古琴演奏法 古琴教学 龚一先生古琴演奏法详解 指法技法五线记谱法音乐理论实践书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 重庆出版社

ISBN：9787229125721

商品编码：27263691573

出版时间：2018-01-01

作  者:编者:龚一|总主编:严晓星 著作 定  价:196 出 版 社:重庆出版社 出版日期:2018年01月01日 页  数:356 装  帧:精装 ISBN:9787229125721 该书为龚一先生古琴演奏法详解，为龚一先生经多年的学习研究与实践，集众家之长，并融会多种流派，自成一体、独树一帜，收集、整理了大量传统琴曲，并对琴曲进行了大胆而稳重的革新，推出了五线记谱法，在书中均有一一体现。对推进古琴的学术研究，传播古琴文化，提高琴人的素质，引导古琴的发展，起到极为积极的作用。该书的出版具有较高的研究价值和史料价值。 ●上篇 演奏法
●一、古琴音乐的概况
●二、古琴的结构与特点
●1．古琴的结构
●2．古琴的特点
●三、古琴弦的装置及古琴的放置
●1．古琴弦的装置
●2．古琴的放置
●四、古琴的音域、泛音、琴弦的定音及校弦法
●1．古琴的音域、 泛音
●2．古琴弦的定音
●3．古琴校弦法
●五、古琴的常用定弦弦式与特殊定弦弦式
●1．六种常用的定弦弦式
●2．四种特殊的定弦弦式
●六、古琴传统记谱法及其指法技法符号
●1．文字谱与减字谱
●2．右手指法
●3．右手复合指法
●4．左手指法、技法
●部分目录

内容简介

《古琴演奏法》为琴学丛刊中一册，是龚一先生三十余年来从事古琴演奏和教学工作的一些经验体会。书中他正式推出了五线记谱法，还为古琴学生和教师提供了一批的创作琴曲和传统琴曲，充实了古琴教材，是琴友们值得收藏的精品。
本书的结构编排分文字部分与乐曲部分，文字部分对各种技法指法的操作要领作了较为详尽的注释。乐曲部分都由五线谱记成，分练习曲、小曲、古代乐曲、新琴曲与移植乐曲四部分，传统琴曲中又集刊了前辈代表性琴家的代表曲目。每部分又都由古琴新记谱法――“古琴五线记谱法”（五线谱实际音高的记录与简单符号）和五线谱加减字谱的双行谱记成。两种记谱法在乐曲的难易程度编排上都由浅及深、由易及难。“古琴五线记谱法”有着详细的文字解说，经仔细研读可通晓其记谱法则。
龚一先生撰写的这本《古琴演奏法》，在教材、教法和记谱法上做了许多前人所没有做过的事，它的出版将对古琴音乐的发展起到有力的推动作用。
编者:龚一|总主编:严晓星 著作 龚一，江苏启东人，1957年至1966年就读于上海音乐学院附中及本科古琴专业。师承张正吟、夏一峰、张子谦、顾梅羹、刘景韶等多位琴家。六十余载的古琴音乐学习和思考，于演奏、教学、研究诸方面积累了丰富的经验。尤其对当今古琴教学法、很好传统艺术与社会发展的结合有新的思考，其教授过的学生现已为多所音乐学院教授。曾在海内外多地举行过个人独奏音乐会及专题讲演。出版专著有《古琴演奏法》、《古琴新谱》及十余张CD专辑，发表专业文论五十余篇。作品曾获1984―1985年“上海文学艺术奖”、“中国金唱片奖”（第五届）、2012年度唱片奖、2013年古琴演奏奖。曾任上海民族乐团团长，现为中国民族管弦乐学会古琴专业委等 在中国民族器乐的宝库中，雅受人崇仰的要算古琴音乐了。因为它历史悠久、遗产丰富、演技高超，是高品位的艺术，是中国古典音乐的精品。人们说：“不了解古琴音乐的人，不能算是懂得中国音乐。”这话并不过分。自古以来，学习古琴就不是一件容易的事。凭老师口传面授，花很长时间才能学得一两首乐曲，天分平庸的学子可能半途而废，感到高不可攀。前几年有些报考上海音乐学院古琴专业的考生，在考场上背奏几首古琴名曲，可以“滔滔不绝”，但对一些较简单的民歌小曲，弹了第二个音不知第三个音在哪儿，手足无措，怎么也弹不下去。这样的古琴教学是跟不上时代步伐的。古琴教学，急需一套行之有效的新的教材、新的教学法和新的记谱法，从而培养高水平的古琴新人。龚一先生率先拿出了这套成果。龚一自幼学琴，前后师从张子谦、顾梅羹、吴振平、刘景韶、夏一峰、张正吟等12位琴家。1957 年他考入上海音乐学院附中，勤学苦练，于1966 等

