中国古代书画艺术：中国古代佛教绘画 王敏,金开诚 9787546340920 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王敏，金开诚 著

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出版社： 吉林文史出版社 ，

ISBN：9787546340920

商品编码：29503473539

包装：平装

出版时间：2011-01-01

基本信息

书名：中国古代书画艺术：中国古代佛教绘画

定价：19.80元

作者：王敏,金开诚

出版社：吉林文史出版社，吉林出版集团有限责任公司

出版日期：2011-01-01

ISBN：9787546340920

字数：

页码：134

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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佛教绘画源于古印度，初随佛教从印度传入，后来逐渐发展而具有中国民族风格和特色，是一门国际性的显学。涉及的范围十分广泛。包括宗教、考古、历史、中外文化交流等方面，参与佛教绘画研究的学者也有许多不同专业，且有各国多地，并可分为欧美、日本、中国大陆和港台地区等几个组区。
《中国古代书画艺术：中国古代佛教绘画》以优美生动的文字、简明通俗的语言、图文并茂的形式，介绍了中国古代佛教绘画的有关内容。

内容提要

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《中国文化知识读本》是在传播中华五千年传统文化，提高全民文化修养的大型知识读本。
《中国古代书画艺术：中国古代佛教绘画》为丛书之一，介绍了中国古代佛教绘画的有关内容。
《中国古代书画艺术：中国古代佛教绘画》中优美生动的文字、简明通俗的语言、图文并茂的形式，把中国文化中的物态文化、制度文化、行为文化、精神文化等知识要点全面展示给读者。点点滴滴的文化知识仿佛颗颗繁星，组成了灿烂辉煌的中国文化的天穹。能为弘扬中华五千年传统文化、增强各民族团结、构建社会主义和谐社会尽一份绵薄之力。

目录

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一、佛教绘画的起源与发展
二、佛教绘画的中国化过程
三、汉魏六朝时期的佛教绘画
四、隋唐时期的佛教绘画
五、五代两宋时期的佛教绘画
六、元明清时期的佛教绘画

