诠释色彩静物/主题教学诠释系列丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 木垛图书旗舰店

出版社： 中国书店

ISBN：9787514914573

商品编码：29482992892

开本：8

出版时间：2016-05-01

基本信息

• 商品名称：诠释色彩静物/主题教学诠释系列丛书
• 作者：编者:张挺|总主编:孔祥涛
• 定价：88
• 出版社：中国书店
• ISBN号：9787514914573

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2016-05-01
• 印刷时间：2016-05-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：8开
• 包装：平装
• 页数：141

编辑推荐语

在一幅作品中，色彩之间的明度、纯度的对比，色的节奏关系，色彩渐变所形成的升调和降调，色相、明暗、强弱的变化等，都是需要关注的要点。张挺编著，孔祥涛主编的《诠释色彩静物/主题教学诠释系列丛书》即从色调的各个相关元素进行解析，以提高绘画者的艺术表现力和感染力。

作者简介

张挺，福建宁德人，从事色彩教学工作多年，教学经验丰富，具有一套完整、实用的色彩教学体系。色彩作品多次参与出版。杭州【主题教学系列丛书】签约作者。

目录

扉页/目录
概念
构图
黑白
色调
单体／精彩局部
单体／水果
精彩局部／水果
单体／蔬菜
精彩局部／蔬菜
单体／玻璃、塑料
精彩局部／玻璃、塑料
单体／器皿
精彩局部／器皿
精彩局部／金属
精彩局部／其他
作画解析
器皿水果作画解析（一）
器皿水果作画解析（二）
蔬菜组合作画解析
花卉组合作画解析
文具组合作画解析
器皿水果类
生活类
花卉类
其他类

