人体素描与绘画技巧---意大利名家经典绘画教程-W pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[意] 乔瓦尼·席瓦尔第，周旼旻 著

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店铺： 诗书雅韵图书专营店

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532295197

商品编码：29506844068

包装：平装

出版时间：2015-07-01

基本信息

书名:人体素描与绘画技巧---意大利名家经典绘画教程-W

定价：38.0元

售价：23.9元,便宜14.1元,折扣62

作者: 乔瓦尼·席瓦尔第,周旼旻

出版社：上海人民美术出版社

出版日期：2015-07-01

ISBN：9787532295197

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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1.本书中介绍了利用不同的媒介，包括石墨、水粉、炭笔、钢笔等画人体素描的方法。
2.大量千姿百态的人体姿势，每幅画都配有作者从解剖角度的解析。
3.书中*后一部分，作家加入了一些雕塑作品以供读者欣赏，这些雕塑作品可以帮助掌握形体的空间因素以及各部位的比重关系。

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href='#' target='_blank'>水粉人体写生   
href='#' target='_blank'>人体形态入门
href='#' target='_blank'>人体素描结构与方法

 

 

内容提要

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乔瓦尼·席瓦尔第是一名享有盛誉的意大利作家与艺术家，他基于多年写生素描与肖像画经验，将人体绘画技巧与解剖知识相结合，形成了精湛的绘画技艺。书中乔瓦尼为读者总结了绘画人体常用的材料与方法，一一阐述不同工具的使用、人体上色及形体勾勒等技巧，利用视觉元素，包括线条、色调与颜色，阐述如何在特定情况下，把握形体中光线的关系，形体的结构与表面，以及这些元素与周围环境的关系，为读者提供专业指导，教授读者如何画出能够传达形体的实体性、灵动性、生命力，使绘画作品更具感染力。

目录

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作者介绍

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席瓦尔第·乔瓦尼：于1949年出生在米兰。他在学习雕塑艺术、肖像画以及插画艺术的同时，也研习了药学与外科学。近十年来，他在欧洲各国展出自己的插图作品。他同时也致力于研究人体的解剖学特性与形体的关系，在此书中有详述。基于多年的教授解剖学的经验、写生素描与肖像画的经验，奇瓦第已成为一名享有盛名的作家与艺术家，并已发表众多著作。

文摘

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序言

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描绘人之形体这一主题尽管会随时代不同而繁枯变迁，却依然称得上是艺术中经久不衰、积厚流广的重要主题之一。而“裸像”已俨然主题范畴，而成为独立的艺术形式。然而，艺术中极少完全还原人之形体的真实影像，可以说在很大程度上，于人之形体的艺术表现中呈现的差异可以反映出不同文明时代、文化背景以及宗教信仰中的侧重点。在20世纪，西方艺术中出现了一次显著的风格转变，此种转变脱离了以往的传统艺术，使得具象艺术与非具象（抽象）艺术的区别分明，此阶段艺术也突破了参照实物模型的惯例以及写实主义，即模仿自然的手法。综上所述，我需要完成的任务，即评估现当代艺术中裸像艺术的角色，并非易事。

一方面，形象盛行当今社会，形象也成为了我们生活方式与社交中不可或缺的一部分，因而艺术的暗喻力与召唤力也在慢慢消失，与往日所达到的艺术效果不可同日而语。在众多的现代艺术展中，我们可以见到一些艺术品已呈现庸俗鄙薄的一面。这些艺术品摇曳于展现外表匀称健硕之美与表达对物化人体或商业化人体现象的鄙夷之间**。与此同时，曾在艺术中体现的亘古不变的人之实体似乎已在现当代艺术中消失。人体已然成为变形之地，甚至仅是“虚拟化物体”。在现当代艺术中、文化中浸满了各种形象，艺术家们对用写实主义手法体现人体已经兴趣匮乏。可以说，这点与不久前的时代有着天壤之别，那时自然实体不仅十分重要，甚至可以说是艺术创作的根基。

而另一方面，我们也在现当代画像与雕塑以及其他艺术形式中有所发现：一些作品已有光复裸像艺术的迹象。上述作品几乎可使人追溯裸像的原型，它们既饱含现代感，也能摒弃电子艺术那种具有欺性的哗众取宠，也并没有生硬刻板地体现实体。