作者介绍

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文摘

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（二）佛教绘画的发展
在佛教刚刚兴起的时期，古印度佛教绘画艺术的发展，可以分为三个主要时期：原始佛教艺术时期、贵霜时期和笈多时期。
原始佛教艺术时期。这一时期是指阿育王时代及其稍后时期。阿育王当政期间，实行领土扩张政策，统一了印度大部。据说，在扩张领土过程中他残酷地屠杀被征服地区的人民，在此之后他醒悟过来，对自己的残暴行为感到强烈的自责。所以他和他的大臣们皈依佛门，把佛教定为国教，佛教得到了大力的推广，迅速发展起来。这个时期的佛教艺术以雕塑作品为主，主要是石柱雕刻，大塔的塔门及围栏的浮雕以及摩崖雕刻。对于当时的佛教绘画没有遗留下来实物，所以无从考证。印度有名的佛教石窟阿旃石窟现存早的壁画，是公元前1世纪的作品，内容是佛传图和佛本生故事，从其艺术技巧和内容来看，在它之前应该是有绘画作品存在的。
贵霜时期的佛教绘画。阿育王死后，国家渐渐衰落以至灭亡。在此之后，大约公元1世纪中叶，居住在中国西域的大月氏人建立了贵霜帝国，到了第三代王伽腻色伽王时达到鼎盛，形成东到葱岭，西到咸海，包括中亚和印度的大帝国。伽腻色伽王和阿育王一样笃信佛教，并大力发扬。这一时期几乎没有什么佛教绘画作品流传下来，现存的全都是雕刻作品，雕刻艺术可以分为犍陀罗（佛像带有浓重的希腊风格，这种希腊化的佛像被称为犍陀罗佛教艺术，犍陀罗艺术注重人体骨骼结构、衣饰线条以及表情的细微变化）和马图拉（马图拉式佛像是从犍陀罗佛像演化而来，其造型比犍陀罗佛像更加印度化。早期风格质朴粗拙，成型期有体形丰满、圆润，富有肉感的特点）两种不同的样式，体现出不同的艺术风格。
笈多时期的佛教绘画。笈多时期的佛教绘画艺术现存的主要是阿旃陀绘画艺术，它位于南印度德干高原文达雅山的悬崖上，现存29个石窟，一部分是公元前2世纪至1世纪所建。壁画的主要内容是佛传故事，即佛陀一生的经历，包括诞生、降魔、成道、说法、涅槃等过程，此外还有印度古代民间和宫廷生活景象的描绘。从艺术形式和风格来看，是属于笈多时期的古典佛教艺术。就其所在地理位置而言，我们可以推知它很少受到外来文化的影响，基本上是印度本土文化的产物，因此，更为强调世俗生活场面的描绘。如第十七窟的佛说法图，是描述一个宗教故事场景：说法，听众云集，尤其贵人命妇（贵族有官阶的妇女们），气势浩荡，纷至沓来。再如第十七窟前廊后壁残存的奏乐图，表现飞天乘云而至，饶有生机。图中美人临镜梳妆，侍女旁立，一个手捧脂粉，一个举执飞拂，自然雅致。太子与嫔妃劝酒图，极尽娥婉之情状，临窗窥视的侍女和门外众多的美女，都是风姿楚楚，艳丽动人。这些表现的都是世俗生活的场景，与佛教的观念完全不同。到此为止，印度佛教艺术的内在精神已经完全为一种外在的极力渲染和装饰所冲淡，已经不能再体现佛教的基本观念和思想内容。从壁画的艺术成就来看，它却达到了一个高峰。作品的风格沉着洗练，设色典雅华丽，并带有一定的抒情意味，注重人物的形神兼备和意境的表达。画中的每一个场面，不仅描绘精细，而且富于变化，人物体态丰满，形体典雅，肤色富有质感，给人以深刻的印象。公元3世纪中叶，贵霜帝国逐步衰落，丧失了对各个地区的统治权。公元4世纪上半叶，原摩揭陀国的一个小国君旃陀罗笈多二世时日臻繁盛，它继承了印度本土的文化传统，大力推行具有印度特色的文化，信奉印度教，但也不排斥佛教和其他宗教。这些变化对佛教艺术的发展产生了巨大的影响，它促使佛教艺术更多地具有印度文化色彩。笈多时期的佛教艺术，也叫笈多样式艺术，可以分为两种，一种是马图拉样式，另一种是萨拉那特样式（这种佛像的造型有着印度人的脸形，希腊式的鼻子，冥想的眼神，整齐的螺发，颈部三道折痕，硕大华丽的光环等，与同时代的马图拉式佛像类似。所不同的是，萨拉那特式佛像的薄衣，较马图拉式佛像更加细薄透明，几乎全无衣褶），而前者是典型的笈多样式艺术。
笈多时期的佛教绘画容纳和吸收了犍陀罗艺术和马图拉艺术的特点而进一步发展，在艺术技巧上达到了很高的水平，但同时它也逐渐脱离了佛教的基本精神而变得本土化和世俗化。内在精神的缺失使作品走向形式化的道路，这也意味着印度佛教艺术的衰落。
……