《色彩的语言：静物写生与主题创作的探索》 一、 导论：色彩的深度与静物的温度 色彩，是视觉艺术中最直观、最具情感感染力的元素。它不仅仅是颜料的混合，更是光影的歌唱，是情绪的低语，是故事的载体。静物写生，作为绘画训练的基础，为我们提供了一个观察、理解和表达色彩的绝佳平台。通过对日常器物、蔬果、花卉的细腻描摹，我们得以深入探究物体的质感、形态以及它们在不同光照下呈现出的丰富色彩变化。而将静物写生置于“主题教学”的框架之下，则赋予了色彩表达更深层次的意义——它不再仅仅是对客观世界的模仿，而是通过对特定主题的解读，将情感、思想与美学追求融汇于色彩的运用之中，从而创作出富有生命力和感染力的艺术作品。 本书《色彩的语言：静物写生与主题创作的探索》并非简单罗列绘画技巧，而是旨在引导读者深入理解色彩的本质，掌握静物写生的核心要领，并在此基础上，学会如何将个人对世界的感悟与理解，通过色彩这一语言，转化为具有主题性的艺术表达。本书的写作核心，在于“诠释”——即深度解读色彩在静物写生中的作用，以及在主题创作中如何承载和传递意义。我们将从基础出发，层层深入，带领读者一同踏上色彩的探索之旅。 二、 第一篇：静物写生的色彩基础与实践 第一章：色彩的物理属性与感知原理 在进行任何形式的色彩创作之前，理解色彩的本质至关重要。本章将从科学的角度出发，深入浅出地阐述色彩的物理属性，包括波长、饱和度、明度等概念，以及这些物理属性如何被我们的视觉系统感知，进而形成我们所见的丰富色彩世界。我们将探讨色彩的混合原理，区分加法混合与减法混合，并解释为何颜料混合会产生与光混合不同的结果。 1.1 色彩的物理本质：光与波长 可见光谱的构成与色彩的对应关系。 光照强度与色彩感知的影响。 1.2 色彩的三要素：色相、明度、饱和度 色相：色彩的种类，如红、黄、蓝等，是色彩最基本的属性。 明度：色彩的明暗程度，从黑到白的变化，影响画面的空间感和氛围。 饱和度：色彩的鲜艳程度，即色彩的纯度，影响画面的冲击力和表现力。 1.3 色彩的感知心理：色彩对比与联觉 色彩的并置效应：邻近色、互补色对比产生的视觉效果。 色彩的心理暗示：不同色彩对观者情绪和心理状态的影响。 联觉现象：当一种色彩引发对另一种感觉的想象，例如“暖色调”带来温暖感，“冷色调”带来凉爽感。 第二章：色彩的视觉语言：色轮、色调与色彩关系 本章将聚焦于色彩在绘画中的组织与运用，重点介绍色轮及其在色彩搭配中的指导作用，并深入探讨不同色彩关系所带来的视觉效果，为静物写生中的色彩选择提供理论依据。 2.1 色轮的构成与运用 三原色、二次色、三次色的概念。 利用色轮分析和调配色彩。 2.2 色调的划分与表现 暖色调、冷色调、中性色调的特点与应用。 如何通过色调营造画面的整体氛围和空间感。 2.3 色彩关系的分析与实践 同类色（邻近色）： 色彩相似，对比柔和，适合表现宁静、和谐的氛围。 对比色（互补色）： 色彩差异大，对比强烈，能产生鲜明的视觉冲击力，突出画面主体。 补色搭配： 互补色的并置能相互突出，但需注意色彩的纯度与明度，避免过于刺眼。 中差色： 色彩之间有一定距离，但又不过于强烈，提供丰富的过渡与变化。 单色调： 以一种主导色彩为基础，通过改变其明度与饱和度来丰富画面，营造统一和谐的视觉感受。 第三章：静物写生的色彩观察与分析 如何在写生中准确捕捉和表现色彩，是本章的重点。我们将引导读者从细致的观察入手，分析物体自身的固有色、环境色、光源色以及它们之间的相互影响。 3.1 观察的起点：物体的固有色 理解物质本身的色彩属性，以及其受材质、结构等因素的影响。 3.2 环境色的影响：色彩的相互渗透 物体周围环境的色彩如何反射到物体表面，改变其固有色。 墙壁、桌面、背景等对静物的色彩影响。 3.3 光源色与环境光的互动 不同光源（如日光、灯光）的色温对色彩的影响。 