故宫博物院藏御制诗陶瓷器 [Poem and Porcelain:The Yu Zhi Shi Ceramics in the Palace Museum]

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故宫博物院(Compiled by the Palace Museum) 编
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出版社: 故宫出版社
ISBN:9787513409131
版次:1
商品编码:12038293
包装:精装
外文名称:Poem and Porcelain:The Yu Zhi Shi Ceramics in the Palace Museum
开本:12开
出版时间:2016-12-01
用纸:胶版纸
页数:353
正文语种:中文

具体描述

内容简介

  清代御制诗瓷器从造型到纹饰,无不体现出清朝皇帝的文化思想及审美取向。诗文内容或围绕器物,因鉴赏、赞美而发,或娓娓述出图纹之渊源,与器物和谐相融。也正是由于皇帝御笔的添加,才使御用瓷器的历史内涵更为丰富,同时也将皇帝优雅的情怀和浓厚的文学素养展露无遗,并成为中国文化史中的一道绚丽风景线。

内页插图

目录

清代御制诗瓷器综述
图版目录
图版
附录
表一 乾隆专咏瓷器御制诗及瓷器
表二 故宫博物院藏清代御制诗瓷器
中国古代诗歌与书画艺术的交融:宋元明清文人书画精选集 图书名称: 中国古代诗歌与书画艺术的交融:宋元明清文人书画精选集 内容简介 本书汇集了中国宋、元、明、清四个历史时期最具代表性的文人书画作品,旨在深入探讨诗歌艺术与绘画、书法艺术之间源远流长、密不可分的审美关联与文化互动。全书收录的不仅是孤立的艺术作品,更是中国士大夫阶层精神世界和审美旨趣的集中体现。 一、 理论基础与时代背景的铺陈 全书开篇部分,首先对中国传统“诗中有画,画中有诗”的美学思想进行了系统的梳理和阐释。这不仅是对魏晋风度以来文人艺术精神的溯源,更是对宋代“格物致知”与元代“尚意抒情”两种核心审美取向的理论构建。我们着重分析了在不同历史时期,文人士大夫如何将儒释道思想融入笔墨之中,使作品超越单纯的技艺展示,成为承载个人学识、道德情操与政治抱负的载体。 宋代:院体与文人画的并峙与张力 宋代部分聚焦于徽宗朝的宫廷艺术对民间文人画风的影响,以及随后苏轼、米芾等人所倡导的“尚意”画风的崛起。我们精选了大量具有明确诗意题跋的宋代山水和花鸟画。例如,对某一幅描绘烟雨江景的画作的解读,不仅分析其皴法与墨韵,更深入剖析画上题诗,如何通过对“空濛”意境的文字渲染,将视觉经验提升至哲学思辨的高度。重点展示了宋人如何通过写生结合意境的营造,实现对自然界瞬间生命力的捕捉,并以诗句加深这种哲理性的体验。 元代:士人出世与笔墨的自由表达 元代是文人画发展史上的一个高峰期。面对朝代更迭,大量知识分子选择退隐山林,这使得他们的艺术创作摆脱了更多官方或迎合趣味的束缚,转而追求个体精神的纯粹表达。本卷收录了“元四家”的精品,重点关注他们如何将篆隶的笔法入画,如何以枯淡的墨色来象征高洁的人格。例如,对赵孟頫的书法题跋与画作的并置分析,清晰地展示了他在诗、书、画中对“古意”的追寻,以及如何通过诗句自我期许,标榜气节。这些作品的诗文,往往是画家对自身处境的隐晦抒发,是对世俗的疏离与对高雅情趣的坚守。 明代:复古浪潮与地域画派的勃兴 明代的文人书画呈现出多样化的趋势。一方面,以吴门画派为代表,继承了元代的写意精神,并进一步将其精细化、装饰化;另一方面,以董其昌为代表的松江派,构建了“南北宗”理论,对后世影响深远。本书选取了大量以山水为主题,且诗文与图画意境高度统一的作品。例如,对某一幅描绘江南园林的画作,我们将重点分析其题跋中对文人雅集场景的描述,以及画家如何通过诗词的韵律感来指导画面的布局节奏,达到“声色互通”的境界。明代文人的诗文,往往更具叙事性和对日常生活的诗意化处理。 清代:摹古的集大成与个人的情志抒发 清初的艺术创作是对前朝经典的全面梳理与继承,同时,随着商业文化的兴盛,对个性化题材的需求也日益增加。本部分着重展示了“四王”在继承传统中如何融入对诗意的理解,以及个性鲜明的画家(如“金陵八家”)如何借景抒情。清代的题跋往往更为冗长,诗歌内容涵盖了对典故的引用、对友人的怀念、对山川景色的细致描摹等。我们特别关注那些融合了书法、绘画、题诗于一纸之上的“三绝”或“四绝”作品,分析其在视觉构成上如何实现诗歌意境的完美物化。 二、 艺术元素间的互动机制 全书的后半部分则专注于具体技法层面的交叉分析: 1. 诗句的结构对构图的影响: 分析诗歌中的起承转合如何对应到画面的开合、虚实处理。例如,一句“飞鸟不知归路”如何引导画家在画面中留出大面积的空白,以营造迷惘的意境。 2. 书法的墨韵与诗歌的情感基调: 考察题跋的书体选择(行书的流畅、楷书的工整、草书的奔放)如何与诗歌所表达的情感(喜悦、忧郁、超脱)形成共鸣。 3. 意象的互文性: 探讨如“梅”、“竹”、“月”、“松”等共同的文学和绘画意象,在特定诗句的引导下,如何被赋予新的象征意义和审美指向。 通过对这数百年间文人书画作品的系统梳理与精要解读,本书力图向读者展示一幅宏大而细腻的画卷——在中国传统文化中,诗歌并非仅仅是锦上添花的文字,而是构成绘画和书法灵魂的不可或缺的核心元素。它为图像设定了叙事框架,赋予了笔墨以哲理深度,最终成就了中国文人艺术独步世界的独特魅力。 本书特色: 跨媒介的深度分析: 不将诗文与图画割裂,而是将其视为一个不可分割的整体进行研究。 版本权威性: 所选作品均出自可靠的、具有极高学术和艺术价值的古代藏品。 视觉体验的丰富性: 采用高精度彩色印刷,力求还原原作的墨色层次与诗文的笔触细节。

