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[美] 雅克·马凯 著，吕捷 译

图书标签:

• 人类学
• 视觉艺术
• 审美
• 经验
• 文化
• 艺术理论
• 图像学
• 感知
• 象征
• 诠释

出版社： 商务印书馆

ISBN：9787100119504

版次：1

商品编码：11946255

品牌：商务印书馆（The Commercial Press）

包装：平装

丛书名： 新世纪美学译丛

开本：16开

出版时间：2016-06-01

用纸：胶版纸

页数：323

正文语种：中文

编辑推荐

适读人群 ：美学、文学、艺术等相关专业读者

　　《审美经验》是一本少见的“跨界”专著，同时也是开创“审美人类学”研究领域的经典著作。

内容简介

　　艺术，是否也跟美一样，在于观者的眼睛？艺术本身是不是全球性的、是不是能够跨越文化界线而产生共鸣？这部书不但有前卫的思潮，而且还提供了大量插图，由一位著名人类学家带领我们走入许多文化传统，通过观察、体验形态各异的雕塑作品、建筑、绘画以及手工艺品，对这些问题作了回答。

作者简介

　　雅克·马凯，1917年生于比利时布鲁塞尔，2013年卒于美国加州。比利时鲁汶大学法律和哲学博士，英国伦敦大学社会人类博士及巴黎索邦大学社会学博士。曾长期在非洲从事研究和教学。从1971年至20世纪90年代执教于加州大学洛杉矶分校人类学系。著有《知识社会学》(1951)、《黑非洲的文明》(1972)、《审美人类学导论》(1979)、《审美经验》(1988)等。

目录

前言
第一章 人类学家所建构的现实

第一部 人类经验中的艺术
第二章 日常现实中的艺术
第三章 审美眼光
第四章 形式的重要性
第五章 作为观照的审美眼光
第六章 其他文化中的审美经验
第七章 其他文化中的艺术

第二部 审美对象的象征性
第八章 审美对象中所包含的意义
第九章 作为符号的视觉形式
第十章 作为象征的视觉形式
第十一章 审美特性
第十二章 艺术中的偏好
第十三章 创作者和观者之间
第十四章 审美眼光是种忘我的经验

第三部 审美对象的文化性
第十五章 审美对象中的文化组成
第十六章 一种文化的审美分域
第十七章 生产工艺与审美形式
第十八章 社会网络与审美形式
第十九章 审美形式与其他理念构形

结论 个体的连结
附录 作为批判性知识的审美人类学
注释
参考文献
专有名词索引
主题索引

精彩书摘

　　《审美经验：一位人类学家眼中的视觉艺术》：
　　现在，就让我们到博物馆和画廊中去观察一下周围人以及我们自己的行为举止。行为举止也可以间接地揭示一个社会所建立的、并且正在建立的现实——因为现实的架构是一个正在进行的过程。
　　看看博物馆里那些参观者的样子吧：他们都慢慢悠悠地挪动着脚步，先看看一幅画，再看看另一幅画；从一个雕像走到一个花瓶前；从一把18世纪的扶手椅又来到瓷器的展柜前。他们在展品前停下脚步，仔细端详起来；他们读一眼标签上写着的简短说明文字，然后再端详展品。在一幅画作前，他们挪来挪去，最后才停到一个他们觉得有着最佳观赏角度和合适距离的地方。有时候，会有个解说员作解释，或者是一个参观者给另一个参观者评论一番；他们说的就是眼前的那个展品。为了不打搅其他参观者，他们都尽量小声说话。人们都知道不该去触摸展品，也不该坐在展出的椅子上休息。人们可以坐在专为欣赏展品而设的长凳上，坐姿尽量端正，而不应该做出像在家里的起居室或旅馆大堂准备神侃的随便架势。
　　这样的博物馆行为举止是一般人都能接受的。它有别于教堂里、机场候机大厅，或者鸡尾酒会上的行为规范。博物馆的行为举止清楚地表明，参观者到那里去的目的就是欣赏那些展品。
　　凡是有艺术品的地方，都会要求有类似的行为举止：画廊、雕塑花园、艺术收藏家的家里，或是在私营公司和政府大楼的大厅或者院子里。后面所举的这一类地方，由于在展出艺术品之外还有其他更主要的功能，所以，人们只是在不经意间才偶尔注意到艺术品的存在；这个时候，人们往往只是无声地欣赏一下而已。
　　……

