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北京电影学院《艺术概论》编委会 编

图书标签:

• 艺术史
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• 设计
• 文化
• 美学
• 艺术入门

出版社： 中国电影出版社

ISBN：9787106045753

版次：1

商品编码：12167767

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-10-01

用纸：胶版纸

页数：402

字数：420000

正文语种：中文

内容简介

　　《艺术概论》主要内容包括艺术的本质，艺术的分类，艺术的观念，艺术的思想、方法与流派，艺术与美学，艺术与文化，电影、摄影与视觉文化，艺术的鉴赏与批评。

目录

第一章 艺术的本质
第一节 艺术的起源
第二节 艺术的本质

第二章 艺术的分类
第一节 建筑艺术
第二节 音乐艺术
第三节 舞蹈艺术
第四节 绘画艺术
第五节 雕塑艺术
第六节 书法艺术
第七节 文学
第八节 戏剧艺术
第九节 当代艺术
第十节 公共艺术
第十一节 时尚与消费艺术

第三章 艺术的观念
第一节 西方艺术的观念
第二节 中国艺术的观念
第三节 当代艺术的观念

第四章 艺术的思想、方法与流派
第一节 思想、方法与流派概念解读
第二节 古典主义
第三节 浪漫主义
第四节 现实主义
第五节 现代主义
第六节 后现代主义

第五章 艺术与美学
第一节 何为美学
第二节 西方经典美学思想及其发展

第六章 艺术与文化
第一节 艺术与日常生活
第二节 艺术与宗教
第三节 艺术与政治
第四节 艺术与哲学

第七章 电影、摄影与视觉文化
第一节 何为视觉文化
第二节 视觉文化的理论来源与发展背景
第三节 视觉文化语境下的电影
第四节 作为媒介与文化的摄影

第八章 艺术的鉴赏与批评
第一节 艺术鉴赏
第二节 艺术批评
第三节 艺术批评的当代转向

精彩书摘

　　《艺术概论》：
　　在杜尚之后，西方艺术在类似的道路上越走越远。美国艺术家安迪·沃霍尔把随处可见的罐头变成了艺术作品，明星、时尚产品等无处不在的日常消费性物品构成了其作品典型的内容，由此创立了风靡世界的波普艺术。德国艺术家约瑟夫·博伊斯大量使用油脂和毛毡，裹在自己身上表演各种“活的雕塑”，日常行为和历史事件摇身一变成为了艺术品。他的艺术在“材料的发明者”道路上引领了德国乃至世界的当代性艺术实践。
　　那么，艺术和艺术品依靠语境来自我界定是否具有合理性呢？
　　从大众的角度来看，当现实的世界未经艺术语言的“翻译”而直接闯人艺术的世界，多多少少是难以令人接受的。因此，人们对当代艺术的揶揄和讽刺也随处可见。有人戏称，自己的朋友在纽约现代艺术博物馆吊死了，半个月后工作人员才发现这并不是一件艺术品。这个笑话暗示出在现实与艺术边界模糊的局面下艺术和艺术品身份的自我焦虑。许多美学家和艺术批评家对此问题也表达了相似的疑惑：如果消防员去博物馆抢救艺术品，他或许知道把墙上的绘画和展览架上的陶罐悉数取出，但如果当代艺术评论家给他一个关于当代艺术的界定标准，他是否还能保证工作顺利进行？
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好的，这是一本名为《光影流转：摄影艺术的百年光影之旅》的图书简介。 --- 光影流转：摄影艺术的百年光影之旅 作者： [此处可留空或填写虚构作者名，例如：林映川] 出版社： [此处可留空或填写虚构出版社名，例如：时代光影出版社] 页数： 约 620 页（含大量精美图版） 开本： 16开 内容简介 《光影流转：摄影艺术的百年光影之旅》是一部深度剖析现代摄影艺术自诞生之初至当代的演变历程的专著。