艺术概论(第2版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

蒋勋著 著

图书标签:

• 艺术史
• 艺术理论
• 艺术欣赏
• 艺术入门
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 设计
• 文化艺术
• 艺术概论

店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 生活.读书.新知三联书店

ISBN：9787108052520

商品编码：1687071851

出版时间：2015-07-01

作  者:蒋勋 著 定  价:48 出 版 社:生活.读书.新知三联书店 出版日期:2015年07月01日 页  数:175 装  帧:平装 ISBN:9787108052520 ●序 终其一生，不要失去美的信仰
● 美的起源
●第二章 艺术的起源
●第三章 艺术的特质
●第四章 艺术的类别
●一、文字的艺术
●二、视觉艺术
●三、听觉艺术：音乐
●四、表演艺术
●五、电影艺术
●第五章 艺术的材料
●第六章 艺术的内容
●第七章 艺术的形式
●第八章 艺术的创作
●第九章 艺术的欣赏
●第十章 艺术的批评
●附录
●附录一 托尔斯泰说：将来的艺术――序新校《艺术论》……
●附录二  杜甫的“三吏”“三别”
●附录三  笔墨纸砚――中国书画的悲情与喜悦
●部分目录

内容简介

蒋勋在大学里教了十几年的“艺术概论”课程，能够写一本“理想的”艺术概论的教科书，一直是他的心愿，本书就是这样应运而生的。它不像一本专门的“教科书”，对于艺术专业的学生来说，可以阅读本书学到有关艺术的基本概念；对非艺术专业的一般读者来说，它是一本有趣的、容易阅读的、启发声明的书。《艺术概论（第2版）》从“美是什么”这一个基本问题开讲，对艺术的起源、特质、类别、材料、内容、形式、创作、欣赏和批评进行了逐层讲解。深入浅出，除了以具体建筑、美术、影视等作品为例外，常常穿插自身对于艺术和美的体会于其中，循循善诱，娓娓道来，很好好读。 蒋勋 著 蒋勋，福建长乐人。1947年生于古都西安，成长于宝岛台湾地区。台湾地区文化大学历史学系、艺术研究所毕业。1972年负笈法国巴黎大学艺术研究所，1976年返台。曾任《雄狮美术》月刊主编，并先后执教于文化大学、辅仁大学及东海大学美术系，现任《联合文学》社长。
其文笔清丽流畅，说理明白无碍，兼具感性与理性之美。著有小说、散文、艺术史、美学论述作品数十种，并多次举办画展。近年专事两岸美学教育推广，他认为，美之于自己，就像是一种信仰，而自己用布道的心情传播对美的感动。
    第二章 艺术的起源
    美是人类内心世界的一种精神活动。
    美可以存在于大自然界中，我们看到朝日、落霞、云海、广大的平原，都可能兴起“美”的感受。
    美也可能存在于人的世界，我们在一个青年身上感受到青春之美；在一个母亲身上感觉到温暖、喜悦与呵护；我们在一个老人遍布皱纹的脸上感觉到一生的沧桑，都可能引发“美”的感动。
    但是，“美”变成一种人类的行为，却和“艺术”有密切的关系。
    人类写诗、画画、演奏乐器、唱歌、舞蹈、演戏，这些行为，我们统称之为“艺术”。
&nb;等