《审美经验：一位人类学家眼中的视觉艺术》 序言：凝视与解读 艺术，作为人类最古老、最普遍的表达方式之一，总是以其独特而强大的力量触动我们的心灵，激发我们的思考。我们被色彩、形状、线条、光影所吸引，它们以超越语言的方式传递着情感、意义和生命体验。然而，当我们面对一幅画、一件雕塑，或是一个精心设计的空间时，我们究竟在经历什么？我们的目光如何与作品交汇？又是什么让我们从中感受到“美”，甚至被深深触动？ 《审美经验：一位人类学家眼中的视觉艺术》一书，便是一次深入探索这些问题的旅程。它不满足于仅仅描述作品的技法或风格，而是试图穿透表象，触及审美经验的深层根源——那些植根于人类生理、心理、社会文化以及进化历程的复杂机制。作者以一位人类学家的视角，将目光投向了视觉艺术的广阔天地，但其核心关注点并非艺术史上的某个流派或某位大师，而是普遍存在于所有人类对于视觉艺术的感知、理解和评价过程。 这本书的意义在于，它将我们从单纯的“欣赏者”或“评论家”的角色中解放出来，引导我们去理解“为什么”我们会如此感受。它揭示了审美体验并非凭空而来，而是我们与生俱来的感官能力、经过社会文化塑造的心智模式，以及个体生命经验相互作用的产物。通过对人类学理论的巧妙运用，作者为我们构建了一个全新的认识框架，让我们得以从一个更为宏观、更为深刻的维度来审视自己与视觉艺术的关系。 第一章：人类的感知之眼——生物学基础 我们的眼睛，是大自然赋予我们的最强大的信息接收器。它不仅仅是一个物理器官，更是我们与世界建立联系的第一个接口。本书将从生物学的基础出发，探讨人类视觉系统的基本运作机制。这包括光线的感知、色彩的辨识、形状的识别，以及大脑如何处理这些海量的信息，将其转化为我们所理解的视觉世界。 我们将了解，人类之所以能够感知到丰富的色彩，是由于视网膜上视锥细胞和视杆细胞的协同工作。视锥细胞负责在明亮光线下感知色彩，而视杆细胞则在弱光环境下增强我们的夜视能力。大脑的视觉皮层，通过复杂的神经通路，将来自眼睛的信号进行加工和整合，识别出物体的边缘、纹理、运动，并最终构建出我们所见的世界。 然而，人类的视觉系统并非被动地接收信息。它具有主动的、选择性的特征。我们的大脑会优先关注那些具有突出性、新颖性或潜在生存意义的视觉刺激。例如，鲜艳的颜色、动态的物体，或与我们过去经验相关的图像，更容易吸引我们的注意。这种进化的偏好，在很大程度上也影响了我们对视觉艺术的偏爱。许多艺术作品，正是巧妙地利用了人类视觉系统的这些固有倾向，通过色彩的对比、构图的引导、动感的表现，来抓住观者的目光，引发他们的兴趣。 此外，我们还将探讨视觉感知中的“完形心理学”（Gestalt Psychology）原则。这些原则，如接近律、相似律、闭合律、连续律等，揭示了人类大脑倾向于将分散的元素组织成有序的整体。艺术家们正是巧妙地运用这些原则，通过对线条、形状和空间关系的安排，引导观者的大脑自动地“填补”空白，形成完整的图像和意义。例如，即使是一系列不连贯的点，只要它们在空间上足够接近，大脑就会将其感知为一个连续的线条。这种对视觉组织规律的理解，是理解许多艺术形式如何影响我们的关键。 第二章：心灵的滤镜——认知与文化 当视觉信息进入我们的大脑后，它并非孤立地存在，而是被我们既有的知识、经验、信仰和文化背景所过滤和解读。本书将深入探讨认知心理学在审美经验中的作用，以及文化如何塑造我们对艺术的理解。 我们的认知过程，包括记忆、联想、推理和情感反应，都在审美体验中扮演着重要角色。当我们看到一幅画时，我们可能会立刻将其与我们过去的经历联系起来。