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[清] 王概 著

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• 临摹
• 花鸟
• 山水
• 芥子园画谱

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出版社： 印刷工业出版社

ISBN：9787514201451

商品编码：1067806702

出版时间：2011-10-01

作  者:(清)王概 著作 定  价:198 出 版 社:印刷工业出版社 出版日期:2011年10月01日 装  帧:线装 ISBN:9787514201451 《芥子园画谱》是一部中国画技法经典著作，又称《芥子园画传》。它较系统地介绍了中国画的基本技法。在《青在堂画学浅说》中，一开始就介绍了南齐有名画家谢赫的“六法”。即“气运生动”、“骨法用笔”、“应物写形”、“随类傅彩”、“经营位置”、“传模移写”。这是*完整和系统的绘画、品画标准。对此经世珍宝，我们竭心尽力地重新编辑出版，希望能将其精髓全部展现在读者的眼前。王概等编著的《芥子园画谱》套装，共四册，竖版简体，囊括树谱、山石谱、人物屋宇谱、梅兰竹菊谱、花卉草虫翎毛谱之精华内容。除此之外，还附有中国画的等 ●册一
●序
●画学浅说
●初集
●卷一树谱
●卷二山石谱
●册一一
●卷三人物屋宇谱
●卷四名家山水书谱
●册三
●二集
●卷一兰谱
●卷二竹谱
●卷三梅谱
●册四
●卷四菊谱
●三集
●卷一花卉翎毛谱
●卷二花卉草虫谱

