故宫藏画：4世纪-14世纪 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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故宫博物院 著

图书标签:

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出版社： 故宫出版社

ISBN：9787513409001

版次：1

商品编码：12014373

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-11-01

用纸：胶版纸

页数：317

内容简介

　　《故宫藏画：4世纪-14世纪 英文版》是一部全英文的*作，作者为具有多年中国美术史学习背景的加拿大人。在该书中，作者选取了故宫博物院所藏历代绘画作品中具有代表性的86件传世名作，对每一件作品都做了专业性的描述和评析，其中包括对绘画的鉴赏，对绘画中的专业术语的解释，中国古代绘画主要流派的梳理，题画诗文的翻译，以及从西方人的视角对中国古代绘画中所蕴含的文化信息做以通俗的解释，使西方读者能够*加容易的理解中国古代绘画中的“神”和“气韵”。

目录

洛神赋图卷列女图卷游春图卷步辇图卷文苑图卷五牛图卷宫苑图卷宫苑图轴游骑图卷百马图卷挥扇仕女图卷六尊者像图册写生珍禽图卷阆苑女仙图卷韩熙载夜宴图卷重屏会棋图卷高士图卷卓歇图卷潇湘图卷寒雀图卷写生蛱蝶图卷窠石平远图轴溪山春晓图卷纺车图卷临韦偃牧放图卷维摩演教图卷渔村小雪图卷芦汀密雪图卷清明上河图卷芙蓉锦鸡图轴雪江归棹图卷听琴图轴千里江山图卷潇湘奇观图卷蕉石戏婴图页采薇图卷雪梅图卷四梅图卷江山秋色图卷万松金阙图卷江山万里图卷果熟来禽图页赤壁后游图卷小雅鹿鸣之什图卷枫鹰雉鸡图轴四景山水图卷秋柳双鸦图页疏柳寒鸦图页货郎图卷踏歌图轴梅石溪凫图页梧竹溪堂图页层叠冰绡图轴四羊图页盘车图轴墨兰图卷丝纶图轴幽居图卷水村图卷秋郊饮马图卷浴马图卷二马图卷伯牙鼓琴图卷渔父图轴墨梅图卷雪江鱼艇图卷墨竹坡石图轴清閟阁墨竹图轴疏松幽岫图轴秋江待渡图轴沐雨竹图轴天池石壁图轴花竹锦鸡图轴挟弹游骑图轴松溪钓艇图卷勾勒竹石图卷柳燕图轴葛稚川移居图轴杜秋图卷秋庭嘉树图轴竹石图轴武夷放棹图轴秀野轩图卷松溪放艇图卷鹰桧图轴杨竹西小像卷