好的，为您撰写一份针对不同读者群体的图书简介，内容详实，聚焦于未包含您提及的《古琴演奏法 古琴教学 龚一先生古琴演奏法详解 指法技法五线记谱法音乐理论实践书籍》中内容的图书推荐。 --- 弦韵流芳：中国传统音乐美学与器乐文化探索 一、 寻根溯源：中国传统音乐的哲学意蕴与历史脉络 本系列图书旨在带领读者深入中国传统音乐的深层结构与哲学内涵，提供一个宏大且细致的历史视野，探讨音乐作为文化载体的演变过程。它侧重于宏观的理论建构与文化批判，而非单一器乐的演奏技法解析。 1. 《汉唐乐府：礼制、宫廷与士人精神的交响》 【内容侧重】 本书不直接涉及近现代古琴的指法或记谱法，而是将焦点投向先秦至唐代，音乐在国家礼仪、祭祀活动以及文人士大夫阶层日常生活中所扮演的核心角色。 礼乐制度的建构： 详细考证周代“礼”如何规范音乐的曲式、调式与使用场合，分析“雅”“颂”等音乐类型的社会功能。 丝竹与雅乐的张力： 探讨不同地域和阶层音乐（如“郑卫之音”与“王之雅乐”）的碰撞与融合，揭示音乐审美标准的历史演变。 乐器生态的古貌： 着重介绍编钟、磬、竽、瑟等早期重要乐器的形制、音色特点及其在宫廷雅乐中的配置。对于古琴的论述，主要集中于其在魏晋前后的文献记载与哲学思辨，如“琴德”“琴志”的早期萌芽，而非具体演奏技巧的示范。 丝绸之路的音乐东传与西渐： 考察安西都护府、敦煌石窟壁画中的乐器形象与音乐场景，分析域外音乐元素如何影响中原的乐律学发展。 2. 《明清词乐：昆曲、南戏与词牌的音乐化转型》 【内容侧重】 本卷聚焦于明清时期，声腔艺术（特别是戏曲音乐）的繁荣对传统器乐与士人音乐的冲击与互补。它关注的是声腔结构、板式变化与剧作中的音乐调度。 词牌的音乐定型： 分析大量词牌（如《醉花阴》《皂罗擦马》）如何被固定为具有特定旋律走向的“曲牌”，并探讨其与诗词格律的相互制约。 板眼体系的成熟： 深入剖析慢板、中板、快板等不同板式的内在节奏逻辑，以及在不同情绪表达中所起的作用。这部分侧重于戏曲中“口白”与“唱腔”的张力。 乐部配置与角色音乐： 探讨戏班（如文场、武场）的编制结构，以及不同角色（生、旦、净、丑）在音乐进行中的声部处理和情绪表达。 与琴学文献的交叉对比： 提及此时期部分文人对戏曲音乐“俚俗化”的批评，但重点在于分析这些批评背后的审美差异，而非教授如何演奏戏曲伴奏音乐或古琴曲目。 二、 理论基石：中国传统音乐的数理、律学与结构分析 本部分图书彻底剥离了演奏实践，专注于音乐的内在逻辑、音高的构建及其在数学、物理学上的基础。 3. 《中国律学通论：十二律、五度相生与音高的宇宙观》 【内容侧重】 这是一本纯粹的乐律学专著，是理解中国音乐体系的理论密钥。 音高体系的构建： 详述中国古代三分损益法（五度相生）的精确计算过程，以及如何由此推导出黄钟、大吕等十二律。 律吕与天干地支的对应关系： 探讨古代哲学家如何将音律系统与宇宙观、历法系统相融合，构建“以声知时”的理论框架。 调式与变声的科学性： 分析七声音阶（宫、商、角、徵、羽）的音高关系，以及“闰”音和“半音”概念在不同历史时期的处理方式，例如对七声体系和五声音阶的内在张力的数学分析。 记谱法的溯源： 仅从理论上探讨工尺谱的起源（如“合、四、上、尺”等符号的产生逻辑），但不会涉及其具体的演奏指位对应，更不会引入西方五线谱的任何概念。 4. 《中国音乐的结构美学：旋法、织体与意境的再现》 【内容侧重】 本书采用现代音乐分析手法，解构中国传统音乐（包括器乐与声乐）的音乐织体与形式逻辑。 旋法分析（Melodic Analysis）： 深入探讨中国旋律中常见的级进、跳进规律，分析其在构建高潮与解决冲突中的作用。关注“散板”与“定板”在乐曲结构中的功能性差异。 复调与织体研究： 探讨中国音乐中独特的“轮指式复调”（如多声部合奏中的旋律线交织）与西方对位法的区别，分析其“和声感”的来源。 意象与音乐的对应关系： 如何通过音高组合、速度变化和器乐音色来描摹自然景象（如“流水”“山高”），这是一种美学与形式的对应研究，而非演奏技巧指导。 三、 器乐的广阔天地：跨乐种的比较研究与现代应用 本部分避开古琴的特定教学法，转而研究中国其他主要传统器乐的演奏哲学与现代传承路径。 5. 《琵琶的“轮挑扫摘”：空间、力度与速度的控制艺术》 【内容侧重】 这是一本关于琵琶的专著，聚焦于其在演奏中对右手技法（特别是弹挑）的精细化控制。 “轮”的物理学与感知： 详细分析“轮指”在快速连续演奏中如何保持音色均匀性，涉及指甲与弦的接触角度、力度分配，以及听觉上的“扫”与“点”的区分。 “扫”与“摘”的力度控制： 探讨不同弹奏法如何影响音量变化，以及如何通过节奏的微小处理（如十六分音符中的错位）来表现戏曲的“韵味”。 曲目结构分析： 侧重于武曲（如《十面埋伏》）中节奏的复杂性分析，以及文曲中长线条的旋律处理，而不涉及古琴的指法概念。 6. 《民族管乐的呼吸与共鸣：笛、箫、笙的声学应用》 【内容侧重】 本书探讨的是吹奏乐器在气息控制、音色变化和合奏中的理论与实践。 气息的“园地论”： 深入研究笛子和箫的“气沉丹田”在不同调性中的具体应用，分析气息的压力、温度和湿度如何影响音高稳定性。 笙的簧片与调律： 详细解析簧片乐器（笙）的构造、音阶排列以及复杂的转调方法，这属于乐器构造学范畴。 合奏中的声部平衡： 探讨在民族管乐团中，如何通过调整吹奏力度（“气势”），使得竹笛的高音区、中音区的音量与笙、唢呐等乐器形成和谐的声部关系。 --- 总结： 本系列图书旨在提供一个广阔、深入且多维度的中国传统音乐图景。它们关注的是历史的纵深、哲学的思辨、律学的数理、戏曲的结构，以及其他主要器乐的独特技法。读者将获得对中国音乐文化体系的整体把握，理解其内在的逻辑与外在的文化表现，是音乐史研究者、理论爱好者以及对跨乐种文化感兴趣的实践者的理想读物。它们是理论的补充和视野的拓展，与某一特定演奏家（如龚一先生）的个人技法详解和入门性的五线谱辅助教学构成了鲜明的互补关系。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是一绝，封面那种沉稳的墨绿色，配上烫金的隶书字体，一眼就能看出是本有分量的书。内页纸张的质感也非常好，厚实且不易反光，长时间阅读下来眼睛也不会感到疲劳。尤其值得称赞的是，排版布局极为考究，文字与乐谱的穿插过渡自然流畅，即便对于初学者来说，查找特定指法或曲目解析时也毫不费力。书中对于古琴历史渊源的追溯，虽然篇幅不算太多，但切入点非常精准，没有陷入冗长空泛的叙述，而是直奔主题，为我们理解后续的演奏技法奠定了坚实的文化背景。比如，它对不同流派在同一曲目上的处理差异的对比分析，就显得尤为深刻，让人在学习具体指法前，就能对古琴艺术的多元性有一个初步的认识。整体而言，这本书在视觉和触觉上的体验，就已经超越了一般的教材范畴，更像是一件可以长期珍藏的艺术品，让人在翻阅时便心生敬畏与亲近之感。

