，或填写虚构的专家姓名] 出版社： [此处留空，或填写虚构的权威出版社名称] 字数： 约 1500 字 --- 内容提要 《巍巍华章：中国古代服饰文化通考》是一部深入剖析中华文明五千年服饰演变历程的巨著。本书旨在超越对服饰形制的简单罗列，着重探讨服饰作为一种物质载体，如何映照出特定历史时期的社会结构、政治哲学、礼仪制度、审美观念乃至技术发展。全书以时间为轴，系统梳理了从先秦的“深衣”萌芽，到秦汉的“章服制度”确立，经魏晋南北朝的胡汉融合与风格蜕变，历唐宋的雍容华贵与理学约束，再至明清的等级森严与工艺巅峰，直至近代服饰的变革与转型。 本书的独特之处在于其跨学科的综合研究方法。作者广泛借鉴了历史学、考古学、人类学、艺术史、社会学等多领域的研究成果，结合出土文物、壁画、传世绢本画作以及大量文献记载，力求还原古代服饰的真实面貌及其背后的文化意涵。 第一编：服饰的起源与早期形态（先秦至秦汉） 本篇聚焦于中国服饰制度的奠基阶段。 第一章：衣冠之始：史前至夏商周 追溯服饰的物质起源，从植物纤维、动物皮毛的原始利用，探讨早期纺织技术的萌芽。重点分析了“礼制”观念如何在周代渗入服饰领域，形成最早的“朝服”、“祭服”与“常服”的区分。章服制度的初步建立，标志着服饰开始成为区别身份、界定等级的工具。分析了“玄衣裳”等基本形制的文化内涵。 第二章：一统与规范：秦汉服制的确立 秦朝的统一为服饰制度的标准化提供了可能。本书详细考证了汉代“深衣”的结构演变，以及官服色彩的初步制度化（如冕服的等级区分）。重点剖析了汉代社会对“雅正”审美的追求如何体现在服饰形制上，以及丝绸之路开辟后，外来服饰元素对汉代服饰的影响与吸收。 第二编：融合与革新（魏晋南北朝至隋唐） 本篇着重探讨在民族大迁徙与文化碰撞中，服饰所展现出的强大生命力和适应性。 第三章：胡汉交融的时代：魏晋南北朝的服饰风貌 分析了北方游牧民族的服饰文化（如裤褶、窄袖）如何传入中原，与汉族传统服饰发生激烈碰撞并相互融合。探讨了“褒衣博带”的审美倾向如何反映出士人对传统制度的反思与个性解放，以及佛教艺术对服饰图案和色彩的影响。 第四章：盛世霓裳：隋唐服饰的开放与鼎盛 唐代是中国古代服饰艺术的巅峰期之一。本书细致描摹了唐代女性服饰的“胡风”影响，如坦领、窄袖、高腰襦裙的流行，并探讨了这种开放性背后的社会原因——女性地位的相对提高和文化自信。对唐代官服的品色制度进行了详尽梳理，特别是武周时期服饰的创新与变化。同时，探讨了织锦、刺绣工艺在唐代的空前繁荣如何支撑起华丽的服饰风格。 第三编：内敛与精微（宋代至元代） 本篇侧重于理学兴起对服饰审美带来的影响，以及技术与制度的深化。 第五章：清雅内敛的宋代衣冠 宋代服饰风格趋向于质朴、内敛与精致。本书分析了宋代士大夫阶层对“古朴”的推崇如何导致服饰形制的回归与简化，如公服的“褙子”形态的确立。重点考察了宋代服饰中对纹样的精细化处理，尤其是对自然花卉、几何纹的写实描绘，体现了宋人对“格物致知”的追求。 第六章：多元并蓄：元代服饰的过渡性特征 分析了蒙古族服饰（如辫线袍）对汉族服饰体系的冲击与整合。探讨了元代官服制度中，等级标识的强化，以及少数民族服饰元素在宫廷服饰中的渗透，为明代服饰的全面恢复奠定了基础。 第四编：制度的回归与工艺的极致（明清） 本篇关注封建制度的最后辉煌期，服饰成为皇权与等级最直接的宣示工具。 第七章：重塑汉仪：明代服饰的复古与定型 明代恢复了汉族传统服饰制度，并在继承中进行了创造。本书对“曳撒”、“道袍”、“比甲”等服饰的结构变化进行了详尽的考证。重点分析了“补子”制度的成熟及其在文武官阶层中的严格执行，以及“飞鱼服”、“麒麟服”等特务机构服饰的特殊性。同时，深入研究了明代织绣工艺（如缂丝、平绣）的登峰造极，以及其对丝绸贸易的影响。 第八章：集大成的变革：清代服饰的满汉冲突与定型 清代服饰是古代服饰史的终结篇，也是汉满文化冲突与融合的集中体现。本书详述了“剃发易服”后，以“马褂”、“长袍”、“旗装”为核心的满族服饰体系如何成为主流，并解析了这一政治行为对国民服饰观念的深远影响。着重分析了清代官服（如朝珠、翎顶）的复杂等级系统，以及民间服饰在江南等地的“半汉化”抵抗与适应。本书对清代宫廷服饰的刺绣工艺、特别是盘金绣和堆绫绣的精湛技艺进行了细致的图文解析。 结论：服饰的文化史学意义 全书最后总结了中国古代服饰文化在“礼制”、“实用”、“审美”三个维度上的长期演变规律，论证了服饰史是研究中国社会变迁最直观的切面之一。 --- 装帧与特色： 本书配有数百幅高清文物图版、复原图及细节描摹图，确保读者能够直观地了解服饰的结构、纹样与色彩。