序言

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穿越时空的灵韵：中国古代书画艺术的璀璨星河 中国古代书画，犹如一部波澜壮阔的史诗，用墨与色的交响，绘就了五千年文明的壮美画卷。它不仅仅是纸上的丹青，更是思想的载体，情感的寄托，以及时代精神的缩影。从先秦的粗犷写意，到唐宋的精工繁复，再到明清的文人雅趣，中国古代书画艺术以其独特的东方审美，在世界艺术史的长河中闪耀着耀眼的光芒。 一、 史海钩沉：中国古代书画的源流与演变 中国书画的起源可以追溯到遥远的史前时期。甲骨文、金文中的象形文字，已经蕴含着朴素的造型意识和线条的生命力。战国时期的帛画，虽然存世不多，却已展现出对人物、动物的生动描摹，以及对色彩的初步运用。 秦汉时期，书画艺术进入了一个新的发展阶段。汉简、汉画石上的线条愈发成熟，人物形象也逐渐丰满，展现出雄浑古朴的汉代气魄。东汉末年，顾恺之的出现，是中国绘画史上的一座里程碑。他提出的“传神写照”理论，强调“以形写神”，对后世人物画产生了深远影响。他的《洛神赋图》、《女史箴图》等作品，虽然真迹已不可考，但其精神和风格却在历代摹本中得以传承，成为中国古典绘画的典范。 魏晋南北朝时期，是中国书画艺术走向自觉与独立的时期。佛教的传入，为中国绘画注入了新的元素和题材。石窟寺中的壁画，如敦煌莫高窟、云冈石窟、龙门石窟等，展现了高超的绘画技艺和丰富多彩的宗教故事。同时，文人画的雏形也开始显现，士大夫阶层将书画作为表达情感、寄托情怀的途径，注重意境的营造和笔墨韵味的表达。 隋唐时期，是中国古代绘画的鼎盛时期。国力强盛，文化交流频繁，绘画艺术空前繁荣。人物画、山水画、花鸟画等各个画科都取得了辉煌成就。吴道子的“吴带当风”的线条，李思训、李昭道的金碧辉煌，阎立本的严谨传神，张萱、周昉的仕女画，都代表了唐代绘画的最高水平。山水画也逐渐成为独立的画种，王维的山水画更是将诗、书、画、禅融为一体，开创了文人写意山水的新境。 宋代，是中国绘画的另一个高峰。宋代绘画注重写实，追求形神兼备，尤以山水画和花鸟画成就最为突出。范宽的《溪山行旅图》，郭熙的《早春图》，都以其雄浑壮阔的景象和精湛的笔墨技巧，展现了宋代山水画的博大胸怀。花鸟画方面，宋徽宗的《芙蓉锦鸡图》、崔白的《双喜图》等，都以其细腻的描绘和生动的神韵，成为花鸟画的经典之作。同时，宋代的文人画也更加成熟，苏轼、黄庭坚等人的书画作品，充满了文人雅士的情趣和笔墨的个性和创造力。 元代，虽然政治动荡，但书画艺术仍然保持着发展。赵孟頫提倡复古，力图挽救南宋以来“院体画”的积习，强调笔墨功力，为元代及以后画坛的发展奠定了基础。元代文人画进一步发展，强调个性表达和笔墨趣味，出现了“元四家”等著名画家，他们的作品充满了抒情写意的情感，对后世影响深远。 明清时期，中国书画艺术进入了一个新的发展阶段。沈周、文徵明的吴门画派，以其雅逸清新的风格，成为文人画的代表。董其昌更是提出了“南北宗论”，对中国画史产生了重要影响。明代晚期，陈洪绶、徐渭等人的作品，则展现出强烈的个人风格和奇崛的想象力。清代，宫廷绘画、民间绘画、文人绘画都有所发展，涌现出“清初四王”等绘画大家，他们继承和发展了前人的技法，在笔墨上进行了新的探索。同时，扬州画派的出现，以其奔放的笔墨和自由的精神，为中国画注入了新的活力。 二、 笔墨丹青：中国古代书画的艺术特色 中国古代书画之所以能取得如此辉煌的成就，与其独特的艺术特色密不可分： 线条的生命力： 中国书画高度重视线条的表现力。线条不仅勾勒物体的轮廓，更承载着情感的起伏和力量的涌动。书法中“笔走龙蛇”的说法，在绘画中也同样适用。不同的笔触，如“飞白”、“枯笔”、“湿笔”，都能传达出不同的质感和精神。 墨韵的变化： 墨是中国书画最重要的媒介之一。艺术家们通过对墨的浓淡、干湿、枯润的巧妙运用，能够创造出丰富的层次感和立体感。一幅好的水墨画，能够在黑白灰的单纯色调中，展现出万千气象。 意境的营造： “意境”是中国艺术美学的核心概念。它指的是艺术家在作品中所创造的，能够引发观者联想和共鸣的，包含情感、思想和氛围的整体感受。中国书画追求“言有尽而意无穷”，通过有限的笔墨，传达无限的意味。 