《中华文物典藏系列：宋元风物》图书简介 引言：跨越时空的艺术对话 本书《中华文物典藏系列：宋元风物》并非专注于某一特定机构的收藏，而是致力于对中国历史上艺术成就达到巅峰的宋代（960年—1279年）与元代（1271年—1368年）的物质文化遗存进行全面而深入的梳理与阐释。这是一个文化深度融合、审美趣味极度精致化的时代，其留下的艺术珍品不仅定义了后世中国艺术的基调，更在世界艺术史上占据着举足轻重的地位。 本书精选了涵盖绘画、书法、陶瓷、青铜器、玉器以及金银器等多个门类的代表性文物，力求构建一个立体、多维度的宋元艺术图景。我们摒弃了传统按照地域或单一媒介分类的局限，而是尝试从时代精神、社会背景、审美流变与技法创新等多个维度，探究宋元艺术繁荣的内在逻辑。 第一章：宋代——内敛的精致与士人的崛起 宋代是中国封建社会中后期的一个关键转折点，经济的高度繁荣与理学（新儒学）的兴起，深刻影响了艺术的走向。士大夫阶层成为艺术鉴赏与创作的核心力量，这使得艺术从宫廷的威严叙事转向对日常、自然与个人心性的关注。 本章将重点考察宋代绘画的“格物致知”精神。与早期恢弘的庙堂之作不同，宋代绘画追求“不着一笔，尽得风流”。 山水画的突破： 详述李成、范宽、郭熙等“北方山水”的雄浑气象，以及南宋“院体”如李唐、刘松年对结构与笔墨的精妙锤炼。尤其关注马远、夏圭“一角半边”的构图哲学，这种高度提炼的写景方式，展现了宋人对“意境”的极致追求。 风俗画的世俗化视野： 深入剖析张择端的《清明上河图》（或选取同类题材的佚作摹本进行分析），探讨这类作品如何记录了宋代城市生活的繁盛、商业的活力以及市民阶层的审美需求。这不仅仅是绘画，更是社会史的珍贵文献。 花鸟画的写实高峰： 宋徽宗时期，院体花鸟画达到了写实主义的巅峰。本节将通过对双勾填彩、没骨等技法的解析，展示宋人对植物形态、昆虫动态的细致观察，体现了对自然生命力的尊重。 陶瓷工艺：宋代审美哲学的载体 宋瓷被誉为世界陶瓷史上的奇迹。本书将细致区分五大名窑的审美特征： 汝窑： 探讨其“雨过天青”的釉色哲学，以及其温润如玉的质感如何契合宋人对“天人合一”的追求。 定窑、耀州窑： 考察白瓷的刻花、印花技艺，以及北方青瓷的粗犷与细腻的对比。 官、哥窑： 重点解析“开片”这一看似缺陷却被推崇为独特审美的现象，以及其在造型上对古代青铜器、玉器造型的继承与改造。 第二章：元代——文人精神的张扬与笔墨的自觉 元代，蒙古族的统治带来了汉族文人阶层在政治上的失意，但这恰恰催生了艺术的“内转”，即从服务政治、教化的外在功能，转向服务文人自身的精神慰藉与审美自洽。这直接导致了“文人画”理论的成熟与实践的张扬。 “元四家”的笔墨革命： 重点分析黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙四位大师的艺术成就。 倪瓒的“寒林枯树”，以极简的笔墨表达遗世独立的精神图腾。 黄公望的“披麻皴”，如何将笔墨技法提升至可独立欣赏的本体价值。 书法与绘画的合流： 元代强调“书画同源”，强调笔法、墨法作为独立审美品格的地位。本书将展示元代书法家，如赵孟頫，如何通过对晋唐经典的复古，确立新的审美标准，以及这种标准如何反哺绘画创作。 器物中的民族情绪： 尽管政治环境变化，但元代制瓷业并未衰退，反而吸纳了更多民间活力。例如，元青花的出现，以其大胆的钴蓝运用和宏大的叙事性图案，体现了不同文化交融下的磅礴气象，与宋代的内敛形成鲜明对比。 第三章：技法与观念的传承与转折 本书的最后部分，旨在跨越宋元两朝，探讨艺术风格的内在联系与断裂： 1. 线条的演变： 对比五代（如荆浩、关仝）的严谨勾勒与宋元文人画的“墨分五色”，分析线条如何从描摹物象的工具，转变为表达个人性情（性灵）的载体。 2. 材料学的创新： 考察矿物颜料的改进（如对赭石、藤黄的运用），以及纸张、绢类对水墨晕染效果的影响。 3. 师承与反叛： 探讨宋代院体画家如何继承唐代李昭道、王维的传统，以及元代文人画家如何借由对宋人（如董源、巨然）的“发掘”，实现对院体风格的超越与反叛。 结语：宋元艺术的永恒回响 宋元时期是中国艺术史上的一个高峰，它不仅确立了中国古典艺术审美的核心范畴——“意境”、“气韵生动”、“笔墨趣味”，更重要的是，它将艺术创作提升到了一种哲学思辨的高度。通过对这些精美文物的细致解读，我们得以窥见那个时代知识分子在动荡时局下，寻求精神家园的努力与成就。本书提供的，是一部关于审美精神的深度探源之作。

评分☆☆☆☆☆

从艺术史的宏大叙事角度来看，这本书提供了一个极好的切入点，来观察中国绘画在漫长历史中如何与社会结构、哲学思潮深度绑定的。我特别欣赏它在选取题材上的平衡性。它没有一味地追逐那些名气最大的“镇馆之宝”，而是穿插了大量具有代表性的、能够反映时代风貌的宗教画和世俗生活场景的画作。例如，那些描绘寺院壁画稿本的作品，虽然在艺术成就上可能不如后来的山水巨制，但它们是研究当时普通人精神寄托和服饰文化最直接的“活化石”。通过对比不同题材的绘画技法，我能更直观地理解“格物致知”的观念是如何渗透到画家的笔端，无论是对自然景物的细致描摹，还是对人物内心世界的刻画，都透露出一种对真实世界的敬畏。这本书的价值，绝不仅仅在于展示了“美”，更在于揭示了美是如何在特定历史语境下被定义、被创造出来的。如果能配上一张关于不同时期画院制度变迁的图表，那就更为完美了。