抽象艺术盛行多年后，裸像又重新出现在主流艺术中。不论艺术家今后的艺术选向，裸像一直是艺术家们技能训练中不可或缺的重要部分。裸像艺术技能训练可以培养艺术家从情感以及形态多方面感知人体，使艺术家通过裸像的手绘、绘画以及雕塑的练习中掌握基本功。只有完全掌握根本规则的人才能够驰骋发挥——这句关于音乐的真理也同样适用于艺术。

我将在此文中总结手绘与绘画人体的常用材料与方法，同时将补充在日常生活中学习裸像艺术的一些实用技巧。因艺术表现手法的巨细在有关艺术技巧的论文中随处可见，本书将摒弃倾其所力阐述艺术技巧的做法，而是侧重于表述如何去实践我本人多年以来对于裸像艺术技巧的研究发现。此书的目的并非指明一种确立可行的方法，因我的方法也只局限于个人所用；而在于点睛掌握裸像艺术创作技巧的所需步骤与必须遵循之处，在此基础上，艺术家可开拓自身解读人体的艺术风格。除却天赋异禀的人，对于常人来说，从掌握裸像创作基本技巧到发展个人对裸像进行艺术解读的过程可谓任重道远，需要在掌握手绘与绘画主要技巧之后，再长时间对物体进行详尽的观察。

本书的后一部分列举了一些作品作为研究案例，并附上相关评论。从形态学与解剖学角度分析作品中展现的不同姿态。在实际写生过程中，若读者们遇到与书中类似的人体姿态，可以从本书中得到借鉴。与此同时，正如我在其他著作中着重表示的一样，在这里，我也要强调读者不应该拘泥于模仿书中的画像，而是要在写生实践中获得灵感，用真人模特，或者将自己视为模特。在写生过程中，读者可以从细节中挖掘本书提出的形体以及解剖学方面的特性。如果可以，读者还可以发现更多书中未提及的特征。在绘画训练中，没有一成不变的规则，一个能真知灼见的成熟画家甚至可以推翻规则，更有甚者，可以规则，创造规则。出于以上原因，可能如济安·劳伦佐·贝尼尼所说，在年轻画家面前展示“的真相”可能利大于弊，因为这些真相或者规则“剥夺了他们的想象力”。本书的读者在写生中可能也会印证上述观点。但是，本书的意图不在于培养“艺术家”，本书的目的更为实际，是为了引导读者学会采取方法去仔细观察人体并加以描绘，余下的修炼则取决于画家自身的天赋了。