经典重塑与时代回响：《西方艺术史：从古典到现代的深度透视》 一部跨越数千年文明脉络的艺术探寻之旅 本书旨在为读者构建一个宏大而精微的西方艺术全景图。它不仅是一部按时间序列梳理艺术史的工具书，更是一部深入剖析艺术作品背后思想、社会结构与美学范式变迁的深度研究报告。我们拒绝浮光掠影式的罗列，致力于挖掘每一个艺术运动、每一位大师作品在历史长河中的独特意义和深远影响。 第一部分：源起与奠基——古代文明的艺术遗产（约300字） 我们将从史前艺术的神秘符号开始，追溯人类早期对世界、生命与神性的最早表达。随后，焦点将转移至尼罗河流域与两河流域，探讨古埃及雕塑中对永恒的追求与美索不达米亚浮雕中对王权与叙事的强调。 然而，西方艺术的真正基石在于古希腊。本部分将细致分析古风时期、古典盛期与希腊化时期的审美嬗变，特别是雅典卫城神庙群（如帕特农神庙）的建筑理性与雕塑家波留克列特斯《荷斗持者》所代表的“黄金比例”如何奠定了西方对人体美与和谐的永恒标准。紧接着，我们将剖析古罗马艺术的实用主义与世俗化倾向，研究其在工程学成就（如万神庙）与纪念性雕塑（如奥古斯都胸像）中对希腊传统的继承与革新。 第二部分：信仰与形式的交织——中世纪的象征世界（约350字） 当罗马帝国衰落，艺术的中心转向了基督教信仰。本章将深入探讨早期基督教艺术如何在地下墓穴中挣扎求存，以及拜占庭艺术如何以其绚烂的马赛克和神圣化的圣像画（Icon）确立了东方基督教艺术的典范。 随后，我们将详述中世纪西欧的两次重要艺术浪潮：罗马式艺术与哥特式艺术。罗马式艺术以其厚重的墙体、半圆拱和朴拙的雕塑，反映了修道院对秩序的维护；而哥特式艺术则是对向上超越的激情表达。我们将重点解析巴黎圣母院和沙特尔大教堂的结构创新，如飞扶壁、肋拱和尖拱如何成就了“光线神学”——让彩色玻璃成为教化大众的“贫者之书”。此外，对中世纪手抄本插画和金匠艺术的分析，将揭示世俗文化与宗教叙事在微观层面的交融。 第三部分：人性的觉醒与视觉的革命——文艺复兴的辉煌（约400字） 文艺复兴是西方艺术史上的关键转折点，它标志着以人为本的思潮对神权中心的逐步取代。我们将首先聚焦于早期文艺复兴（如乔托的突破与马萨乔的科学透视），随后进入盛期文艺复兴（High Renaissance）的三座高峰：达·芬奇对“晕染法”的精妙运用与对自然秩序的探索；米开朗基罗对人体雕塑（如《大卫》）中“挣扎的精神”的极致表达；以及拉斐尔在和谐与宁静中所体现的古典理想。 本部分还将拓展至北欧文艺复兴，对比佛兰德斯画派（如凡·艾克）对油画媒介的革新及其对世俗生活细节的极致描摹，这与意大利的宏大叙事形成了有趣的张力。最后，我们将考察晚期文艺复兴（风格主义）如何开始打破盛期的平衡与和谐，预示着一场新的审美风暴的来临。 第四部分：激情、理性与对立——巴洛克至新古典主义的张力（约450字） 巴洛克艺术作为对宗教改革的回应和绝对君主制的视觉工具，以其戏剧性的光影对比（明暗对照法）、运动感和强烈的情感冲击力，成为一种强有力的宣传艺术。卡拉瓦乔的现实主义与贝尼尼雕塑中瞬间爆发的动态美将是核心案例。 紧接着，我们将分析洛可可的轻盈、享乐主义如何作为宫廷文化的最后赞歌，与日益高涨的启蒙思想产生冲突。这种冲突最终导向了新古典主义——它回归理性、崇尚道德，以雅典和罗马的“纯洁”理想来批判当代社会的腐朽。 然而，艺术对情感的压抑终将反弹。浪漫主义以其对个体情感、对崇高（The Sublime）、对异域风情的迷恋，彻底颠覆了古典的秩序。德拉克洛瓦、戈雅等人的作品揭示了人类内心深处无法被理性完全掌控的激情与混乱。最后，我们简要回顾现实主义对工业革命后社会现实的直面，为进入现代艺术的多元爆发做下铺垫。 本书通过对上述历史阶段的深入剖析，旨在培养读者对艺术作品的“深度观看”能力，理解艺术史不仅是风格的更迭，更是人类思想、科技与权力结构不断对话和重塑的宏大叙事。

评分☆☆☆☆☆

从一名业余艺术史爱好者的角度来看，这本书在整合信息和构建知识体系方面，做得非常出色，可以说是同类书籍中的佼佼者。它最让我欣赏的一点是，它没有将艺术视为一个线性发展的过程，而是不断强调不同文化圈之间、不同历史时期之间的“对话”与“张力”。例如，它在讲述中国传统山水画的“意境”时，并没有将其孤立处理，而是穿插对比了西方浪漫主义风景画中主观情感的表达方式，揭示了东西方在“人与自然”关系认知上的根本差异。这种宏大叙事下的细致比较，避免了将艺术史写成一份简单的“时间表”或“流派列表”。此外，书中对一些冷门但重要的艺术形式的介绍也令人惊喜，比如对中世纪细密画的详细剖析，让我看到了在印刷术尚未普及的时代，手工艺的极致和宗教叙事的细腻融合。整本书的知识密度很高，我需要反复阅读才能完全消化其中的细节，但每一次重读，都会有新的体悟，这大概就是一本好教材的标志吧。

