中国植物染技法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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黄荣华 著

图书标签:

• 植物染
• 天然染料
• 传统工艺
• 染织
• 中国传统文化
• 手工
• 艺术
• 染法
• 植物
• 技法

出版社： 中国纺织出版社

ISBN：9787518048007

版次：1

商品编码：12346707

包装：精装

开本：16开

出版时间：2018-04-01

用纸：铜版纸

页数：192

内容简介

《中国植物染技法》介绍中国传统植物染的历史演变和发展，主要包括传统天然染料的来源及萃取、天然手工染色技法、中国传统染色技法、天然染色的混合技法，植物染作品设计与赏析、应用领域和发展前景，以及植物染料优劣的辨析。《中国植物染技法》适合纺织品染色、艺术设计、化妆品生产和文物修复等人士阅读。

作者简介

高级工程师。现为北京国染馆创办人。省级非物质文化遗产“传统植物染料染色”项目传承人，北京服装学院色彩中心顾问，客座教授，研究生导师。从事纺织服装行业30余年。传统染色技艺师承祖业。1993年开始进行植物染料、植物染色技艺系统研发工作，是我国当代植物染料、植物染色领域的系统研发者和积极倡导者。在极度缺乏传统资料的条件下，不断探索该项技术，通过无数次失败，现已经完成植物染料基本色的制作工艺以及相关植物染色工艺，中国植物染色标准色卡（含全棉针织布色卡、全棉梭织布色卡、真丝素缎色卡）；并研发出天然手绘染料和天然染色检测剂。填补了国内多项空白。