评分☆☆☆☆☆

这部画册的装帧设计实在让人眼前一亮，那种沉甸甸的质感，配合着素雅的书脊，光是捧在手里就有一种触摸历史的庄重感。我原本以为这会是一本枯燥的学术图录，但翻开后才发现，它更像是一场精心策展的线上展览，只是媒介换成了纸张。色彩的还原度极高，尤其是那些绢本设色的细腻层次，即便是通过印刷品，也能感受到当年画师的笔触与心境。比如那些唐代的重彩风格，那种饱满的热烈与宗教的虔诚，扑面而来。相比之下，宋代的文人画则显得内敛许多，墨色的浓淡干湿变化，简直就是一场关于“留白”的哲学探讨。当然，装帧的细节也体现了编者的用心，比如有些跨页的图版，为了最大限度地展示画作全貌，采用了无缝对裱的处理，这一点对于想要细致观察细节的读者来说，无疑是巨大的加分项。可惜的是，部分摹本的题跋和印章部分，由于纸张的反光或者印刷分辨率的限制，在某些角度下会显得有些模糊，虽然不影响对主体画面的欣赏，但对于考据派来说，可能需要借助放大镜才能辨识。总的来说，这本书的物理呈现，已经超越了我对一本“藏画集”的期待，它本身就是一件值得收藏的艺术品。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验上，这本书的排版设计简直是反直觉的，但又出奇地有效。通常，这种古代绘画图录会倾向于使用大量的文字注释和繁复的边框，试图用知识去“包裹”住图像。然而，这本书却采取了一种极简的留白策略，让图像拥有了呼吸的空间。很多时候，一张宋代人物画可能占据整整两页的篇幅，没有任何多余的说明文字干扰视线，只有在页脚角落里用极小的字体标注了基本信息。这种做法极大地解放了读者的想象力，迫使你必须先用眼睛去“对话”画面本身，去感受那种宁静或者激昂的情绪。我发现自己花了更多的时间去观察线条的起收、颜色的晕染，而不是急于去阅读“这是谁的作品”、“这是什么时期”的标签。这种沉浸式的观赏体验，非常适合在安静的午后，泡一杯茶，慢慢品味。当然，对于习惯了“填鸭式”教育的读者来说，初期可能会感到有些不知所措，总觉得少了点“向导”，但一旦适应了这种节奏，就会发现它是多么的尊重读者的自主探索欲。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我购买这本书的初衷，是希望它能成为我个人艺术研究的辅助资料，尤其是想对比一下不同时期“界画”的演变路径，看看建筑透视的运用有何精进。在浏览的过程中，我发现了一个非常有趣且被忽略的点——书中所收录的那些“界画”作品，其精细程度远超我的预期。它们不仅仅是建筑的精确描绘，更是一种对秩序和宇宙观的表达。那些飞檐斗拱的层叠，线条的平直与精准，显示出高度成熟的数学和几何学知识在艺术中的应用。我本来以为这类题材在早期作品中会非常稚嫩，但书中收录的几幅宋代界画，其空间感的营造，甚至可以与同时期的西方透视法发展相媲美，这让我对“孤立发展”的传统认知产生了动摇。这本书的视角非常独特，它没有把界画当作配角，而是给予了足够的尊重和展示空间。它迫使我重新审视那些我们通常认为“不那么重要”的绘画类别，因为正是这些“工匠”般的技艺，支撑起了整个时代审美的基石。这本书的深度，在于它能让你从一个点深入到整个面，引发更多的探究欲望。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个关于中国早期佛教艺术的讲座中偶然听说了这本书，当时讲者提到了其中几幅震撼人心的变相画。拿到手后，我立刻直奔主题去寻找那些期待已久的作品。不得不说，这种跨越了数个朝代的精选，最考验的是编者的眼光和叙事能力。这本书的厉害之处在于，它似乎懂得如何用视觉语言来讲述一个“演变”的故事。从魏晋时期那种略带古朴和外放的造型，到盛唐时期的饱满圆润与世俗化倾向，再到五代十国的地域风格的初显，乃至宋代院体画的精工细描，每翻过一个朝代，都能清晰地感觉到审美趣味和时代精神的巨大转向。这绝不是简单地把作品堆砌在一起，而是能看出一条清晰的“精神脉络”。比如，宋代山水画中对“气韵生动”的极致追求，如何在早期尚未成熟的唐代山水雏形中找到源头。这种编排的巧妙，让我这位非专业人士也能大致把握不同时期绘画风格演进的大致逻辑，而不是陷入孤立的孤芳自赏之中。唯一的遗憾是，对于一些关键的断代依据和流传历史的介绍，篇幅略显单薄，如果能增加一些对摹本与传世本之间差异的对比分析，或许能让历史的厚重感更加扎实。