艺术的理论与哲学:风格.艺术家和社会 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 迈耶夏皮罗 著

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• 现代艺术

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出版社： 江苏美术出版社

ISBN：9787534499333

商品编码：10887924933

出版时间：2016-01-01

作  者:(美)迈耶？夏皮罗 著作 沈语冰//王玉冬 译者 定  价:68 出 版 社:江苏美术出版社 出版日期:2016年01月01日 页  数:295 装  帧:平装 ISBN:9787534499333 ●致谢
●序言
●1．视觉艺术符号学中的某些问题：图像一符号的场域与载体(1969)
●2．论形式与内容的完美、融贯与统一(1966)
●3．风格(附参考文献)(1953)
●4．批评家欧仁？弗罗芒坦(1949)
●5．作为个人物品的静物画：关于海德格尔与凡？高的札记(1968)
●6．再论海德格尔与凡？高(1994)
●7．关于弗洛伊德与列奥纳多的一次艺术史研究(1 956)
●8．弗洛伊德与列奥纳多补记(1994)
●9．狄德罗关于艺术家与社会之问关系的论述(1964)
●10．贝伦森先生的价值标准(1961)
●11．论赞助人与艺术家的关系：关于为科学家拟议的一个范式的一些评论(1964)
●索引
●译后记

内容简介

《艺术的理论与哲学(风格艺术家和社会)》是迈耶？夏皮罗自选集的第四卷，收入了他关于艺术理论论与艺术哲学的很重要作品。他极其清晰的论辩，优美雅致的散文，异乎寻常的博大精深，透过丰富多样的探索领域，读者在诸多课题中探幽揽胜：艺术家与艺术、批评家与批评的社会角色，赞助人与艺术家、精神分析与艺术、哲学与艺术之间的关系等等。
夏皮罗融会人类学、语言学、哲学、生物学及其他学科的广泛资源和批评方法，厘定了诸如“绘画风格”“场域与载体”  “内容与形式”之类极其重要的语义学术语；阐明了弗洛伊德论达？芬奇、海德格尔论凡？高的有名文本中隐匿着的意图；反思了伯纳德？贝伦森的批判性方法，以及狄德罗和弗罗芒坦写作中的社会哲学。
通过这些文章，夏皮罗为我们提供了安顿我们往昔的方法，理性与激情皆备，方法与创意并存。在这样做时，他激发了我们对批判性思维和创造性独立的特别重要性的信念。 (美)迈耶？夏皮罗 著作 沈语冰//王玉冬 译者 迈耶？夏皮罗(Meyer Schapiro，1904―1996)，曾为哥伦比亚大学校级教授，艺术史学科中很好的人物之一，与思想史界的以赛亚？伯林齐名，长期以来被认可为美术史界的传奇。夏皮罗的学术成就集中体现在四卷本的选集中，它们是《罗马式艺术》(1977)、《现代艺术：19与20世纪》(1978)、《古代晚期、基督教早期和中世纪艺术》(1979)，以及《艺术的理论与哲学：风格、艺术家和社会》(1994)。夏皮罗一生获得过无数荣誉，其中包括美国国家书评奖和米切尔艺术史奖，均颁给他的代表作《现代艺木：19与20世纪》。