内页插图

《徽州传统建筑装饰艺术研究》 内容简介 本书是对徽州地区传统建筑装饰艺术进行系统、深入、多维度考察与研究的学术专著。徽州，作为中国文化版图上一个独特的地理与人文交汇点，其建筑艺术以其精湛的工艺、深厚的文化内涵和鲜明的地域特色而著称于世。本书旨在剥离那些常见于通俗读物中的表层描述，转而深入探究这些装饰艺术背后的社会结构、哲学思想、材料科学、工艺传承及其审美变迁。 本书的结构设计遵循从宏观到微观，从历史脉络到具体实例的逻辑推进。全书共分五大部分，辅以详尽的图版和案例分析。 第一部分：徽州传统建筑装饰的文化语境与历史溯源 本部分首先确立了研究的理论框架，将徽州建筑装饰置于明清时期宗族社会、商业经济和儒释道三教合流的文化背景下进行考察。我们认为，徽州建筑并非孤立的艺术品，而是徽商“贾而好儒”精神的物化体现。 历史溯源部分追溯了徽州装饰艺术的演变轨迹。从唐宋时期朴拙的形制，到明代徽州文人画思潮对雕刻、楹联的影响，直至清代中后期装饰趋于繁复与精雕细琢的阶段。重点分析了不同历史时期，政治气候和经济状况如何直接塑造了装饰主题的选择和技法上的取舍。例如，明代强调的“节制之美”与清代对“吉祥寓意”的极致追求之间的张力与融合。 第二部分：装饰母题的符号学解读与寓意分析 徽州建筑装饰的丰富性主要体现在其母题的选择上，本书对此进行了细致的符号学解读。装饰元素并非简单的图案堆砌，而是承载着特定的社会功能和文化信息。 楹联与匾额： 深入分析了楹联内容的社会阶层区分、对仗格律的精妙，以及其中蕴含的“耕读传家”、“光宗耀祖”等核心价值观。匾额的研究则聚焦于题写者、书体风格与建筑功能（如私宅、祠堂、牌坊）之间的对应关系。 木雕的叙事性： 详尽梳理了木雕题材的“文、戏、动、静”四大类。重点解读了“二十四孝图”、“三国演义”、“水浒传”等故事题材的选段逻辑，以及这些选择如何服务于宗族教育和道德教化。对“梅兰竹菊”、“松竹岁寒”等文人题材在不同位置（如门楼、花罩、窗棂）的配置原则进行了归纳。 砖雕的技法与意境： 砖雕作为徽州建筑的“皮肤”，其“一山、二水、三朝、四象”的布局规律被深入剖析。我们区分了凸雕、浮雕与镂空雕在表现力上的差异，特别是高浮雕中对空间层次感的营造，如何模拟出山水画的深度与气韵。对“福禄寿喜”、“博古图”等吉祥纹样的具体形态及其在不同地域（如歙县、黟县、绩溪）的地域性变体进行了详尽的描摹与比较。 石雕的实用性与装饰性： 聚焦于栏杆、碑刻、抱鼓石的石雕艺术。石材的选取（如青石、花岗岩）如何影响雕刻的细节表现力，以及石雕中常见的龙凤、狮子、麒麟等瑞兽形象在宗族权力象征体系中的定位。 第三部分：材料科学、工艺流程与匠人体系 本部分将视角转向了物质层面和技术层面，探讨了装饰艺术得以实现的技术基础。 材料的本土化与耐久性： 考察了徽州地区特有的木材（如樟木、杉木）在防腐、易雕性方面的优势，以及当地烧制的砖瓦、石材在色彩、质感上对整体视觉效果的贡献。对天然矿物颜料（如石青、朱砂）的配方与应用进行了现代科学分析，揭示其经久不褪色的奥秘。 “徽帮”匠人的组织与传承： 研究了明清时期以“徽州三雕”（木雕、砖雕、石雕）为核心的专业匠人集团的运作模式。分析了师徒相授的“口传心授”体系如何保证技艺的纯粹性，以及徽州匠人如何跨地域承接工程，形成了影响江南乃至长江中下游地区的“徽派风格”。重点描述了雕刻、髹漆、彩绘等复杂工序中的分工协作机制。 第四部分：装饰与空间的功能性关联 装饰并非单纯的美化，而是与建筑空间功能紧密耦合的有机组成部分。 祠堂的等级制度体现： 祠堂作为宗族的核心，其装饰的繁复程度、主题的庄重性与等级制度的匹配性是本书的重点。分析了正厅、享堂、戏台等不同区域装饰主题的严格区分，例如，对戏台正脊上“八仙过海”等题材的偏爱，反映了宗族社交与礼仪的需要。 私宅的内向性与私密表达： 徽州民居的“马头墙”和天井设计，决定了其装饰多集中于内向空间（如花罩、屏风、窗棂）。研究了这些内部装饰如何通过光影的微妙变化，营造出文人雅士所追求的含蓄、内敛的审美意境。 牌坊的纪念性与公共宣言： 牌坊是徽州建筑中权力与伦理表达的最高形式。本书对牌坊的形制（如贞节牌坊、功德牌坊）与其所纪念人物的社会地位、生平事迹之间的复杂关联进行了详细的考证与解读。 第五部分：当代保护、流失与研究的挑战 在现代化的进程中，徽州传统装饰艺术面临的挑战是本部分关注的焦点。 本书对当前抢救性保护中的一些技术难题进行了探讨，如传统木材保护、彩绘脱落的修复难题等。同时，也梳理了自二十世纪以来，西方汉学家和国内学者对徽州建筑的研究脉络，分析了现有研究在田野调查、材料分析、文化阐释上的空白点，为未来的深入研究指明方向。本书大量采用第一手田野调查数据和尚未公开的档案资料，力求提供一个扎实、严谨且富有洞察力的研究文本。 本书适合从事建筑史、艺术史、民俗学、文化遗产保护及地域文化研究的专业人士、研究生以及对中国传统精细手工艺抱有浓厚兴趣的读者。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《中国植物染技法》的时候，我本来是抱着一种略带功利的心态，想快速从中找到一些实用的染色配方和操作流程，好在我的手工坊里能迅速应用起来。结果，书的开篇并没有直接给我猛灌那些复杂的化学名词或者枯燥的步骤图，而是用一种非常舒缓的笔触，描绘了中国古代染色师们在山林间采撷植物、日晒雨淋的场景。那种对自然材料的敬畏感，以及对传统工艺近乎膜拜的态度，一下子就把我的心绪沉静了下来。我发现这本书的价值远不止于“技法”二字。它更像是一部活态的植物图鉴，里面详细记录了不同季节、不同地域的草木色彩特征，那种对细微差别的捕捉，比如“春日初生的蓼蓝叶尖带有一丝嫩绿”这种细腻的描述，让我这个在现代化学染料堆里打滚的人，重新认识了“自然色”的层次感。书中配的那些老照片，泛黄的纸张和略显模糊的色彩，反而比高清数码图更能传达出时间的厚重感。我特别喜欢其中关于“固色”的章节，它没有简单地说“用明矾”，而是详细考证了古代不同地域用淘米水、草木灰、甚至特定矿石来处理纤维的差异，这种基于地域和习俗的变通，让我明白染色从来都不是一个标准化的工业流程，而是与环境深度融合的艺术。读完前几章，我几乎想放下手头所有工作，去乡下找一块荒地，重新体验一次从采摘到煮制的全部过程。这本书，是为“心”而不是为“手”而写的引路书。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国植物染技法》给我的感觉，简直就像是打开了一个尘封已久的、充满植物香气的时光宝盒。我之前接触的染料书，大多是那种快速上手的图解手册，效率是第一位的，色彩的“故事性”往往被牺牲了。但这本完全不同，它更偏向于一种学术性的考据和美学的阐释。比如，书中对“间色”的探讨就极其深入，它不是简单地告诉你蓝加黄等于绿，而是追溯了不同比例、不同酸碱度下，植物提取物之间相互作用产生的复杂光谱变化。我记得有一部分专门讲了唐宋时期文人对“素色”的偏爱，那种“不着一色，即是万色”的哲学思想，是如何影响了当时的染色实践，甚至在书中找到了对应的染色方剂，简直是跨学科的盛宴。更让我惊喜的是，它对那些已经被现代社会遗忘的“偏门”植物的挖掘。我以前只知道苏木、茜草，但书中详细介绍了比如栀子的不同品种对黄色的影响，以及如何通过控制发酵时间来获得从鹅黄到橙红的微妙过渡。这让我意识到，我过去对植物染色的认知，还停留在“能出颜色”的初级阶段。这本书要求读者有极大的耐心和探究欲，它不会把结论直接喂到你嘴里，而是提供线索，引导你去思考为什么古人会选择这种特定的处理方式，背后的气候、水文条件甚至社会等级制度是如何影响最终色彩的呈现。每一次翻阅，都像是在进行一次考古式的文化寻源。