图文并茂，兼具学术严谨性与阅读欣赏性。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的书籍初看起来像是那种只适合专业研究人员的学术专著，但我一翻开，就被它那种细致入微的考证精神所吸引了。尤其是在讨论到早期佛教造像中的装饰母题时，作者对不同时期、不同地域风格的演变进行了近乎“显微镜式”的梳理。比如，书中对于“连珠纹”在北朝晚期石刻上如何从单纯的几何装饰，逐渐融入了更为复杂的象征意义，甚至与当时的社会阶层和宗教信仰产生了微妙的关联，这部分分析得极其到位。作者并没有满足于对纹样表层形态的描述，而是深入挖掘了其背后的文化语境。我特别欣赏作者在文字中流露出的那种对古代匠人群体智慧的敬畏，仿佛能透过冰冷的石头，触摸到那些工匠们在雕刻时，指尖传来的力度与温度。全书的论证过程逻辑严密，引用了大量鲜为人知的出土文物图录和地方志资料，阅读起来需要高度集中精神，但一旦被其构建的学术体系所俘获，便会发现这是一场知识的盛宴，让人对那个特定历史时期的艺术表达有了全新的认识。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常精妙，层层递进，如同剥洋葱一般，由表及里地揭示了纹饰背后的复杂肌理。我特别欣赏它在处理“地域性差异”时的审慎态度。作者并没有急于下一个绝对化的结论，而是清晰地勾勒出不同地区——比如黄河流域和长江流域的风格差异——是如何受到地方性材料和不同程度的胡汉文化交流影响而产生微妙的分野。这种细腻的处理方式，避免了将复杂的历史现象简单化、脸谱化的倾向。对我个人而言，最受启发的是关于“重复母题”的章节。作者分析了为什么某些纹样必须以重复的形式出现，这背后可能涉及的是对宇宙秩序的模拟、对宗教力量的祈求，还是仅仅出于一种视觉平衡的需求？书中提供了多维度的解释框架，鼓励读者进行批判性思考，而非全盘接受既有观点。这是一本能让人在阅读过程中不断与作者进行智力对话的书籍。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学养深厚，令人敬佩，但更让我感到亲切的是，作者在行文中始终保持着一种对“美学体验”的关怀。即便是在最严谨的考据部分，文字也绝不板滞。比如，当描述某一种螺旋状云气纹如何体现出一种向上的、蓬勃的生命力时，作者的遣词造句中充满了对线条力量的赞叹。这种兼具理性和感性的叙事风格，使得即便是对于纹样研究不甚了解的普通读者，也能从中获得审美上的愉悦。它不仅仅是提供知识，更是在唤醒我们对古代艺术形式的直观感受力。全书的论证脉络清晰，即便涉及复杂的符号学解读，也能用清晰的语言进行阐释，极大地降低了理解门槛，让复杂的古代艺术语言变得平易近人，可以说是一次非常成功的学术普及与专业深耕的完美结合。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本以为这是一本枯燥的图录汇编，毕竟“纹样研究”听起来就和堆砌图片、罗列特征画等号。然而，这本书的叙事手法相当高明，它更像是一部以纹样为线索串联起来的社会史或思想史。阅读过程中，我时常产生一种“原来如此”的顿悟感。比如，书中对于某些特定动物纹样——比如某种程式化的龙凤形象——如何从汉代的雄浑转向北朝时期的清瘦与灵动，作者没有停留在美术史的范畴，而是将其置于民族融合、文化交替的大背景下解读。这使得原本静态的视觉符号“活”了起来，它们不再是孤立的装饰，而是那个时代社会张力、审美趣味变迁的晴雨表。书中的插图选择精准且高质量，尽管是黑白印刷，但纹样的细节依然清晰可辨，这对于研究者来说是极大的便利。它成功地将“艺术史”的疆界拓宽到了“文化史”的领域，读完之后，你会发现你不仅看懂了石头上的花纹，更读懂了那个时代人的精神世界。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对古代碑刻拓片有长期关注的爱好者，我必须说，这本书在资料的梳理和图版的呈现上达到了极高的专业水准。它不像一些同类书籍那样，仅仅是简单地将文物照片并置，而是通过大量的线描图和对比图，清晰地展示了纹样的结构变化和笔触特点。更值得称道的是，作者对于纹样的“功能性”探讨非常深入。例如，某些被认为是纯粹美学装饰的边框或填充纹饰，在古代的特定仪式或空间布局中，可能承担着界定圣俗、导引视线的重要作用。这种从纯粹的“物”到“用”的转向，极大地丰富了我们对古代工艺美术的理解。读完后，我再去看那些熟悉的碑刻拓片时，眼神都变得不一样了，仿佛能看到那些被我忽略的、隐藏在宏大叙事之下的无数微小而重要的“信息点”。

