中国京剧经典剧目汇编（流派剧目卷一） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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北京戏曲评论学会 编

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• 戏曲汇编

出版社： 中国文史出版社

ISBN：9787503486531

版次：1

商品编码：12131082

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-01-01

用纸：胶版纸

页数：450

字数：427000

正文语种：中文

内容简介

　　百年京剧，华彩铿锵。荟萃经典，国韵流芳。京剧艺术，是传统文化精致的载体，是民族精神凝练的展现。中国文史出版社秉持传承中华经典、弘扬民族文化的出版理念，邀请国内一流专家学者，将两百年间传唱不衰的京剧传统剧目汇编成卷，辅以生动有趣的赏析文字，让广大读者全面、立体地了解国粹艺术之精华。《中国京剧经典剧目汇编（流派剧目卷一）》收录《一捧雪》《十老安刘》《天女散花》《太真外传》《文姬归汉》《打登州》《击鼓骂曹》《让徐州》《桃花村》等9部经典剧本及相关赏析文章，帮助读者了解欣赏京剧之美。

目录

一捧雪
十老安刘
天女散花
太真外传
文姬归汉
打登州
击鼓骂曹
让徐州
桃花村
编后记

《中国戏曲史纲要》：一部跨越时空的戏曲艺术探索之旅 本书简介 《中国戏曲史纲要》并非仅仅是对某一特定剧目或流派的汇编，而是一部立足于宏大历史视野，系统梳理和深入剖析中国戏曲自萌芽至成熟、繁荣直至当代演变的通史性著作。本书旨在为读者构建一个清晰、脉络分明的中国戏曲发展时间轴，揭示不同历史时期社会文化背景对戏曲艺术形态产生的深刻影响，并重点探讨各个主要剧种的形成、演变及其艺术特色。 本书的核心价值在于其广博的覆盖面和严谨的学术态度。它超越了对剧本文本的简单罗列，而是将戏曲视为一种综合性的舞台艺术，涵盖了声腔、表演、科介、服饰、脸谱、音乐等多个维度。 第一部分：戏曲的源头与雏形——古代乐舞的遗产 本书伊始，便追溯中国戏曲的哲学根源，探讨先秦时期的乐舞、百戏、角抵等活动如何为后世戏曲的形成奠定了基础。重点分析了汉代的“百戏”和唐代的“参军戏”，这些早期表演形式中蕴含的滑稽讽刺、角色扮演等要素，如何逐步孕育出成熟戏曲所需的元素。 唐代：燕乐与参军戏的交融 唐代是戏曲酝酿的关键期。本书详细考察了唐玄宗设立的“梨园”制度，阐释了宫廷燕乐对戏曲音乐化的推动作用。同时，对唐代的“参军戏”进行了深入分析，指出其对后世戏曲中“丑角”的程式化表演、人物性格的塑造以及讽刺手法的运用产生了直接影响。 宋代：杂剧的勃兴与南戏的奠基 宋代被誉为中国戏曲的第一个“黄金时代”。《中国戏曲史纲要》将大量篇幅聚焦于宋杂剧和南戏的诞生与发展。 宋杂剧的成熟： 探讨了宋杂剧在北宋瓦舍勾栏中的流行情况，分析了“四段”、“一楔子”的结构定型，以及其在内容上对市民生活的广泛反映。本书特别关注了宋杂剧在“唱做念打”诸要素的初步整合上所做的努力。 南戏的生命力： 侧重阐述南戏如何扎根于民间，以“南曲”为主要声腔体系，并形成了更自由、更具叙事性的结构。南戏对后世昆曲乃至地方戏曲的声腔、剧目结构、表演程式的深远影响被系统梳理。 第二部分：元曲的辉煌——戏曲艺术的第一次高峰 元代是戏曲艺术史上最光辉的一页，元杂剧的成熟标志着中国戏曲进入了第一个成熟期。《中国戏曲史纲要》将元杂剧的分析作为全书的重点之一。 元杂剧的体制与特征： 详细解读了元杂剧“一主唱”的体制，即全剧由一人主唱，分析了“中宫调”在音乐上的特点。重点研究了关汉卿、白朴、马致远、郑光祖等“元曲四大家”的创作特色，以及他们如何通过结构布局、人物塑造和语言锤炼，将元杂剧推向了艺术的巅峰。 元明易代对戏曲的影响： 探讨了元末明初社会动荡对戏曲内容的影响，以及南戏在元代并未衰落，而是与杂剧并行发展，为明代戏曲的转型提供了过渡。 第三部分：明清的转型与昆曲的鼎盛 明清时期，戏曲艺术经历了结构上的重大变革，以昆曲为代表的“雅部”与以地方戏为代表的“花部”共同构成了这一时期的戏剧图景。 昆曲的兴起与完善： 本书详尽阐述了昆山腔（后称昆曲）如何从民间声腔脱胎，经过魏良辅等人的改革，发展成为格调典雅、讲究水磨腔的典范。重点分析了《牡丹亭》、《琵琶记》等经典剧目在唱、念、做、舞的综合体现上，如何达到了“集大成”的境界。昆曲的音乐理论（如《乐府俊裁》）也被引入分析，以展现其严谨的艺术规范。 花部的崛起与地方戏的勃兴： 与昆曲的“雅”相对，本书也关注了徽班、秦腔、梆子戏等地方戏的形成。特别是清代中后期，随着社会阶层的变化，这些更接地气、更具冲击力的声腔和表演体系开始挑战昆曲的统治地位。对徽班进京以及京剧的孕育过程进行了历史性的勾勒，强调了地方戏对中国戏曲生命力的延续作用。 第四部分：近现代的革新与未来展望 进入近代，中国戏曲面临着西方戏剧的冲击和自身的现代化挑战。《中国戏曲史纲要》对近现代戏曲改革进行了客观的评述。 京剧的形成与成熟： 详细论述了“四大徽班进京”后，京剧如何融合了昆曲的表演技巧、徽调、汉调的声腔特色，以及地方戏的板式变化，最终形成一套成熟的表演体系。对程长庚等前辈艺术家的贡献给予了高度评价。 戏曲现代化探索： 梳理了“五四”时期对传统戏曲的反思与革新尝试，包括“新剧”、“文明戏”的出现，以及当代戏曲在保持自身本体性的同时，如何吸收现代舞台技术和表现手法，寻求新的生命力的历程。 结语：戏曲艺术的永恒魅力 全书最后总结了中国戏曲作为一种独特舞台艺术的审美范畴：虚拟性、程式化、综合性。它不仅是中国传统文化的载体，更是中华民族审美情趣的集中体现。本书的撰写目标是提供一个全面、深刻的学术参考框架，使读者能够理解中国戏曲艺术的整体脉络和内在逻辑，而非仅仅停留在对某几部作品的鉴赏层面。全书严格遵循史料的考证与理论的构建，力求为戏曲研究提供坚实的基石。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我入手这本书主要还是为了寻找一些特定流派的“失传”或“边缘化”剧目的文本资料。市面上大部分的京剧选本，总是集中在那些“四大名家”的保留剧目上，对于某些更具探索性、更体现地方特色的流派，信息往往稀少得可怜。翻开目录，我立刻被几个标题吸引住了，那些剧目名称我只在一些老旧的口述史料中隐约见过。这本书的价值就在于，它似乎真的下功夫去挖掘和整理了这些“犄角旮旯”的艺术财富。我尤其关注它对于“徽汉合流”时期的一些剧目如何归档和注释，这对于研究京剧的形成脉络至关重要。那种对待学术的严谨态度，哪怕是初次翻阅，也能清晰地感知到。它不是那种让你快速扫过一遍就束之高阁的快餐读物，而是需要你带着笔和笔记本，一点点去啃的宝典。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是没得挑，厚重又不失典雅，封面那几笔水墨晕染的写意图案，一下子就把人拉进了那个光影交错、锣鼓喧天的戏台子。拿到手里，分量感十足，翻开扉页，那排版布局，简直就像是为老戏迷精心准备的私人藏本。我原本以为这种汇编可能会显得有些刻板僵硬，但这本书的细节处理却让人惊喜。比如，它在介绍那些不甚出名的流派剧目时，并没有采用那种生硬的目录式罗列，而是穿插了一些那个流派创始人早年的演出场景描摹，寥寥数语，就勾勒出了老艺术家的神韵。虽然我还没来得及仔细研读每一出剧目的具体唱腔板式，但光是这种对文化传承的敬畏感，就已经让我觉得物有所值了。这本书显然不是匆匆忙忙拼凑出来的产物，背后一定有深厚的学术积累和长期的田野调查作为支撑。我期待着深入探索那些被时间冲刷得有些模糊的流派精髓。