艺术的结构与解析：形式、意义与观看的实践 一部深入剖析艺术作品内部逻辑与外部影响的跨学科研究 本书旨在提供一个全面而精密的框架，用以理解和分析艺术创作的深层结构、其所承载的文化意义，以及观看者在体验过程中所扮演的角色。我们避开了对特定流派或历史时期的简单编年史叙述，转而聚焦于艺术现象背后的普遍性机制——即艺术如何被“构造”出来，又如何被“解码”和“感知”的。全书分为三个紧密关联的部分，共同构建起一个探索艺术本质的智识迷宫。 第一部分：形式的文法——视觉的构成与媒介的潜能 本部分的核心在于解构艺术作品的物质基础与形式要素，探讨艺术家如何在既定的媒介限制中创造意义。我们首先深入考察“形式”的本体论地位，区分形式（Form）与内容（Content）的辩证关系。形式并非仅仅是内容的容器，它本身就是意义的载体，具有不可替代的能动性。 我们将详细分析构成视觉艺术的“基本语法”：点、线、面、色彩、肌理与空间。对于每一个元素，我们不仅描述其物理属性，更着重探讨其在不同文化语境和历史阶段中如何被赋予符号价值。例如，色彩的心理学效应与象征意义的演变，从古代宗教壁画中的神圣蓝，到印象派对光影瞬间的捕捉，再到抽象表现主义中纯粹情感的宣泄。 随后的章节将聚焦于“媒介的哲学”。媒介不再被视为中立的工具，而是塑造艺术表达本身的积极力量。我们探讨油画的物质性如何影响其对时间与永恒的表达，摄影的机械复制性如何挑战了“原创性”的概念，以及数字艺术中算法与交互性如何重塑了观众的参与模式。每一媒介都携带其特有的“技术逻辑”，这种逻辑规定了艺术家可利用的表达范围，并潜移默化地影响了最终作品的认知结构。通过对“物质性”的深入挖掘，我们试图揭示艺术的“在场性”与“可及性”之间的张力。 第二部分：意义的生成——符号、语境与诠释的场域 如果说第一部分关注艺术的“如何被建造”，那么第二部分则转向“它在说什么”以及“它如何被理解”。本部分致力于建立一个多维度的意义分析模型，超越简单的作者意图或时代精神的单一解释。 我们引入结构主义和后结构主义的工具，分析艺术作品内部的“符号系统”。作品被视为一个复杂的文本，其中包含着互相关联的记号（Signifiers）和被指称的对象（Signified）。我们将探讨意象、母题、隐喻在不同艺术传统中的循环与变异。例如，对“风景”这一母题的分析，如何从浪漫主义时期的崇高体验，转变为现代主义对纯粹平面性的探索，最终成为当代艺术中对环境政治的批判视角。 关键的章节将讨论“语境”的力量。艺术品的意义从未是孤立的，它嵌入于复杂的历史、社会、意识形态的交织网络之中。我们审视艺术史叙事是如何被构建和解构的，关注被主流话语边缘化的艺术实践（如手工艺、非西方艺术）如何挑战既有的美学等级制度。语境分析要求我们不仅要“看”作品，更要“定位”作品，将其放置于权力运作、经济基础和知识生产的宏大背景之下。 最后，本部分深入探讨“诠释学的循环”。作品的生命力在于其不断被重新阅读的能力。我们分析不同时代的评论家、收藏家乃至大众如何“覆盖”上新的意义层。理解艺术不是一个找到终极答案的过程，而是一个持续的、充满张力的对话过程。作品的“开放性”（Openness）是其永恒魅力的来源。 第三部分：观看的实践——主体、感知与体验的美学 本书的第三部分将焦点从客体转向主体，探讨观看行为本身的美学维度。艺术的完成，有赖于一个在场、感知并做出反应的“观看者”。 我们将审视“在场”与“缺席”的关系。传统的观看模式（如在博物馆中）强调凝视（Gaze）的主导性与单向性。我们探讨福柯式的凝视权力，以及在当代艺术装置和沉浸式体验中，观看者如何从被动的接受者转变为积极的参与者。这种转变对艺术作品的“边界”提出了根本性的挑战。 心理学和现象学的视角被引入，以理解感知的过程。我们分析何种生理机制和社会习惯塑造了我们的“审美经验”。“美”与“丑”并非永恒的范畴，而是通过身体经验和社会化的观看规范建构起来的。我们将详细讨论“厌恶感”、“敬畏感”和“超验感”等非理性的、强烈的情感体验，它们往往是区分平庸与杰出作品的关键。 收官章节将聚焦于“艺术与伦理/政治的交汇点”。观看行为本质上是一种伦理立场。当观众面对涉及苦难、身份政治或历史创伤的作品时，他们所采取的观看姿态，即他们的“在场方式”，构成了对作品所提出问题的回应。艺术的价值，最终体现在它激发我们重新审视自身与世界关系的能力上。 本书不是一本关于“如何欣赏艺术”的指南，而是一套用于“如何思考艺术”的方法论工具箱。它要求读者以严谨的结构分析、广阔的文化视野以及对自身观看经验的深刻反思，参与到艺术的持续对话之中。