评分☆☆☆☆☆

书籍装帧精美，将司空见惯的文字融入耳目一新的情感和理性化的秩序驾驭，从外表到内文，从天头到地脚，三百六十度的全方位渗透，从视觉效果到触觉感受……始终追求“秩序之美”的设计理念把握，并能赋予读者一种文字和形色之外的享受和满足，开本大小很合适，充满活力的字体不仅根据书籍的体 裁、风格、特点而定．字体的排列，而且还让读者感受受第一瞬间刺激，而更可以长时间地品味个中意韵。从秩序有臻的理性结构中引伸出更深层更广瀚的知识源，创游一番想像空间，排列也很准确，图像选择有规矩，构成格式、版面排列、准确的图像选择、有规矩的构成格式、到位的色彩配置、个性化的纸张运用，毫厘不差的制作工艺……近似在演出一部静态的戏剧。插图也十分好，书画让我觉得十分细腻具有收藏价值，书的图形．包括插图和图案．有写实的、有抽象的、还有写意的。具备了科学性、准确性和感人的说明力，使读者能够意会到其中的含义．得到精神感受。封面色设计虽然只是书刊装帧中的一部分但这个书设计彩鲜艳夺目、协调统一，设计出来的画面，显得比较丰富不会给人看一眼就产生没有看头的感觉，只留下不可缺少的书名。 说明文（出版意图、丛书的目录、作者简 介）责任编辑、装帧设计者名、书号定价等．有机地融入画面结构中．参与各种排 列组合和分割．产生趣味新颖的形式．让人感 到言有尽而意无穷。设计以及纸张很干净都是自己的美术设计，体旋律，铺垫节奏起伏，用知性去设置表达全书内涵的各类要素有人说，读者层次与素质不同．“阳春白雪，和者盖寡”，影响发行量。那么请看，甘肃的《读者》发行至今，从未设计过这类低俗封面，何以1991年发行150万，1994年上升至390万，雄居全国16开杂志之首；余秋雨的《文化苦旅》、杨东平的《城市季风》都不是依靠封面的广告诱惑而令“洛阳纸贵”的。尽管它们的装帧设计并不十分前卫和十分理想，但它们在流俗面前的洁身自好是值得倡导的。还有一本被尘封20多年的学术著作《顾准文集》，封而极其朴素，出版不久即在北京脱销。由此可见，封面的广告作用不是左右发行量的唯一因素，内容的精萃才是一本书的最出色的广告!作为一个从“皇帝的女儿不愁嫁”，“读者买书是看内容不是看你的封面!”等等歪曲书装设计功能的压力下挣扎过来的装帧工作者，无论从专业上、理论上、感情上都无意贬低书装设计的作用，而唯有更强烈的呼唤—本好书必须有一个好的装帧设计!要尊重那些好书，善待那些好书，为它们创造出独特的有意味的书的艺术形象是我们的责任。 曲高未必和寡。沉沦污浊争相媚俗的封面今天或许还有市场，明天就会被不断提高审美情趣的人们所厌弃。正像近年来一些园林景区原有的熊猫垃圾桶被那些与环境和谐的树根垃圾箱取代一样。“听音乐的耳朵是音乐创造的”，书籍艺术工作者的使命在于创造懂得欣赏美的大众，使广大读者时时接触情趣高超、形式优美的文化环境，使图书市场逐步过渡成一个美育的课堂。

评分☆☆☆☆☆

出版社编辑的很一般，图片太小，大都不算清晰。

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讲解详细。

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出版社编辑的很一般，图片太小，大都不算清晰。

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作者写作很认真，资料比较丰富（作者为社科院博士。如果在美国做研究，资料还是远远不够的。）。