评分☆☆☆☆☆

我花了很长时间才消化完这本书中关于“水”的章节，这部分内容实在太出乎我的意料了。在我的传统认知里，水只是一个溶解和反应的介质，无非是“硬水”和“软水”的区别。然而，《中国植物染技法》用了极大的篇幅，去考证了古代不同地域的染坊选址逻辑，核心就在于水源的矿物质含量、PH值以及流速。书中引用了大量古代医书和地方志中的记载，来佐证软水利于提取某些特定色素的原理，比如某些需要弱酸性环境才能充分显色的植物。这种将地理学、水文学和化学知识融为一炉的叙述方式，让我对“环境决定工艺”有了全新的认识。它甚至讨论了不同季节雨水的差异对最终染色效果的微小影响，这已经上升到了天人合一的境界。对我来说，最大的启发在于，它迫使我审视自己工作室的自来水系统，并开始着手安装一套简单的过滤和PH值调节设备。这本书的强大之处在于，它能将看似不相关的学科知识点，通过植物染色的实践这条主线巧妙地串联起来，构建起一个完整的生态认知系统。读完后，我再看任何一棵路边的野草，都会下意识地去思考它可能蕴含的色彩潜力以及它最适宜生长的水文条件。这真是一本能改变你观察世界方式的书。

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始我担心这本书会过于侧重历史考据而忽略了操作的可行性，毕竟现在很多传统工艺的书籍都是“高大全”却“难操作”。但《中国植物染技法》巧妙地找到了一个平衡点。它的结构设计非常清晰，前半部分是对植物源头和文化背景的铺垫，后半部分则是对具体技法的详细拆解，但即便是技法部分，也充满了对现代操作环境的考量。比如，它没有要求你必须使用传统的陶罐，而是讨论了不同材质的锅具对提取温度和均匀度的影响，并给出了使用不锈钢锅的替代建议，同时提醒了潜在的化学反应风险。我尤其欣赏它在“实验记录”上的处理方式。书中展示了一些古代染色笔记的拓印件，那些潦草的记录、自创的符号，比任何标准化的表格都更能体现操作的真实性。它教给我的不是一个“菜谱”，而是一种“记录习惯”——你要学会观察、记录并总结自己每一次实验的微小差异。这对于我这种喜欢做实验性创作的手工艺人来说，简直是如获至宝。它让我明白，成功的染色，一半靠知识，一半靠的是对“失败”的精准复盘和记录。这本书的文字风格也很有特点，它不像教科书那样死板，更像是一位经验丰富的老匠人，坐在你旁边，一边喝着茶，一边用最朴实的语言跟你聊着“火候”和“耐心”的重要性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和设计本身，就体现了它对“美学”的极致追求，这让我作为一名视觉工作者，感到非常愉悦。纸张的选择很有质感，那种略微粗糙的触感，仿佛能让人联想到植物纤维的原始形态。更绝的是，书中对色彩的呈现方式。它不是简单地印刷出最终的染样照片，而是穿插了大量的手绘插图和色卡对比图。这些色卡似乎是用真实的植物染料印制上去的样本，颜色不是那种数码屏幕上常见的“死色”，而是带有微妙的颗粒感和光泽变化。我发现书中很多植物，比如特定的靛蓝菌种发酵出来的颜色，在不同光线下呈现出截然不同的视觉效果，这一点，再好的相机也难以完全捕捉。这本书的作者显然对色彩的“物质性”有着深刻的理解。它不仅仅是告诉你“这是红色”，而是告诉你“这是阳光下，羊毛被茜草浸染后的那种带着暖意的红色”。阅读过程中，我仿佛在进行一场关于色彩的“触觉体验”。它成功地引导读者跳脱出屏幕的限制，重新回归到材料本身的物理属性上去。这种对媒介和载体的尊重，使得这本书本身也成为了一件值得收藏的艺术品，而不是简单的信息载体。