用户评价

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这本书的编排逻辑给我一种非常清晰的“时间轴+主题串联”的混合式导览感。它并没有简单粗暴地按照器物口径大小或者釉色分类,而是非常有条理地构建了几个清晰的时代脉络和主题分支,比如“盛世的文人情结”、“宫廷礼制的约束与表达”乃至“中西文化在釉彩上的交汇”。当我翻阅到某一章节时,发现它会巧妙地将不同时期、不同类型的器物联系起来进行对比论证,这使得读者在欣赏单件作品的精美之余,更能宏观地把握清代宫廷用瓷的整体发展趋势和审美风尚的流变。这种组织结构有效地避免了知识点的碎片化,使阅读成为一个连贯的、有逻辑的探索过程,帮助读者建立起一个关于清代御窑体系的立体知识框架。

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我花了整整一个下午沉浸在这本书的文字介绍部分,它并非那种干巴巴的、堆砌着历史年代和款识的说明文字,而是采用了非常具有文学性和叙事感的笔调来解读每一件器物的“前世今生”。作者们似乎深入理解了每一件瓷器背后的制瓷匠人和帝王心境,将那些冰冷的器物赋予了鲜活的故事性。比如,对于某件乾隆时期粉彩瓶的描述,没有停留在装饰纹样的描摹上,而是巧妙地引用了当时内务府的档案记录,推测了它可能是在哪位皇子大婚时作为贺礼而烧制的,这种考据的深度和还原历史场景的想象力,简直让人拍案叫绝。阅读体验是极其沉浸的,仿佛自己也置身于景德镇的御窑车间,听着拉坯的声音,感受着画师笔尖的颤动。这种将学术严谨性与生动笔触完美结合的写作方式,极大地降低了普通读者接触高深陶瓷史的门槛,使得即便是对清代工艺史不甚了解的人,也能轻松地被其魅力所吸引。

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这本书最让我感到震撼的是其对“物料学”和“烧制工艺”的深入剖析,这部分内容的处理方式极其专业,但又不失清晰度。它详细阐述了不同时期釉料配方的微小调整如何影响最终的呈色效果,比如对某种特定钴料的提纯技术对青花色泽的影响,或者不同石灰釉配比下白瓷的润泽度的差异。书中穿插的那些科学分析图表——X射线荧光光谱分析的结果、显微镜下的釉层截面图——虽然看起来复杂,但配合旁边的白话解释,让一个非专业人士也能大致理解背后的化学原理。这体现了编纂者超越传统文物著录的视野,将艺术史与材料科学紧密结合,极大地提升了本书的学术价值。它不再仅仅是展示“美”,更是在探究“如何之美”,这种严谨的科学态度,是对传统工艺的最高致敬。

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这部画册的装帧设计简直是艺术品本身,从封面那种低调的奢华感,就能感受到它所承载的文化重量。内页纸张的选择非常考究,那种略带哑光的质感,让印刷出来的文物照片呈现出一种温润而深邃的色彩,即便是电子屏幕上观看,也能体会到那种穿越时空的细腻肌理。特别是对那些釉色变化微妙的器物,影印的精度高得惊人,连康熙朝青花那种特有的“靛青晕散”的痕迹都捕捉得一丝不苟。装帧的工艺,比如线装书的结构或者精装本的锁线处理,都透露出一种对文物尊重的态度,让人在翻阅时都小心翼翼,生怕弄坏了这件“纸上文物”。看得出来,编纂团队在视觉呈现上投入了巨大的心血,它不仅仅是一本图录,更像是一个精心策展的微型展览,让读者在阅读文字之外,也能享受到纯粹的视觉盛宴。这种对细节的极致追求,远超一般博物馆出版物的水平,让人爱不释手,甚至愿意花时间去研究那些仅仅是用来展示器物背景的空白处的排版布局。

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我特别留意了书中对于“题诗”这一元素的解读角度,这部分内容的处理可以说是独树一帜。它没有将诗句仅仅看作是附庸于器物装饰的文字符号,而是深入挖掘了题诗背后的文化功能和审美指向。有的诗句是帝王自我抒怀的载体,有的则是对吉庆寓意的强化,更有甚者,是将特定朝代的政治气候和文风烙印在了诗句的选择和书法风格之上。书中的分析甚至对比了同一位皇帝在不同人生阶段所题诗歌的意境差异,这种细致入微的解读,真正触及了“御制”的精髓——即这些陶瓷器是皇权与文心结合的物化形态。它引导我重新审视那些过去可能匆匆略过的文字,发现每一行诗文背后都隐藏着一个更宏大、更深层的文化密码,让原本就精美的器物,在精神层面上得到了升华。

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