评分☆☆☆☆☆

我注意到，这本书似乎在流派剧目的选择上，采取了一种“求全”而非“求精”的策略，当然，这里的“全”是相对于某个特定研究范围而言的。它似乎更倾向于展现某一地域、某一时期流派艺术的广度，而不是深挖某个大师的极致演绎。这对于我目前的研究方向——探究流派间的相互影响与渗透——提供了极大的便利。我可以清晰地看到，某个原本被认为是A派的经典唱腔，是如何在B派的剧目中以变体形式出现的。这种横向的比较分析，是单本流派专著难以提供的视角。如果能再配上一些关键历史时期的录音索引，那将是锦上添花，但就文本本身而言，这种包罗万象的视野，已经足够令人称道了。

评分☆☆☆☆☆

从一个普通戏迷的角度来说，这本书的价值或许在于它能提供一个“锚点”。我们听戏，常常是跟着名家的声音走，但对于那些不常上演的剧目，我们对它的结构、人物命运、乃至其音乐逻辑是完全陌生的。这本书就像是把这些“散落的珍珠”用一条坚韧的线串联了起来，哪怕你不懂专业术语，光是阅读那些剧目的梗概和人物小传，也能大致勾勒出一个流派艺术的全貌。它让我明白了，京剧的艺术生命力，远比舞台上常演的那些经典曲目要丰富和深邃得多。它激发了我去寻找那些“活态传承”的冲动，去关注那些仍在默默坚守的民间剧团，这本书，是通往更广阔京剧世界的优秀向导。

评分☆☆☆☆☆

这本书的字体选择和纸张质感，给我一种非常“沉静”的阅读体验。现在的书籍，很多为了追求轻便和成本，选用的纸张总是亮得刺眼，看久了眼睛会发涩。而这本《汇编》，用的是那种略带米黄、触感温和的纸张，即便是晚上在台灯下细看那些繁复的戏曲术语，也不会感到疲劳。更让我赞赏的是，它在版式设计上对传统符号的尊重。比如，在引用老戏的曲谱或行当说明时，它没有盲目套用西方的排版逻辑，而是保留了许多东方审美的留白和分栏结构，这让整个阅读过程充满了仪式感，仿佛手中的不是一本书，而是一件历经打磨的工艺品。这对于一个真正热爱传统艺术的人来说，是极其重要的精神愉悦。