内容简介

暂无

《芥子园画谱》是一部在中国绘画史上具有里程碑意义的画谱，它以其系统性的理论、精美的图例和实用的指导，为后世无数绘画爱好者和艺术家提供了宝贵的启蒙和参考。然而，对于不曾翻阅过这部画谱的人来说，它的具体内容、编纂方式以及它所承载的绘画理念，或许仍笼罩着一层神秘的面纱。 首先，我们需要明确《芥子园画谱》并非一本描绘具体故事情节的小说，也不是一篇抒发个人情感的诗集。它的核心价值在于其对中国传统绘画技法的梳理、归纳与传授。可以说，它是一部“绘画教材”或“绘画字典”，旨在帮助学习者掌握绘画的基本功，理解绘画的原则，并最终能够独立创作。 《芥子园画谱》的编纂历程本身就颇具传奇色彩。清初李渔与王概等人，汇集了当时名家画作，并加以精心的编选与阐释，历经多年方得以成书。其目的在于将历代绘画大家所积累的经验与技巧，系统地整理出来，以便后人能够从中学习，避免“口传心授”的局限性，使绘画艺术的传承更加便捷和规范。 书名的“芥子”二字，取自佛家“一花一世界，一叶一如来”的意境，寓意着微小的芥子之中蕴含着广阔的天地，也暗示着从细微之处着眼，方能领悟绘画的无穷奥秘。这本身就体现了一种“以小见大”的哲学思想，也为画谱的编纂定下了基调。 《芥子园画谱》的整体结构可以大致分为几个部分，虽然在不同版本中可能存在细微的差异，但其核心内容是相对稳定的。 第一部分：论画（理论与基础） 这一部分通常是画谱的开篇，着重于绘画的基本理论和原则。它并非枯燥的空谈，而是结合了实践性的指导，帮助读者建立起正确的绘画观念。 笔墨论： 这是中国画的灵魂所在。《芥子园画谱》会详细阐述笔法和墨法的运用。笔法包括各种线条的形态，如“力”、“圆”、“曲”、“劲”等，每一种笔法的形成，其运笔的力度、速度、角度都会有所讲解。墨法则涉及墨的浓淡干湿变化，如何运用“焦”、“浓”、“淡”、“清”、“润”等不同层次的墨色，来表现物体的质感、体积和空间感。它会教导如何用墨来“皴擦”，也就是通过不同的笔触和墨色变化，来表现山石的纹理和质感。 构图原则： 好的构图是画面成功的关键。《芥子园画谱》会介绍中国画特有的构图方式，如“留白”的运用，即画面中故意留下的空白区域，这些空白并非虚无，而是构图的重要组成部分，它能起到引导视线、烘托主体、营造意境的作用。此外，还会讲解如何安排画面中的主次关系，如何运用“疏密”、“聚散”、“虚实”等手法，来达到视觉的平衡与和谐。 设色法： 中国画的色彩运用也有其独特的讲究。《芥子园画谱》会介绍传统的矿物颜料和植物颜料，以及它们的使用方法。它会教导如何调和色彩，如何根据物体的质感和季节的变化来选择合适的颜色。同时，也会强调“以色助墨”的原则，即色彩的运用是为了加强墨韵，而不是喧宾夺主。 临摹的重要性： 画谱会强调临摹的重要性，认为这是学习绘画最直接、最有效的方式。通过临摹古人的经典作品，可以学习到他们的笔法、构图和用色，从而打下坚实的基础。 第二部分：山水画谱（理论与图例） 山水画是中国画的重要门类，《芥子园画谱》对此有极为详尽的阐述。 山石的画法： 这可以说是画谱的重头戏。它会详细讲解各种山石的形态，例如峰峦、冈峦、怪石、平沙等，并教授不同的皴法来表现这些山石的质感和纹理。常见的皴法如披麻皴、斧劈皴、雨点皴、解索皴、米点皴等，都会有详细的图示和文字说明，教导如何运用笔墨来模仿自然的形态。 树木的画法： 树木是山水画中的重要元素，能够增添生机和层次。《芥子园画谱》会介绍不同树木的造型，如松树、柳树、杂树等，以及如何运用不同的笔法来表现树干的苍劲、枝条的舒展、叶片的繁茂。它会讲解“勾勒”、“点叶”、“渲染”等技法，让树木栩栩如生。 水的画法： 水的形态千变万化，有江河、瀑布、溪流、湖泊等。《芥子园画谱》会教导如何用流畅的线条和墨色来表现水的动态，例如波纹的起伏、水流的湍急或平静，以及瀑布的飞泻直下。 云雾的处理： 云雾是中国山水画中营造意境的重要手段。《芥子园画谱》会介绍如何用淡墨和渲染来表现云雾的缥缈和朦胧，以及如何运用留白来表现云雾的层次感和空间感。 人物、屋宇、舟桥等点景： 为了丰富山水画的内容，画谱还会教授如何绘制点景人物、亭台楼阁、桥梁舟船等。这些点景不仅能够增加画面的生活气息，还能起到烘托气氛、衬托景物的作用。 第三部分：花鸟画谱（理论与图例） 花鸟画是中国传统绘画的另一重要分支，《芥子园画谱》同样提供了丰富的学习资源。 梅兰竹菊的四君子： 这四种植物在中国文化中具有特殊的象征意义，是花鸟画的经典题材。《芥子园画谱》会分别详细讲解它们的画法，例如梅花的“铁骨红梅”，兰花的“空谷幽兰”，竹子的“虚心劲节”，以及菊花的“傲霜凌雪”。每一种都会有其独特的笔法和造型技巧。 各种花卉的画法： 除了四君子，画谱还会介绍牡丹、荷花、桃花、菊花等多种常见花卉的绘制方法，包括花瓣的结构、色彩的搭配、叶子的形态等。 禽鸟的画法： 飞鸟、走禽等禽鸟的描绘也是花鸟画的重点。《芥子园画谱》会教授如何捕捉禽鸟的动态，例如展翅高飞、栖息枝头、嬉戏觅食等，并运用线条和色彩来表现羽毛的质感和神韵。 草虫的画法： 精致的草虫描绘能够为画面增添生动和趣味。《芥子园画谱》会介绍一些常见的草虫，如蜻蜓、蝴蝶、蚂蚱等，以及如何用细密的笔触来描绘它们的形态和纹理。 蔬果的画法： 描绘成熟饱满的蔬果，也能够体现画家对生活的热爱和对自然的观察。《芥子园画谱》会教授蔬果的造型和色彩运用。 第四部分：草虫、翎毛、走兽画谱（理论与图例） 这一部分可能在不同版本中有所侧重，但大致会包含以下内容： 草虫： 前面已经提到，这是对精微事物的描绘。 翎毛： 专指鸟类的羽毛，强调其质感、光泽和层次。 走兽： 例如猫、狗、虎、马等，描绘它们的体态、毛发和神情。 《芥子园画谱》的特点与价值： 系统性： 它将绘画理论与实践相结合，内容由浅入深，条理清晰，为初学者提供了一个完整的学习路径。 图文并茂： 精美的插图是《芥子园画谱》最直观的特点。这些图例不仅展示了绘画的最终效果，还通过示范性的笔触和结构，向读者展示了绘画的过程。文字说明则对图例进行了详细的解释和补充。 可操作性： 画谱中的技法讲解非常具体，具有很强的实践指导意义，即使是零基础的绘画爱好者，也能从中找到入门的方法。 传承性： 它将历代名家的绘画精华进行了系统性的总结和整理，极大地促进了中国传统绘画技艺的传承和发展。 艺术性与实用性结合： 《芥子园画谱》既传授了绘画的技巧，也传递了中国画的审美情趣和哲学思想，是艺术与生活相结合的典范。 总而言之，《芥子园画谱》是一部集理论、技法、图例于一体的综合性中国画学习典籍。它并非简单地教授如何“画出”什么，更重要的是教授如何“理解”绘画，如何通过笔墨去表现自然万象，如何传达中国文人的精神气质。对于任何想要深入了解和学习中国传统绘画的人来说，《芥子园画谱》都是一本不可或缺的宝贵财富，它如同一位严谨而慈祥的老师，引导着一代又一代的绘画爱好者，在笔墨的世界里探索，在丹青的海洋里徜徉。它所承载的，是中华民族对美的独特追求，是对自然的热爱与体悟，以及一种含蓄而深沉的艺术哲学。