意式素描的精髓：人体之形，光影之舞 这是一本深入探索人体素描与绘画技巧的艺术教程。它并非是对某一本特定书籍内容的复述，而是将意大利古典绘画大师们在人体描绘领域所传承的精髓，以一种概括、提炼的方式呈现给读者。我们将一同走进一个关于线条、体积、光影与生命力的视觉世界，学习如何捕捉人体最本质的形态，并赋予其勃勃生机。 一、 观照与理解：人体素描的基础 人体素描并非简单地将人摆在眼前照搬。它始于深刻的观照，是对人体结构、比例、动态的细致理解。意大利名家们深谙此道，他们将解剖学知识巧妙地融入绘画实践，使得每一笔线条都蕴含着骨骼的支撑、肌肉的起伏以及身体各部分的精确连接。 结构与比例的精确把握： 学习人体素描，首先要理解人体的基本构成。从头颅的椭圆形到躯干的桶状，再到四肢的圆柱体和锥体，艺术家们将复杂的立体形简化为易于理解的基本几何体。本书将引导读者认识人体各部分的标准比例，例如“黄金分割”在人体中的应用，以及如何在不同姿态下理解比例的动态变化。我们会分析如何用辅助线来确定肩宽、胯宽、肘部、膝盖等关键点的位置，从而构建出稳定而准确的人体骨架。从正面、侧面、背面，到俯视、仰视，每一个角度都要求艺术家具备精确的比例感。这需要反复的观察、测量（在脑海中或实际的尺量）和大量的练习，将这些比例关系深深烙印在脑海中。 骨骼与肌肉的理解： 意大利古典绘画的魅力在于其对人体内在结构的深刻洞察。名家们不仅仅是在描绘皮肤的表面，更是通过线条和明暗来暗示其下的骨骼轮廓和肌肉纹理。本书将深入探讨关键的骨骼结构，如锁骨、肩胛骨、脊柱、骨盆、肱骨、尺骨、桡骨、股骨、胫骨、腓骨等，以及它们如何影响身体的外观和运动。同时，我们将研究主要肌群的形态和走向，例如胸大肌、腹直肌、背阔肌、臀大肌、股四头肌、小腿肌等。理解这些肌肉在不同动作下的收缩与舒展，是塑造人体立体感和动态感的核心。例如，手臂弯曲时，肱二头肌的隆起；身体扭转时，腹外斜肌的牵拉；站立时，脊柱的S形曲线。这些都会通过实例解析，让读者理解线条如何准确地勾勒出骨骼的转折和肌肉的体积。 动态与平衡的捕捉： 人体并非静止的雕塑，而是充满生命力的运动体。意大利绘画大师们擅长捕捉人体在运动中的瞬间，以及身体如何通过微妙的调整来维持平衡。本书将引导读者理解重力、重心以及人体如何通过姿态的调整来适应和克服重力。例如，站立时，身体的重心会落在脚踝与脚掌之间，肩部与骨盆会形成一个反向的旋转来抵消腿部旋转带来的影响。行走、奔跑、跳跃、坐卧等各种姿态，都蕴含着复杂的力学原理和身体协调。我们将学习如何通过线条的引导来表现身体的舒展或收缩，如何用动态的S形曲线或Z形线条来表现身体的韵律感。学会预判身体的运动轨迹，抓住最有表现力的瞬间，是迈向更高层次的关键。 二、 光影的魔法：塑造立体与质感 光影是绘画的灵魂，尤其在人体素描中，它是塑造体积、质感和空间感的决定性因素。意大利名家们对光影的运用炉火纯青，他们能以寥寥数笔，将平面上的线条转化为触手可及的立体感。 理解光源与明暗关系： 任何物体都受到光源的影响，人体也不例外。本书将深入解析不同方向、不同强度的光源如何作用于人体，从而产生亮部、灰部、暗部以及投影。我们将学习辨别“受光面”、“背光面”、“反光面”以及“投影”。受光面最亮，背光面最暗，但反光面会从周围环境反射光线，使得背光面并非完全漆黑。投影则指示了物体与地面或其他表面的关系。理解这些基本的光影原理，是构建人体立体感的基石。 明暗过渡与体积塑造： 意大利大师们擅长利用细腻的明暗过渡来表现人体的圆润感和体积感。他们不会生硬地划分明暗界限，而是通过层层叠加、交叉排线等技法，使明暗面之间的过渡自然而流畅。本书将介绍不同类型的笔触和擦拭技法，如何用渐变的灰调子来表现肌肉的起伏和骨骼的转折。例如，在描绘圆形或弧形的表面时，明暗的渐变会呈现出完美的球体或圆柱体的感觉。通过控制明暗的对比度和过渡的柔缓度，我们可以让画面中的人体显得更加生动和真实。 光线对材质的表现： 光线不仅塑造体积，还能揭示物体的材质。皮肤的细腻、肌肉的坚实、骨骼的硬朗，都可以通过光影的变化来表现。例如，光滑的皮肤在强光下会产生高光点，而粗糙的皮肤则会让光线散射。肌肉的轮廓线在光线下会显得更加锐利，而骨骼的转折则会更加圆润。本书将引导读者观察不同材质在光线下的反射和吸收特性，并学习如何用相应的笔触和调子来模拟这些材质感，赋予人体以真实的触感。 三、 线条的语言：勾勒生命与情感 线条在素描中扮演着多重角色，它既是构建形态的骨架，也是传递情感的媒介。意大利古典绘画大师们对线条的运用有着极致的追求，他们的线条饱含力量、韵律和生命力。 轮廓线的意义与运用： 轮廓线是确定物体外形的边界。在人体素描中，轮廓线需要准确地勾勒出身体的体块和动态。本书将探讨如何画出既准确又富有表现力的轮廓线。我们学习如何通过流畅的曲线来描绘身体的曲线美，如何用简练的直线来表现身体的刚毅感。同时，我们也要理解轮廓线在明暗交界处的变化，它们会因为光线的变化而产生虚实、粗细的差异。 结构线的表现： 结构线是指那些暗示身体内部结构走向的线条。这些线条并非明确的解剖学图示，而是通过对形体的观察和理解，在画面中用线条来提示骨骼的转折、肌肉的起伏。它们可以帮助观众更好地理解人体的三维空间感和内在的张力。例如，在描绘手臂时，我们可以用几条弧线来暗示肱骨和尺骨的相对位置。在描绘背部时，脊柱和肋骨的走向也可以通过结构线来表现。 表情与情感的传递： 线条不仅仅是形式的工具，更是情感的载体。意大利名家们能够通过线条的粗细、轻重、疾缓来传递人物的情感和心理状态。例如，舒缓、连贯的线条可以表现宁静与温柔；急促、锐利的线条可以表现紧张与痛苦。本书将引导读者关注人体细节，如眼睛、嘴唇、眉毛、手部等，学习如何用精妙的线条来捕捉人物的内心世界，使其形象更加生动和富有感染力。 四、 技法与实践：从理论到实践的飞跃 理论的学习离不开实践的磨砺。本书将提供一系列系统性的练习方法，帮助读者将所学知识转化为实际的绘画能力。 速写训练： 意大利名家们留下了大量的速写作品，这些作品是他们观察生活、捕捉瞬间的宝贵记录。本书将强调速写的重要性，提供有效的速写训练方法，包括对整体动态的快速捕捉，对主要结构比例的概括，以及对光影关系的初步判断。通过大量的速写练习，读者能够提高观察能力、概括能力和反应速度。 局部深入描绘： 在掌握了整体的动态和比例后，我们将进入对人体局部进行深入描绘的练习。这包括对头部的五官、手部、脚部等复杂结构的细致分析和描绘，以及对人体肌肉块和骨骼结构的深入刻画。每一次局部练习都是对前面理论知识的巩固和提升。 不同媒材的尝试： 传统意大利名家多以炭笔、粉彩、铅笔等媒材进行素描创作。本书将引导读者尝试使用不同的素描媒材，理解它们各自的特性以及如何利用媒材来增强画面的表现力。例如，炭笔的浓郁和易于晕染，粉彩的细腻和色彩感，铅笔的精确和多变。 经典作品的临摹与分析： 学习最直接有效的方式之一就是临摹大师的作品。本书将提供一系列意大利古典名家的经典人体素描作品进行分析，并鼓励读者进行临摹。通过临摹，读者可以近距离地感受大师的笔触、用光和构图，学习他们解决问题的思路和技巧。 结语 本书并非一本简单的描摹手册，而是一扇通往意大利古典绘画艺术殿堂的大门。它旨在帮助每一位对人体素描充满热情的学习者，深刻理解人体之形，掌握光影之舞，领悟线条之语，最终能够以笔触描绘出鲜活、动人的生命姿态。这趟艺术之旅，需要耐心、坚持和热爱，而当我们真正领略到人体之美的无限可能时，一切付出都将化为最丰厚的艺术回报。