评分☆☆☆☆☆

这本《艺术概论(第2版)》，老实说，刚拿到手的时候，我对它期望值并不高。市面上太多这种“概论”类的书籍，往往内容泛泛，蜻蜓点水，真正想深入了解某个艺术流派或者思潮的脉络，还是得去翻阅更专业的著作。然而，这本书给我的初体验是相当扎实的。它不是那种堆砌名词的教科书，而是更像一位引路人，带着你从最基本的视觉构成、色彩原理这些“硬核”基础知识开始，一步步地去触摸艺术的灵魂。尤其让我印象深刻的是它对“西方艺术史”的梳理，不像很多书那样直接跳到文艺复兴，而是花了大量的篇幅去讲解古希腊罗马的雕塑美学对后世的深远影响，那种对美学源头的追溯，让人豁然开朗。阅读过程中，我时常会停下来，对照书中的插图，思考作者提出的那个关于“形式服从功能”的论点，在巴洛克建筑中是如何被打破和重塑的。全书的语言平实有力，没有过多矫揉造作的“艺术腔”，读起来很舒服，对于我这种非科班出身，但又对艺术抱有浓厚兴趣的普通读者来说，它提供了一个非常可靠的认知框架，让我在面对各种艺术展览时，不再是走马观花，而是能看到背后的逻辑和时代精神。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，这本书的排版和装帧设计实在有些保守，如果初版是这个样子的，我完全可以理解。它更偏向于传统的学术著作风格，黑白为主，偶尔点缀的彩色插图虽然清晰度不错，但整体视觉冲击力稍显不足，对于追求“颜值”和现代感的年轻读者可能缺乏足够的吸引力。不过，瑕不掩瑜，一旦沉浸到内容里，这些外在的因素就变得不那么重要了。我特别喜欢它在探讨“现当代艺术”部分的处理方式。很多概论书籍在讲到抽象表现主义之后就有点力不从心，或者干脆草草收尾，但这本《艺术概论(第2版)》却花了相当的笔墨去解析波普艺术和极简主义的社会文化背景，它没有简单地将这些流派视为“反叛”，而是深入挖掘了它们对消费社会、媒介传播的反思。作者的分析角度非常新颖，他引用了好几位社会学家的观点来佐证艺术家的创作动机，使得原本晦涩难懂的观念艺术，变得逻辑自洽且充满张力。这种跨学科的视角，极大地拓宽了我对“什么是艺术”的边界认识，让我意识到艺术史的发展，其实就是人类认识世界方式的演变史。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，我认为主要体现在它对“理论与实践的平衡”把握得相当到位。许多学院派的教材，充斥着晦涩难懂的理论术语，初学者读起来如同隔着一层毛玻璃。但《艺术概论(第2版)》在这方面做得非常克制且巧妙。每介绍完一个重要的理论概念，比如“再现与非再现”的辩证关系，紧接着就会立刻有针对性的案例分析——可能是达芬奇的透视法，也可能是塞尚的立体分解。这种即时的对照，让抽象的理论立刻“落地生根”。我记得有一章专门讲“修辞学在视觉艺术中的运用”，原本我以为会枯燥乏味，结果作者通过分析几幅著名的宗教画中光影的运用如何暗示神性与救赎，生动地展示了如何用视觉语言来“说服”观众。这对于我日后进行任何形式的视觉表达（哪怕是制作PPT或者拍摄照片）都提供了非常宝贵的思维工具。它教给我的不是“怎么画”，而是“为什么这么画”，这才是真正的概论价值所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书的修订版（第2版）相较于前版，增添了不少对当代艺术现象的解读，这使得它在知识的“新鲜度”上保持了竞争力。我特别留意了它对数字艺术和新媒体艺术的讨论，这部分内容在很多旧版的艺术概论中几乎是缺失的。作者并没有将这些新兴领域视为对传统艺术的颠覆，而是将其置于更广阔的媒介演变历史中进行考察，比如探讨互联网如何改变了艺术品的“光环效应”和“原作性”。虽然这部分内容相对较新，观点也更具探索性，但作者依然保持了审慎的学术态度，没有急于下结论，而是提出了值得思考的问题。我最喜欢这种态度——承认艺术的边界永远在流动，而概论的任务，就是为我们提供一把衡量和审视这种流动的尺子。总体而言，这本书是一份严肃、全面、且与时俱进的艺术入门指南，它为你构建起一个稳固的知识基石，让你有底气去探索更深更广的艺术世界。