比如，看到一幅描绘童年场景的画作，会唤起我们对美好时光的回忆；看到一幅表现战争场景的画作，则可能引发我们对冲突的恐惧和悲伤。这种基于记忆的联想，是构成我们个体化审美体验的重要组成部分。 同时，我们的思维模式和理解方式也深受文化的影响。不同的文化群体，拥有不同的价值体系、象征符号、历史叙事和审美标准。例如，在一些东方文化中，留白被视为一种重要的艺术元素，它象征着意境的深远和留给观者想象的空间；而在西方传统中，写实主义和对细节的刻画可能更受推崇。这些文化上的差异，会直接影响我们对同一件艺术作品的解读和评价。 本书将通过具体的案例，展示文化如何在潜移默化中塑造我们的审美偏好。例如，对人体的描绘，在不同文化中有截然不同的表现方式和意义。某些文化可能将裸体视为自然和美的象征，而另一些文化则可能将其视为禁忌或象征着罪恶。同样，对色彩的理解和运用，也存在着普遍的文化差异。例如，在西方文化中，红色常常与热情、危险或爱情相关，而在中国文化中，红色则更多地与喜庆、吉祥和繁荣联系在一起。 此外，我们还将探讨语言在审美经验中的作用。虽然视觉艺术本身是一种非语言的媒介，但我们对艺术的理解和评价，往往离不开语言的描述和阐释。语言可以帮助我们命名、分类、分析和表达我们的感受，从而进一步深化我们对艺术的理解。然而，语言的局限性也显而易见，它有时反而会限制我们对艺术的直观体验。 第三章：情感的共振——情绪与移情 艺术最迷人的地方之一，便是它能够直接触动我们的情感。当我们凝视一件作品时，我们可能会感到快乐、悲伤、愤怒、平静，甚至是在一种难以名状的情绪中沉浸。本书将从情感心理学的角度，解析艺术如何引发我们的情绪共振，以及移情（Empathy）在审美体验中的关键作用。 我们之所以能对艺术产生情感反应，很大程度上是因为艺术能够模拟和唤起我们自身的情感体验。艺术家通过对色彩、形式、构图和主题的选择，能够有效地传递特定的情绪氛围。例如，柔和的蓝色和绿色可能带来宁静和放松的感觉，而鲜艳的红色和黑色则可能唤起激情或紧张。 移情，即设身处地理解和感受他人情感的能力，是理解艺术为何能打动我们的重要机制。当我们欣赏描绘人物的作品时，我们常常会不自觉地将自己置于画中人物的境地，去感受他们的喜怒哀乐。这种情感上的“连接”，使得艺术作品不仅仅是静态的图像，而是成为我们情感体验的延伸。 本书将探讨，艺术家是如何通过对人物表情、肢体语言、场景氛围的刻画，来激发观者的移情能力。例如，一幅描绘痛苦的人物肖像，可以通过其扭曲的面容、紧锁的眉头，唤起观者内心的同情和悲伤。这种情感上的投射，使得艺术作品具有了强大的感染力。 我们还将深入研究，艺术是否能够帮助我们处理和调节自身的情绪。通过对艺术作品的欣赏，我们可能能够以一种安全的方式来体验和释放压抑的情感，从而达到情感上的宣泄和净化。例如，欣赏描绘悲伤主题的艺术作品，有时反而能帮助我们更好地理解和接纳自己的悲伤。 第四章：社会的印记——艺术作为文化表达 艺术并非孤立的个人创作，而是深深植根于其所处的社会和文化语境之中。本书将从社会学和人类学的视角，探讨艺术如何成为文化表达、社会认同和权力关系的载体。 艺术作品的创作和传播，总是受到社会经济、政治意识形态、宗教信仰等多种社会因素的影响。例如，在宗教氛围浓厚的时代，许多艺术作品都以宗教题材为主，并遵循着特定的宗教规范。而当社会发生变革时，艺术也常常成为反映和推动社会变革的重要力量。 我们还将探讨，艺术如何被用来构建和维系社会认同。例如，民族艺术、地域性艺术，往往承载着一个群体共同的记忆、历史和价值观，成为凝聚群体认同的重要象征。通过对这些艺术形式的欣赏和传承，人们能够感受到自己与群体之间的联系，并加深对自身文化身份的认同。 