评分☆☆☆☆☆

我对艺术史有着浓厚的兴趣，尤其痴迷于文艺复兴时期意大利大师们的创作。最近，我收到了《人体素描与绘画技巧---意大利名家经典绘画教程-W》这本书，这简直是一份来自过去的宝藏。我尚未深入阅读，但仅是翻看其中的插图，便已让我沉浸其中。书中对人体动态的捕捉，简直是无与伦比的。 我看到了许多不同角度、不同姿态的人物素描，有的充满力量感，有的则显得轻盈飘逸。这让我不禁思考，这些大师是如何在静态的纸面上，赋予人物如此生动的生命力的？我猜想，书中一定包含了对人体运动规律的深刻理解，以及如何通过线条的流动和骨骼肌肉的连接来表现身体的动态。我期待书中能够详细阐述如何去观察和理解人体在运动中的结构变化，以及如何运用绘画技巧来表现这些动态。这本书就像一本穿越时空的对话，让我有机会窥见大师们的创作秘密。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我对人物肖像画的绘制情有独钟，特别是那些能够捕捉到人物内心深处情感的作品。偶然间，我接触到了《人体素描与绘画技巧---意大利名家经典绘画教程-W》这本书，它的名字就带着一种引人入胜的古典气息。虽然我还在初步浏览阶段，但其中展示的那些意大利大师对人体肌肤质感的描绘方式，就已经让我赞叹不已。他们是如何做到让画面中的人物肌肤看起来如此光滑细腻，又如何在微妙的光线下展现出皮肤的通透感和温度感的？这对我来说一直是个谜。 我注意到书中在处理人物面部表情时，运用了非常细腻的笔触和微妙的明暗变化，这使得人物的喜怒哀乐仿佛触手可及。我猜想，这背后一定蕴含着对人物心理活动的深刻洞察和对表情肌理的精准把握。我尤其期待书中能够详细解析如何通过眼睛、嘴唇等关键部位来传达人物的情感，以及如何在不同光线下捕捉面部微妙的起伏和阴影。这本书就像一位经验丰富的导师，即使只是翻阅，也能感受到其中蕴含的丰富知识和多年积累的绘画智慧。我希望能从中学习到更多关于如何让人物“活”起来的秘诀。