本书并非停留在对摄影器材或简单技术手册的介绍，而是将摄影视为一种独特的视觉语言、一种不断自我革新的艺术媒介，深入探讨其在社会、文化、哲学思潮中的地位变迁及其对人类认知方式的影响。 本书的叙事线索清晰而富有层次感，按照时间脉络和思潮发展，系统梳理了摄影艺术从机械复制技术向纯粹艺术形式过渡的复杂过程。 第一部分：凝固的瞬间与科学的诞生（19世纪中叶至20世纪初） 本部分聚焦于摄影术发明的初期，探讨达盖尔的银版法、塔尔博特的负片-正片系统如何从科学实验的范畴逐步渗入社会生活。我们不只是展示早期的肖像照和风景照，而是着重分析了“记录”与“再现”之间的张力。重点章节包括： “光学的幽灵”： 分析早期摄影对绘画产生的冲击，以及“纯粹记录”理念如何成为摄影早期美学的主导，尤其在记录战争（如克里米亚战争的记录）和科学探索（如早期医学影像）中的作用。 皮克福德与“调和派”： 深入研究阿尔弗雷德·斯蒂格里茨（Alfred Stieglitz）在“291画廊”的努力，以及“纯粹摄影”（Straight Photography）思潮的兴起。如何通过精确的构图和对光线的精妙掌控，使照片摆脱对绘画的模仿，确立其自身的艺术独立性。 城市景观的诞生： 探讨在工业化浪潮下，城市化进程如何被早期摄影师捕捉，形成一种既客观又带有时代疏离感的视觉文本。 第二部分：现代主义的熔炉与媒介的实验（20世纪20年代至50年代） 进入20世纪，摄影艺术迎来了其最为多元和激进的实验期。在现代主义思潮的推动下，摄影师开始探索媒介本身的物质属性和非传统视角。 包豪斯的结构与“新客观性”： 详细考察德国摄影，特别是拉兹洛·莫霍利-纳吉（László Moholy-Nagy）对光线、拼贴和“摄影图”（Fotogram）的实验。讨论“新客观性”如何以冷静、去情感化的视角重新审视日常世界。 超现实主义的幻境： 分析曼·雷（Man Ray）等艺术家如何利用曝光过度、双重曝光和影像的偶然性，构建符合潜意识逻辑的视觉叙事，使摄影成为探索心理深处的工具。 纪实摄影的黄金时代： 聚焦于“FSA项目”和玛格南图片社的成立。本章着重讨论摄影师（如沃克·埃文斯、多萝西娅·兰格）如何在强烈的社会关怀下，平衡主观介入与客观报道的伦理边界。 第三部分：后现代的解构与媒介的反思（20世纪60年代至今） 随着战后社会结构的改变和大众媒体的爆炸式发展，摄影艺术开始质疑其自身的真实性和权威性。 “观看之道”的颠覆： 重点分析罗伯特·弗兰克（Robert Frank）的《美国人》如何以一种充满主观、破碎和边缘化的视角，挑战了传统“纪实的美好叙事”，预示了后现代对既定现实的怀疑。 观念摄影的兴起： 探讨辛迪·舍曼（Cindy Sherman）等艺术家如何通过自拍像（Self-Portraiture）的系列创作，解构性别角色、媒体形象与身份建构之间的复杂关系。摄影不再是“拍摄什么”，而是“关于拍摄本身的观念”。 媒介的融合与数字转向： 分析从彩色摄影的成熟应用（如威廉·埃格斯顿）到数码时代的到来，摄影如何与装置艺术、影像艺术相互渗透。本书将探讨数字技术对“瞬间”与“真实”这两个核心摄影概念带来的根本性挑战，以及当代艺术家如何利用后期制作的无限可能性，创造出全新的视觉语境。 本书特色 跨学科视野： 本书将摄影艺术置于哲学、社会学、媒介理论和视觉文化研究的广阔背景中进行考察，而非孤立地讨论技术或风格。 详尽的案例分析： 选取了数百个关键性的摄影作品和艺术家案例，配以深入的文本分析，引导读者理解图像背后的复杂语境和决策过程。 理论深度与可读性兼顾： 结构严谨，论证充分，同时语言流畅，力求使专业领域的探讨Accessible（易于接近），适合艺术史爱好者、摄影专业学生及对视觉文化感兴趣的广大读者深入研读。 《光影流转》旨在提供一个全面、深入且富有批判性的视角，帮助读者不仅“看懂”那些历史性的照片，更能理解摄影艺术作为人类文明记录者、批判者与创造者所扮演的复杂角色。它是一场关于光线、时间、真实与幻象的百年对话。