写意与写实的结合： 虽然中国古代绘画中有工笔写实的作品，但写意画占据着更为重要的地位。写意画不拘泥于对物象的精确描摹，而是着力于表现事物的神韵和作者的情感。它强调“似与不似之间”，在似与不似之间寻求艺术的真谛。 天人合一的哲学思想： 中国古代书画深受中国传统哲学思想的影响，尤其是道家的“道法自然”和儒家的“天人合一”的观念。艺术家们力图在作品中表现出人与自然的和谐统一，将个人的情感融入到广阔的自然之中。 书画同源： 汉字本身就是一种线条艺术，其结构、笔画都蕴含着造型的美感。中国书画的用笔、用墨，很大程度上借鉴了书法的技巧，因此，“书画同源”的说法并非虚言。书法家的笔墨功力，常常能转化为绘画的独特韵味。 三、 题材的丰富：山川人物，花鸟虫鱼 中国古代书画的题材极其丰富，几乎涵盖了自然界和人类社会的所有方面： 山水画： 中国山水画是世界艺术史上的一个独特现象。它不仅仅是对自然风光的描摹，更是艺术家胸襟、抱负和精神世界的投射。从巍峨的高山到潺潺的流水，从浩渺的云烟到幽深的峡谷，山水画展现了大自然的壮丽与神秘，也寄托了人们对自由、隐逸和超脱的向往。 人物画： 中国古代的人物画，从早期的历史人物、神话传说，到后来的帝王将相、文臣武将、仕女游女、僧道罗汉，题材广泛。它不仅展现了人物的形貌，更注重刻画人物的精神气质和内心世界，体现了中国传统文化对人物品格的重视。 花鸟画： 花鸟画是中国绘画的重要组成部分，它以花卉、禽鸟、走兽、鱼虫等为描绘对象。在中国人的审美观念中，梅兰竹菊等“四君子”象征着高洁的品格，牡丹寓意富贵吉祥，荷花象征清廉，松柏代表长寿。花鸟画通过对这些美好事物的描绘，表达了人们对美好生活的追求和对自然的热爱。 界画： 界画是中国绘画中一种以精确的几何透视法描绘宫殿、楼阁、城市等建筑的画科。它体现了中国古代建筑艺术的成就，也展现了画家严谨的构图和细致的描绘能力。 四、 传承与创新：历代大师的智慧结晶 一代代书画大师，在继承前人艺术成就的基础上，不断推陈出新，为中国书画艺术注入新的生命力。顾恺之的“以形写神”，吴道子的“吴带当风”，王维的诗画结合，张择端的《清明上河图》的写实巨制，宋元四家的高雅意趣，明清文人的笔墨解放，无不体现了中国古代艺术家们在艺术道路上的不懈探索和卓越创造。 他们的作品，不仅是艺术史上的瑰宝，更是中华民族宝贵的文化遗产。它们穿越时空，至今仍然能够触动我们的心灵，引发我们对历史、对人生、对艺术的深刻思考。 五、 结语 中国古代书画艺术，是一座取之不尽、用之不竭的宝藏。它蕴含着中华民族深厚的文化底蕴和独特的艺术智慧。欣赏中国古代书画，就是在与古人对话，就是在品味历史的醇厚，就是在感悟生命的真谛。让我们一同走进这片墨韵丹青的世界，感受那份穿越时空的灵韵，体会中国古代书画艺术的永恒魅力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，无疑填补了我一直以来对中国古代佛教绘画了解的空白。在阅读之前，我对这一领域的认识仅限于一些零散的印象，这本书以系统性的梳理和详实的资料，构建了一个清晰而完整的知识体系。作者们的研究功底可见一斑，他们不仅梳理了不同朝代、不同地域的佛教绘画风格演变，还深入探讨了佛教传入中国后，如何与本土文化相结合，逐渐形成独具特色的艺术形式。那些唐代的飞天壁画，宋代的罗汉图，元代的藏传佛教绘画，都以其独特的魅力，展现了不同时代的艺术特色和审美取向。书中对不同流派、不同大师的介绍也相当详尽，让我认识了不少在艺术史上熠熠生辉的名字。更让我惊喜的是，书中对佛教绘画中的象征符号、图像学解读也进行了深入的阐释，这让我明白了那些看似普通的图案背后，往往蕴含着丰富的宗教寓意和哲学思想，极大地丰富了我对艺术作品的理解深度。总而言之，这是一本兼具学术价值和欣赏价值的优秀著作，它不仅是研究中国古代佛教绘画的宝贵资料，更是普通读者了解这一艺术瑰宝的绝佳入门读物。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我感觉自己仿佛经历了一场精神的洗礼。它让我对中国古代佛教绘画的认识，从模糊的轮廓变得清晰而深刻。