同时，艺术也常常与权力息息相关。艺术品可以成为社会地位和财富的象征，也可以被用来宣扬某种意识形态或巩固统治阶级的地位。历史上，许多艺术赞助人都是社会精英，他们通过支持艺术创作来彰显自己的品味和影响力，并试图通过艺术来塑造公众的认知。 本书将通过分析不同社会背景下的艺术现象，揭示艺术在社会结构中的多重功能。我们将看到，艺术既可以是反叛的、批判的，也可以是顺从的、维护既有秩序的。它既可以是服务于大众的，也可以是 elitist 的。理解了艺术背后的社会语境，我们才能更全面地理解其意义和价值。 第五章：跨越文化与时空的对话——普遍性与差异性 尽管文化背景对审美经验有着深远的影响，但人类在面对视觉艺术时，也展现出一些普遍性的共性。本书将探讨，在人类普遍的感知能力、情感结构以及对某些基本形式和模式的偏好方面，是否存在跨越文化和时空的审美“普适性”。 例如，人类对对称、比例、和谐等视觉元素的偏好，似乎在不同的文化中都有所体现。自然界中的许多现象，如花朵的对称性、星系的螺旋结构，都符合这些原则，这也可能在一定程度上解释了我们为何会觉得它们具有美感。艺术中的黄金分割比例，也是在不同文化中都被广泛应用的范例。 然而，我们也不能忽视艺术中存在的巨大差异性。本书将通过比较不同文化、不同历史时期的艺术作品，来展现审美经验的丰富多样性。这些差异性，正是人类创造力的体现，也正是艺术的魅力所在。 最终，《审美经验：一位人类学家眼中的视觉艺术》旨在为读者提供一个更加全面、深刻地理解视觉艺术的视角。它鼓励我们不仅要“看”，更要“看见”；不仅要“感觉”，更要“理解”。通过将生物学、心理学、社会学和人类学的洞见相结合，本书带领我们踏上了一段探索人类与视觉艺术之间复杂而迷人关系的旅程，让我们重新审视我们与艺术的每一次相遇。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，这本书的阅读体验是一种持续的智力上的“被挑战感”。它要求读者付出相当的注意力去追踪作者复杂的论证链条。作者似乎对人类感知的“偶然性”有着浓厚的兴趣，她不断强调，我们认为天经地义的视觉习惯，比如透视法、光影处理，其实都是在特定历史阶段被发明的工具，并非宇宙法则。书中对“观看”行为本身的剖析尤为精彩，她探讨了观众的身体位置、情绪状态、甚至当时的社会阶层，如何共同参与到艺术作品的最终完成。这让我回想起自己上次在画廊里匆匆走过那些作品的瞬间，感到一种深深的羞愧——原来我错过了太多隐藏在表象之下的社会学密码。这本书的排版和引用的注释系统也做得非常扎实，体现了作者严谨的治学态度，每一句话都似乎有其坚实的文献基础支撑，读起来让人倍感信服。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的魅力在于它的包容性和跨学科性。它并非只关注西方油画史上的那些“巨匠”，而是将视野放到了全球各地，从非洲的面具到东亚的园林设计，都被纳入了平等的分析范畴。这种“去中心化”的视野非常难得。我特别喜欢作者在探讨媒介转换时所使用的类比手法，她将摄影技术的出现对肖像画意义的冲击，与今天数字影像泛滥对“真实”概念的挑战进行了巧妙的对照。这让我意识到，技术始终是重塑我们审美经验的核心驱动力之一。全书没有提供任何标准答案，而是不断抛出更深刻的问题，引导读者进行自我反思。它不是一本教你如何欣赏艺术的“指南”，而更像一本启发你如何“思考”艺术的哲学文本。如果你厌倦了那些千篇一律的艺术史教科书，这本书绝对是寻求新鲜刺激和深度思考的理想读物。