评分☆☆☆☆☆

我个人对书中对“艺术媒介”的探讨最为印象深刻。它没有将绘画、音乐、建筑等艺术形式割裂开来，而是将它们置于一个流动的技术与社会背景下去考察。书中对摄影术发明初期，画家们如何应对“真实再现”挑战的描述，简直是一场精彩的学术辩论浓缩。作者深入剖析了媒介材料的物理特性是如何反作用于艺术家的创作意图和观众的感知体验的。比如，油画颜料的厚重感与水墨的虚化感，如何决定了它们所承载的文化重量和情感表达的强度。更令人拍案叫绝的是，书中对数字艺术和虚拟现实（VR）的讨论，显示出作者紧跟时代脉搏，并未将艺术史定格在古典时期。这种对媒介演进的深刻洞察，让我意识到，艺术史不是一段已经结束的历史，而是一个正在发生的、由技术不断重塑的动态过程。它让我重新审视了那些我每天都在使用的媒介，赋予了它们一层新的、更具批判性的理解维度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是匠心独运，光是捧在手里就有一种沉甸甸的仪式感。封面采用了那种略带粗粝感的亚麻布材质，触感温润而富有质感，中央的烫金标题“艺术概论”在微光下折射出低调而典雅的光芒，让人立刻联想到古典艺术的厚重与庄严。内页的纸张选择也极为考究，米白色的纯质纸张，墨色清晰锐利，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳。我特别喜欢它排版上的留白处理，不多不少，恰到好处地将文字与空白分隔开来，仿佛在提醒读者，欣赏艺术，需要的不仅是知识的输入，更是一种呼吸和沉思的空间。每一次翻开它，都像是在进行一次精心准备的私人展览的预热，每一个细节都在默默地诉说着编者对于“艺术”二字的敬畏之心。这本书的外在美学，已经超越了一本教材的范畴，它本身就是一件值得收藏的艺术品，光是摆在书架上，都能提升整个房间的格调，让人在不经意间，就对艺术的品味有了一个初步的建立。这种由外而内的感染力，是很多流于表面的读物所无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

这本书最难能可贵的一点，在于它对“艺术史观”的批判性审视，这使得它区别于许多流于表面的入门读物。它没有将西方艺术史视为唯一的标准模板，而是花了相当大的篇幅去探讨“非西方艺术”在人类艺术图景中的重要地位，以及我们在解读这些文化时常常陷入的“文化傲慢”陷阱。作者在论述中反复强调，理解一种艺术形式，必须先沉浸于其产生的社会土壤和信仰体系之中，脱离了这些背景的解读，无异于缘木求鱼。这种谦逊而开阔的史观，极大地拓宽了我的视野。我不再仅仅关注“这个作品看起来美不美”，而是开始追问“这个作品在它诞生的那个世界里意味着什么”。这种从审美判断到文化理解的转变，才是真正的艺术启蒙。阅读完后，我对博物馆里陈列的文物，乃至街头巷尾的涂鸦，都有了一种更深层次的敬意，因为我知道，每一件作品背后都承载着复杂的文化密码等待我去破译。

评分☆☆☆☆☆

我最初是抱着一种“应付差事”的心态来接触这本书的，毕竟“概论”二字听起来就意味着枯燥的知识点堆砌和概念罗列。然而，出乎意料的是，它完全没有陷入那种教科书式的窠臼。作者的叙事手法极其老练，像是经验丰富的导游，带着你穿梭于人类文明的艺术长廊。他没有急着抛出晦涩的术语，而是从最贴近生活的直觉和情感入手，比如色彩是如何影响我们的情绪，线条的走向如何暗示着动态与静止。这种由表及里的引导，让我这个艺术门外汉能够迅速找到与这些宏大概念的连接点。读到关于文艺复兴时期透视法的讨论时，我仿佛亲眼目睹了那个时代画家们如何从二维平面中“创造”出三维空间的奇迹，那种智力上的震撼和审美上的愉悦交织在一起，让人欲罢不能。书中穿插的那些小故事和逸闻趣事，也让原本严肃的学术内容变得生动活泼，不再是冷冰冰的理论，而是有血有肉的、属于人类创造力的鲜活记录。

评分☆☆☆☆☆

这本书在结构组织上展现了一种近乎数学般的严谨逻辑，但其内容却充满了哲学思辨的深度。它并非简单地按照时间顺序或者地域风格进行线性介绍，而是巧妙地设置了几个核心的“切片”——比如“形式与内容”、“模仿与再现”、“永恒与瞬间”等主题性的章节。通过这些交叉的视角，作者引导读者去思考艺术作品背后的深层动因和普遍规律。例如，在讨论了不同时代对“美”的定义变迁后，它会立刻跳到对当代艺术中“丑”和“去中心化”的反思，这种跳跃并非混乱，而是在构建一个宏大的知识网络。每一次阅读，我都会在不同的章节之间来回对照，惊喜地发现之前学到的一个关于雕塑的观点，竟然能完美地解释某个音乐流派的结构特点。这本书真正做到的，是教会我们如何提问，而不是提供所有答案。它培养的是一种跨媒介、跨时空的分析能力，让人明白，艺术的本质是人类精神在不同载体上的投射，其规律是相通的。