书中严谨的学术考证与富有感染力的文字相结合，将那些古老而庄严的艺术作品，以一种全新的方式呈现给我。我被那些描绘佛陀、菩萨、罗汉的生动形象深深吸引，不仅仅是他们脸上悲悯的神情，更是他们身上所散发出的那股宁静与力量。作者们对不同时期佛教绘画的风格特点、题材内容、技法运用都进行了细致的阐述，让我看到了中国古代艺术在继承和发展外来宗教文化的过程中，所展现出的强大创造力和融合力。书中对佛教图像学的一些解读，更是让我大开眼界，明白了那些看似简单的符号背后，竟然蕴含着如此丰富而深刻的宗教哲理。这本书不仅仅是一本艺术鉴赏的书，更是一本关于文化、信仰和历史的百科全书。它让我对中国古代社会有了更全面、更深入的了解，也让我对艺术的魅力有了更深刻的体会。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是让我大开眼界！从我翻开第一页的那一刻起，就仿佛穿越了时空，置身于那辉煌灿烂的中国古代，亲眼目睹了佛教艺术的博大精深。作者们以极其细腻的笔触，描绘了那些流传千古的佛教绘画杰作，不仅仅是简单的图画，更像是承载着历史、信仰与智慧的无声诉说。每一幅作品的背后，都仿佛隐藏着一段动人的故事，一段虔诚的祈愿，一段对生命的深刻理解。书中的图文并茂，精美的复制品让我得以近距离欣赏到那些壁画、卷轴、册页的绝妙之处，从构图的严谨、色彩的运用，到人物的刻画、神情的表达，无不展现出当时工匠们高超的技艺和对佛教教义的透彻领悟。我尤其被那些描绘观音菩萨、释迦牟尼佛等形象的作品所吸引，她们的慈祥、庄严，以及眼神中透露出的悲悯情怀，都深深地打动了我。作者们对这些作品的解读深入浅出，既有宏观的历史背景介绍，又有微观的艺术细节分析，让我这个对艺术史并非专业人士的读者也能轻松理解，并从中获得丰富的知识。这本书不仅仅是一本关于绘画的书，更是一本关于文化、信仰和历史的书，它让我对中国古代社会有了更深层次的认识，也让我对佛教艺术产生了浓厚的兴趣，甚至开始主动去了解相关的历史文献和寺庙遗迹。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对中国传统文化情有独钟的读者，这本书带给我的震撼远超预期。它不仅仅是关于艺术作品的展示，更像是一次与古代艺术家们的心灵对话。我仿佛能感受到他们创作时的虔诚与专注，能体会到他们将信仰融入笔触的深厚情感。书中的每一个细节都经过了精心的打磨，无论是对作品时代背景的考证，还是对其艺术风格的分析，都显得严谨而到位。作者们对色彩的运用、线条的勾勒、人物比例的把握，都有独到的见解，并且用通俗易懂的语言阐述出来，即使是非专业读者也能从中受益匪浅。我特别欣赏书中关于佛教绘画如何反映社会生活、反映人们精神追求的部分，这让我看到了艺术作品的时代价值和人文关怀。这本书让我不再仅仅将佛教绘画视为宗教符号，而是将其视为反映古代社会文化、思想观念的重要载体。阅读过程中，我不时停下来，反复品味那些精美的图片，想象着它们曾经悬挂在寺庙大殿，或是在士大夫的书房中，默默地诉说着历史的沧桑与人间的悲欢。这本书让我对中国古代文明有了更深的敬意，也对艺术的力量有了更深刻的认识。

评分☆☆☆☆☆

这是一本让我爱不释手的书，每翻一页都充满了惊喜。作者们以一种非常亲切的口吻，为读者打开了中国古代佛教绘画的大门。书中的内容并非枯燥的学术论述，而是充满了故事性和画面感。从寺庙墙壁上的宏伟壁画，到僧侣手中的精美经卷插图，再到士大夫文人雅士的收藏品，这本书几乎涵盖了古代佛教绘画的方方面面。我尤其喜欢书中对一些经典作品的深入剖析，作者们通过对画面细节的解读，揭示了作品背后所蕴含的宗教故事、神话传说，甚至是当时的社会习俗和生活场景。这使得原本抽象的宗教图像变得生动而具体，让我能够更好地理解和欣赏这些作品。书中对不同时期佛教绘画风格的演变也进行了清晰的梳理，从早期佛教传入时的本土化适应，到唐朝的辉煌鼎盛，再到宋元时期的多样发展，都展现了中国佛教艺术的独特生命力。这本书不仅仅是知识的传递，更是一种情感的共鸣，它让我感受到了中华民族在信仰与艺术上的独特追求，也让我对古代艺术家的智慧和创造力充满了敬佩。