评分☆☆☆☆☆

作为一名初学者，我一直在寻找能够系统性地指导我掌握人体绘画基础的书籍，终于，我找到了《人体素描与绘画教程---意大利名家经典绘画教程-W》。尽管我还未深入阅读，但仅从扉页上那些令人惊叹的素描作品，我便对这本书充满了期待。书中的线条力量感十足，仿佛每一笔都经过深思熟虑，对人体结构的把握之精准，让我感到无比震撼。 我仔细观察了书中对人物身体各个部位的比例划分和肌肉骨骼的绘制，这让我对人体构造有了初步的认识。我特别想知道，书中是如何循序渐进地讲解从基础的几何形体到复杂的人体结构的演变过程的。对于我这样一个还在努力克服“画不好人”的障碍的初学者来说，书中提供的清晰的讲解和示范，无疑是雪中送炭。我期望这本书能够帮助我建立起扎实的人体结构基础，让我能够自信地去描绘各种姿态的人物。

评分☆☆☆☆☆

近年来，我一直在探索不同绘画风格的魅力，但始终对古典写实主义的人体绘画情有独钟。当得知《人体素描与绘画技巧---意大利名家经典绘画教程-W》这本书出版后，我便迫不及待地将其收入囊中。尽管我还没有深入阅读，但从其精美的画册式装帧和高质量的印刷来看，这本书的出版必定是经过精心策划的。 我仔细地浏览了书中收录的一些作品，它们在色彩的运用和笔触的表现上，都展现出了极高的艺术水准。我尤其好奇，书中是如何引导读者去理解和掌握不同材质（如布料、金属）在光照下的表现以及它们与人体肌肤之间的微妙互动。对于我而言，如何在画面中营造出逼真的质感，一直是绘画过程中一个不小的挑战。我希望这本书能够提供一些关于色彩搭配、笔触运用以及如何通过光影变化来塑造不同材质的独到见解，从而帮助我提升绘画的整体表现力。

评分☆☆☆☆☆

作为一名绘画爱好者，我一直对人体结构的表达和光影的运用充满了好奇，尤其渴望能学习到大师们细腻而精准的描绘方法。最近，我入手了一本名为《人体素描与绘画技巧---意大利名家经典绘画教程-W》的书籍，虽然我还没来得及深入研读，但从其精美的封面和初步翻阅的感受来看，这本书无疑为我打开了一扇通往艺术殿堂的大门。 我被书中那些以古典写实风格呈现的人体素描作品深深吸引。每一笔线条都充满了力量与情感，仿佛能够触摸到肌肉的起伏和骨骼的轮廓。我尤其欣赏作者（书中提到的意大利名家）在处理人体结构时的严谨态度，他们对解剖学的深刻理解，使得每一处比例、每一处转折都显得那么自然而富有生命力。单是观察这些高精度复原的画作，我仿佛就能感受到艺术家们在工作室里，日复一日、年复一年地对着模型进行刻苦练习的场景。书中的光影处理也堪称典范，明暗对比强烈而不失细节，立体感十足，让人物形象跃然纸上，栩栩如生。我迫不及待地想学习书中关于如何通过明暗关系来塑造形体，以及如何运用线条来表达人物的情绪和动态的技巧。这本书的排版和纸张质量也都非常出色，使得这些经典之作得以完美呈现，让人赏心悦目。