评分☆☆☆☆☆

从哲学思辨的角度来看，《艺术的理论与哲学：风格、艺术家与社会》无疑是极具野心的一部作品。它并未局限于任何单一的哲学流派，而是巧妙地穿梭于现象学、结构主义乃至后结构主义的理论迷宫之中，试图为艺术的“在场性”提供一个多层次的解释。我个人对书中关于“社会作为审美中介”的论述印象最为深刻。作者并没有将社会简单地视为艺术的背景板，而是将其视为一种积极的、不断重塑艺术意义的“生成场域”。例如，书中对大众媒介兴起后，艺术作品“光环”消逝的探讨，不仅是对本雅明的思想的继承与发展，更是在当代语境下提出了紧迫的理论挑战：在信息爆炸的时代，艺术如何维系其特殊的、超越性的地位？这种将本体论探讨与社会批判紧密结合的写作手法，使得全书的论证具有一种强烈的现实关怀和穿透力，远非一般纯粹的美学评论所能比拟。

评分☆☆☆☆☆

如果说，艺术理论往往给人一种抽离和疏离的印象，那么本书的价值就在于它成功地将高深的理论探讨，锚定在了具体的、可感知的历史事实之上。它像一个精密的罗盘，帮助读者在浩瀚的艺术史海洋中辨清方向。我尤其欣赏作者在处理“风格”变化时所展现出的历史耐性，没有急于下定论，而是细致入微地追踪了技术革新（比如颜料的进步或印刷术的普及）如何间接地重塑了艺术家的感知习惯和社会对美的期待。这种对技术与美学之间微妙张力的关注，是本书区别于许多侧重于纯粹符号学分析的著作的关键所在。它提醒我们，艺术的演变绝非纯粹的理念竞争，而是技术、经济、社会权力交织作用下的一个复杂有机体。读完后，我感觉自己对艺术史的理解，从二维的平面图，变成了立体的、充满内在张力的结构模型。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉，更像是一场关于“艺术家主体性”的田野调查和精神考古。那些关于艺术家个体能动性的论述，尤其引人入胜。我们常常将艺术家神化，认为他们是灵感的化身，但本书却冷静地将艺术家置于具体的社会经济关系网中进行考察，揭示了赞助人制度、市场机制，乃至科学思潮对创作实践的塑造作用。这种去浪漫化的叙事，非但没有削弱我对艺术的敬意，反而让我更加珍视那些在重重限制下依然能发出独特之声的创作者。我记得书中对巴洛克时期艺术家身份转变的分析，简直是教科书级别的案例研究。它清晰地展示了，艺术的“伟大”往往是社会结构、技术条件和个人天赋相互作用的产物，而非孤立的“天才瞬间”。读完后，我对自己过去对艺术史的线性理解产生了动摇，开始用一种更具韧性和复杂性的眼光去看待那些历史上的艺术巨匠及其作品的生成过程。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，对我而言是一种挑战，但更是一种馈赠。它并不追求通俗易懂的阐释，而是采用了高度凝练和精确的学术表达，如同精密的手术刀，剖开艺术现象的肌理。我需要反复阅读某些段落，才能完全领会其中蕴含的复杂概念。然而，一旦越过初期的阅读障碍，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。它强迫我用更严谨的逻辑来组织我的艺术感知。特别是关于“社会”维度与“风格”维度的互动关系，书中构建了一个精密的模型，展示了社会意识形态是如何潜移默化地内化为艺术家的笔触、色彩选择乃至题材偏好之中。这使得我重新审视自己观看艺术的方式——我们看到的，往往不是事物本身，而是被特定社会结构过滤和编码后的“可见性”。这种对观看机制的揭示，极大地拓宽了我的认知边界。

评分☆☆☆☆☆

读完《艺术的理论与哲学：风格、艺术家与社会》后，我深感震撼，它不仅仅是一部学术著作，更像是一次对艺术本质的深度哲学漫步。作者以极为细腻的笔触，剖析了“风格”这一概念如何在历史的洪流中演变，它如何成为连接艺术家个人视域与时代精神的桥梁。特别是在探讨古典主义与浪漫主义风格差异时，那种对时代思潮的精准捕捉，让人不禁反思，我们今天所见的艺术现象，其底层的驱动力究竟是什么？书中对于风格形式的分析，似乎超越了单纯的美学范畴，触及了社会结构和权力关系对艺术表达的隐性规训。我尤其欣赏作者处理“同一性与差异性”的辩证关系，即艺术风格在保持其内在一致性的同时，又如何不断地通过个体的创造性实践来实现自我超越。这种对艺术史发展动力的多维解读，为我理解艺术批评提供了一个全新的、更为坚实的理论框架，使我不再满足于对作品表象的描述，而是渴望探究其背后的深刻逻辑。