评分☆☆☆☆☆

我是一个偏爱写意花鸟画的爱好者，这本书对于我理解“气韵生动”这个核心概念起到了决定性的作用。很多时候，我们看名家画作，只觉得“妙极了”，但自己动手时就抓瞎了。这本书通过大量的“写意”范例，教你如何抓住物体的“神态”而非仅仅是“形貌”。比如，它在讲解如何画鸟的眼睛时，几笔精到的浓墨，瞬间就让原本呆板的轮廓变得炯炯有神。这种对神态的捕捉，是需要长期训练的。书中对不同花卉的“神”的提炼总结得非常精辟，比如牡丹的富贵、梅花的傲骨，都通过最简练的线条和墨团被完美地表达出来。这套体系化的训练，使得我们即使在没有老师指导的情况下，也能建立起自己的审美标准和表达逻辑，是自学者绕不开的经典指南。

评分☆☆☆☆☆

这本画册给我的感觉是既传统又充满生命力。它收录的那些经典范式，无疑是中华绘画史上的瑰宝，但它的编排方式却非常现代，逻辑清晰，脉络分明。我是一个对传统文化有兴趣，但又不太习惯文言文的读者，这本书的文字说明简洁明了，几乎没有晦涩难懂的术语，这极大地降低了学习的门槛。我记得我尝试画了一组松树的范例，书中展示了不同季节、不同姿态的松针画法，从“老松的苍劲”到“新松的嫩绿”，仅仅通过墨色的微妙差异和线条的粗细变化，就表现出了丰富的层次感。这让我意识到，学习中国画不只是复制古人的技法，更是一种对自然万物细致观察和理解的表达。它教会我的不仅仅是“画什么”，更是“怎么去看”。

评分☆☆☆☆☆

如果非要说有什么不足，那就是它要求学习者必须投入大量的时间进行重复练习，这本书更像是一本“习题集”而非“速成秘籍”。它不会给你任何捷径，而是让你老老实实地从最基础的笔法开始磨砺。我有一个朋友，他希望几天内就能画出气势磅礴的山水，但他在使用这本书初期感到有些挫败，因为效果的显现需要积累。但我自己更偏爱这种“慢工出细活”的过程。它对墨分五色的处理尤其到位，不仅仅是教你如何调墨，更重要的是告诉你，在不同的干湿度下，墨在宣纸上产生的“飞白”和“洇化”效果如何被画家有意地利用来增加画面的肌理感和空间感。这本书让你尊重材料的特性，而不是一味地去征服它。

评分☆☆☆☆☆

这本画册简直是自学国画的宝典，我一个完全零基础的新手，本来对着毛笔和墨汁手足无措，但翻开它之后，思路一下子就清晰了。首先，它对基础笔法的讲解细致入微，从“执笔”的基本姿势到“点、皴、擦”的各种技法，都有图例和文字对照，绝不是那种只给你看成品却不告诉你怎么画的书。尤其是它的“分科”很科学，先从最简单的花卉入手，一步步过渡到山石树木，层层递进，让人感觉每一步都是可以达成的。我记得我第一次尝试画兰花时，总觉得线条软塌塌的没有生气，但对照着书里的“兰叶的提按顿挫”反复练习，渐渐地就能感受到笔锋在纸上游走时产生的力量感了。它的选材也很有代表性，涵盖了文人画的诸多重要元素，对于想入门又不想被太多信息量压垮的人来说，这是一个非常友好的引导。我个人的体会是，这本书最大的价值在于它提供了一套扎实的“肌肉记忆”训练方法，而不是空泛的理论说教。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我初次接触这本书时，是冲着它的名气来的，想着应该都是些高深莫测的古代大师手稿吧。结果大跌眼镜，它更像是一个耐心十足的老师傅在手把手教你“下功夫”。它并没有过多地去探讨什么哲学思想或者文化背景，而是纯粹地聚焦于“如何把画画好”这个技术层面。我尤其欣赏它对“写意”的拆解，很多大师的画看起来是信手拈来，但这本书把它分解成了一个个可操作的步骤，比如画竹子的“节”与“枝”，它会告诉你哪个角度下笔、墨色的浓淡如何变化才能体现出“风中摇曳”的姿态。这让我明白，看似随意的笔触背后，其实是无数次精确的控制。对于那些沉迷于临摹却画不出神韵的人来说，这本书提供了一种“反向工程”的思路，让你从结构入手，再逐步过渡到气韵，非常实用。