光影交界处的色彩变化，受光面与背光面的色彩差异。 3.4 色彩的冷暖对比在静物中的运用 分析受光面通常偏暖，背光面通常偏冷（受环境色影响）。 利用冷暖对比塑造体积感和空间感。 3.5 材质的表现与色彩的关系 金属、玻璃、布料、水果等不同材质表面色彩的反射、折射、透明度等特点。 如何通过色彩来表现不同材质的质感。 第四章：静物写生的色彩调色与技法 本章将从实践层面出发，讲解如何在画布上有效地调配和运用色彩，掌握基本的色彩表现技法，以达到预期的视觉效果。 4.1 色彩的调配原则 从“望、闻、问、切”的中国传统医学诊断方法引入，类比到色彩的观察与分析。 小面积试色，确认色彩准确性。 控制颜料的纯度与明度，避免色彩“灰”掉。 色彩的“找形”与“找色”并行。 4.2 基本色彩技法 平涂法： 均匀地涂抹色彩，表现物体平整的表面。 罩染法： 在已干的色彩层上薄涂一层透明色彩，改变下层色彩的色相、明度或饱和度，产生丰富的色彩层次。 厚涂法： 运用厚重的颜料层，表现物体坚实的体积感和肌理感。 笔触的表现： 不同的笔触（如短促、流畅、刮擦等）能传达不同的情感和质感。 色彩的衔接与过渡： 如何使色彩之间自然地融合，避免生硬的接缝。 4.3 经典静物写生案例分析 选取不同时期、不同风格的静物写生作品，分析其色彩构成、调色方法和技法运用。 例如，凡·艾克对物质光泽的表现，莫兰迪对色彩宁静感的营造，等。 三、 第二篇：主题教学下的色彩诠释与创作 在掌握了色彩的基础与静物写生的实践技巧后，本书将进一步引导读者进入“主题教学”的范畴，学习如何将个人情感、哲学思考、社会关怀等通过色彩语言进行有深度的艺术表达。 第五章：主题的提炼与色彩的象征意义 本章的核心在于如何从一个抽象的概念或具象的场景中，提炼出绘画的主题，并将这些主题与色彩的象征意义相结合，赋予画面内在的生命力。 5.1 主题的来源与构成 个人情感与经历：喜悦、忧伤、孤独、希望等。 社会现象与反思：环保、科技、人文关怀等。 哲学思考与观念：时间、空间、生死、真理等。 自然意象与象征：四季更迭、生命轮回、自然力量等。 5.2 色彩的象征与联想 红色： 热情、生命、爱、危险、力量、革命。 蓝色： 宁静、忧郁、理性、广阔、神秘、寒冷。 黄色： 温暖、阳光、光明、希望、智慧、病态。 绿色： 生命、自然、生机、和平、希望、嫉妒。 紫色： 神秘、尊贵、哀伤、浪漫、艺术。 橙色： 活力、丰收、喜悦、温暖、创造。 白色： 纯洁、神圣、空灵、死亡、开始。 黑色： 严肃、力量、死亡、神秘、深邃、压抑。 灰色： 中庸、模糊、沉静、忧郁、理性。 （注：色彩的象征意义受文化、时代、个人经验等多种因素影响，并非固定不变，本书强调的是引导读者进行个性化的解读与联想。） 5.3 如何在静物中融入主题 选择具有象征意义的静物元素。 通过色彩的组合与对比来表达主题情感。 利用画面的构图与氛围营造主题意境。 第六章：主题创作的色彩语言建构 本章将指导读者如何建立自己独特的主题创作色彩语言，使色彩成为表达思想和情感的有力工具，而非仅仅是客观的描绘。 6.1 色彩的叙事性 如何利用色彩的变化来讲述一个故事，引导观者情绪的起伏。 色彩的节奏与韵律：明暗、冷暖、纯度等的变化如何形成画面的动态感。 6.2 色彩的心理投射 如何通过色彩的运用，将创作者的内心世界映射到画面中。 例如，强烈的色彩对比可能反映内心的冲突，柔和的色彩过渡可能表达宁静的心绪。 6.3 色彩的创新与突破 鼓励读者在传统色彩运用基础上进行实验与创新。 探索非写实的色彩表现手法。 将不同文化背景下的色彩观念融入创作。 6.4 案例分析：主题性静物画作解读 选取具有代表性的主题性静物画作，如梵高的《向日葵》（象征生命力与热情）、雷诺阿的《煎饼磨坊的舞会》（通过色彩表现欢快的人群与氛围），分析其色彩如何服务于主题表达。 （请注意：此处并非直接介绍《诠释色彩静物/主题教学诠释系列丛书》中的具体案例，而是通过通用性的经典作品进行分析，以说明主题性色彩创作的普遍原则。） 第七章：主题教学的实践指导与案例解析 本章将提供具体的教学方法和实践步骤，帮助读者将理论知识转化为实际的创作能力，并提供若干不同主题的创作案例，以期激发读者的创作灵感。 7.1 主题教学的实施步骤 明确主题： 从思考、研究、讨论中确立创作主题。 素材搜集与构思： 寻找与主题相关的静物元素，进行草图构思。 色彩方案设计： 根据主题选择主导色、辅助色、点缀色，确定色彩基调。 写生与创作实践： 在静物写生的基础上，有意识地运用色彩进行主题表达。 反思与调整： 对创作过程和作品进行评估，不断优化色彩表现。 7.2 不同主题的静物创作案例演示 案例一：关于“时间流逝”的主题 选择老旧的器物（如古籍、残破的钟表、枯萎的花朵）作为静物元素。 色彩运用：倾向于使用低饱和度、偏灰的色彩，如土黄、赭石、暗蓝、灰绿等，营造出岁月的痕迹和沉淀感。可以通过色彩的渐变来表现时间的无情流逝，例如从鲜活到枯萎，从完整到残破。 案例二：关于“丰收的喜悦”的主题 选择饱满的蔬果（如金黄的麦穗、成熟的玉米、鲜红的苹果）作为静物元素。 色彩运用：以明亮的暖色为主，如金黄、橙红、翠绿，搭配大面积的暖色调，营造出阳光普照、生机勃勃的画面。高饱和度、高明度的色彩组合，能够充分表达丰收带来的喜悦和满足感。 案例三：关于“都市的孤寂”的主题 选择具有现代感但略显冰冷的物体（如金属构件、玻璃器皿、空置的椅子）作为静物元素。 色彩运用：以冷色调为主，如灰蓝、深紫、冷灰，搭配少量对比强烈的色彩（如一点亮黄或猩红），来突出疏离感和孤独感。利用色彩的暗部处理和模糊的轮廓来营造压抑或空旷的氛围。 案例四：关于“生命的顽强”的主题 选择在严酷环境中生存的事物（如沙漠中的仙人掌、石缝中的野草、雨后的苔藓）作为静物元素。 色彩运用：强调色彩的对比与生命力。例如，在暗淡的背景下，突出主体物生机勃勃的色彩（如翠绿的仙人掌、倔强生长的绿芽）。运用对比色来表现其顽强生命与周围环境的冲突，传递出不屈不挠的精神。 （以上案例旨在说明如何通过色彩元素的选择与搭配，以及色彩的冷暖、明暗、饱和度等变化，来表达特定的创作主题，具体绘制细节可根据个人理解和技法进行调整。） 四、 结语：色彩的永恒探索 色彩是艺术的灵魂，静物是通往色彩殿堂的基石。本书《色彩的语言：静物写生与主题创作的探索》希望能够成为您在色彩探索旅途中的一个忠实伴侣。我们相信，通过对色彩本质的深入理解，对静物写生技巧的熟练掌握，以及对主题创作理念的不断追求，每一位热爱艺术的您，都能用色彩描绘出属于自己的独特世界。色彩的探索永无止境，每一次提笔，都是一次新的发现；每一次调色，都是一次新的对话。愿您在色彩的海洋中，尽情遨游，创作出触动人心的作品。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，艺术学习最怕的就是“纸上谈兵”，理论再好，如果不能转化为实践，那都是空谈。这本书在这方面做得非常出色，它没有停留在枯燥的理论讲解，而是将理论与实践紧密结合，提供了一系列非常具体和可操作的教学方法。我特别喜欢书里提供的“主题教学实践案例”，这些案例详细地讲解了如何围绕一个主题，比如“秋天的金色”、“童话的色彩”等，设计一系列的绘画活动。书中不仅仅提供了示范作品，还给出了详细的步骤和注意事项，甚至还考虑到不同年龄段孩子的接受能力，提供了不同难度的选择。我尝试着带着班里的孩子们，按照书中的一些方法进行实践，孩子们都非常投入，而且作品的完成度比以前有了很大的提高。我感觉，这本书的价值不仅仅在于它传授了多少理论知识，更在于它提供了一个行之有效的教学框架，让老师和家长能够轻松地将艺术教育落到实处，培养孩子们的创造力和色彩感知能力。