评分☆☆☆☆☆

这部书简直是打开了新世界的大门！我一直以为艺术鉴赏就是单纯的“好看”或者“不好看”，但这本书让我意识到，我们对视觉艺术的反应背后隐藏着多么复杂而迷人的文化和社会结构。作者的笔触细腻又充满洞察力，她没有用那种高高在上的学院派腔调，而是像一个亲切的向导，带着我们潜入不同文化群体看待世界的方式中。比如，她对某个部落的图腾符号的解读，完全颠覆了我过去对“装饰”的理解——那些原本以为只是随意的线条和色彩，其实是他们世界观、社会层级甚至历史记忆的浓缩。阅读过程中，我不断停下来思考，原来我习以为常的“美”的标准，不过是特定历史时期和特定地理位置的产物。这本书的论证逻辑非常严密，但读起来却毫不枯燥，更像是跟随一个学识渊博的朋友进行了一场思想的深度漫游。它教会我的，是如何“慢下来”看一幅画、一件雕塑，去探究它背后的“为什么”，而不是满足于表面的视觉愉悦。这本书的价值，绝不仅仅在于提供知识，更在于重塑了读者的认知框架。

评分☆☆☆☆☆

读罢此书，我深感自己对当代艺术展览的态度需要彻底修正。以前，面对那些抽象的、看起来毫无章法的装置艺术，我常常感到困惑甚至不屑，觉得不过是哗众取宠。但这本书提供了一套全新的解读工具，让我开始理解，那些挑战我们既有感知的作品，恰恰是在与我们既定的审美范式进行对话和博弈。作者精妙地阐释了艺术的“语境依赖性”，即任何一件作品的意义都不能脱离其被创作、展示和接受的社会环境而存在。尤其让我印象深刻的是她分析博物馆收藏机制的部分，揭示了权力如何介入艺术品的“合法化”过程，哪些被精英阶层选中并被定义为“经典”，而哪些声音则被边缘化。这种批判性的视角，让我从一个单纯的消费者，变成了一个能够审视艺术产业运作机制的观察者。这本书的文字风格冷峻而精准，充满了学术的重量感，但同时又保持了极强的可读性，它成功地搭建起一座桥梁，让深奥的理论变得触手可及。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏掌控得极好，从宏大的文化人类学理论切入，逐步聚焦到个体对图像的微观反应，这种层层递进的方式非常引人入胜。我个人尤其欣赏作者对于色彩和形式的社会学解读，她并没有停留在色彩心理学的层面，而是将其置于权力关系和经济结构中去考察。例如，她如何分析某些稀有颜料的贸易路线，如何影响了艺术赞助人的选择，进而固化了一种特定的审美偏好。这不仅仅是艺术史，简直就是一部隐藏在色彩背后的全球经济史。读完之后，我发现自己看街上广告牌的方式都变了，不再是被动的接受者，而是开始分析这些视觉信息是如何被精心设计来操纵我的欲望和判断的。这是一本能切实改变你看待周遭一切视觉信息的书，它赋予了读者一种解构图像的“超能力”。

评分☆☆☆☆☆

薄薄袋子装着书，袋子磨损，书也受罪，提高图书类商品的包裹质量，保护每一本书！

评分☆☆☆☆☆

书没问题，大家多看书，启智！但是仓库还是运输过程中，书来了，封面总是牢牢一层尘土！买别的东西都没这样，有塑封也不行！灰尘！烦躁！我家又有上万本书，还在买更多，就是擦拭！

评分☆☆☆☆☆

亲，可以加我微信180

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好

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路我的啊离婚哦哦哦物理呼啦啃着流量卡可恶太厉害很普通

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