评分☆☆☆☆☆

我一直对儿童的艺术启蒙教育非常感兴趣，所以当我在书店里看到这套“主题教学诠释系列丛书”时，立刻就被吸引住了。尤其是这本关于色彩的，它的切入点非常独特，不是那种枯燥的理论讲解，而是通过一个个生动有趣的主题，比如“春天里的色彩”、“海洋的颜色”、“奇妙的童话世界”等等，来引导孩子们认识和理解色彩。我特别欣赏书中的那些互动设计，比如鼓励孩子动手去尝试，去画，去感受。我尝试着跟着书里的引导，给我的孩子讲解，他表现出了极大的兴趣，甚至自己主动去收集各种颜色的材料，做拼贴画。这让我觉得，这本书不仅仅是给专业人士看的，更适合像我这样的家长，能够从中获得很多实用的教学方法和灵感。它用一种非常接地气的方式，把复杂的艺术概念变得简单易懂，让孩子们在玩乐中学习，这正是我想看到的。我真的觉得，这套书能够帮助很多家庭，在培养孩子的艺术细胞方面，迈出坚实的第一步。

评分☆☆☆☆☆

作为一个曾经的艺术院校学生，我对色彩的理论知识和实际运用有着非常深厚的感情。这本书在理论部分的阐述上，可以说是做到了极致。它不仅仅停留在基础的色相、明度、饱和度这些基本概念，而是深入探讨了色彩的情感表达，不同文化背景下色彩的象征意义，以及在当代艺术创作中，色彩所扮演的更加多元化的角色。我尤其喜欢其中关于“色彩心理学”的那一部分，它让我对一些作品的理解又上了一层楼，原来艺术家在选择颜色时，是如此用心良苦，每一个色彩的选择都承载着作者想要传达的情绪和理念。书中的案例分析也相当到位，选择了不同风格、不同时期的代表性作品，详细剖析了它们在色彩运用上的独到之处，这对于我这种需要不断提升自己艺术鉴赏水平的人来说，简直是如获至宝。我甚至觉得，这本书的理论深度，足以作为艺术院校的教材来使用，因为它涵盖了色彩理论的方方面面，而且讲解得鞭辟入里，令人信服。

评分☆☆☆☆☆

最近我迷上了用手机拍摄一些生活中的静物，但总觉得拍出来的照片缺乏一些“灵魂”，色彩平淡无奇。偶然的机会，我翻到了这本书，简直是打开了新世界的大门。它里面的关于“静物写生中的色彩捕捉”和“如何利用色彩营造画面氛围”的章节，对我来说太及时了！书里有很多实例，展示了同一个静物，在不同的光线、不同的背景下，色彩会有怎样的变化，以及摄影师是如何通过调整色彩来增强画面的表现力的。我特别受启发的是关于“对比色”和“邻近色”在静物摄影中的应用，我以前只是凭感觉来，现在有了这本书的指导，我开始有意识地去观察和运用这些色彩原理。我甚至尝试着按照书中的建议，去摆放我的拍摄对象，调整白平衡，后期也开始尝试用一些色彩校正工具，效果真的比以前好太多了！感觉这本书就像我的私人摄影顾问，教会我如何用色彩来讲故事，让我的照片瞬间提升了好几个档次。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在是太吸引人了，封面就用了那种很有质感的哑光纸，色彩的搭配也相当考究，让人一看就觉得是本有分量的艺术类书籍。打开内页，纸张的厚度和触感都非常不错，印刷更是没得说，色彩还原度很高，我尤其喜欢那些经典的静物画作，梵高的向日葵、莫奈的睡莲，还有一些国内大师的作品，每一幅都仿佛触手可及。更别提那些详细的局部放大和对比分析了，看得我这个绘画爱好者心潮澎湃，恨不得立刻拿起画笔去临摹一番。光是翻阅这部分内容，就已经觉得值回票价了，它不仅仅是一本画册，更像是一个艺术的宝库，每一次翻阅都能发现新的惊喜。我甚至花了不少时间去研究书中的一些大师的创作背景和他们对色彩的独特运用，这些信息对于我提升自己的审美和艺术鉴赏能力非常有帮助。我一直觉得，好的艺术作品需要细细品味，而这本书恰恰提供了这样一个绝佳的平台，让我能够沉浸其中，与大师对话。