评分☆☆☆☆☆

阅读龚一先生的讲解部分，最大的感受就是“条分缕析，深入骨髓”。这不是那种浮于表面的指法罗列，而是深入到每一个动作背后的“为什么”。比如，在讲解“上”、“下”、“摇指”这些基础指法时，作者会细致到你手指抬起和落下的角度、力度控制的微妙变化，甚至连坐姿对气息的影响都被提及。读完后你会有一种豁然开朗的感觉，原来过去自己弹奏时遇到的“毛刺感”或“声音不干净”，并非是天赋问题，而是对这些基础细节的把握不够到位。书中对“泛音”的讲解尤其精彩，不再是简单地教你如何找到那几个点，而是探讨了不同触弦速度和位置微调对泛音音色圆润度的影响，那种对声音品质近乎苛刻的追求，才是真正大师风范的体现。这本书的价值，在于它教会我们如何去“听”自己的琴声，而不是仅仅“弹”出音符。

评分☆☆☆☆☆

这本书在“实践”层面给我的帮助是立竿见影的，我主要针对书中关于特定曲目如《广陵散》和《流水》的演奏难点进行了重点攻克。书中对这些大曲的拆解不是简单地按段落划分，而是根据演奏者的气力分配和情绪转折点来进行结构重组。特别是针对《流水》中那些快速轮指和撮指连贯性的训练，作者提供了一套非常科学的练习序列，它要求你先从慢速、高强度控制开始，逐步提升速度，而不是一上来就追求速度，这有效避免了肌肉定型和错误的习惯养成。我已经按照书中的建议调整了近一个月的练习计划，效果显著，过去在那些高难度段落容易出现的断裂感和不均匀现象有了明显的改善。这本书提供的不是一套死的答案，而是一套可以自我调整和完善的、高度个性化的训练系统，对于有志于精进技艺的严肃学习者来说，无疑是一笔宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

我花了很长时间才找到一本能把“五线谱”与古琴指法进行有效结合的教材，市面上很多要么是纯粹的工尺谱解读，要么就是生硬地套用西方记谱法，看得人一头雾水。这本书在这方面做得相当出色，它并没有强求读者立刻掌握复杂的转换，而是设计了一套非常渐进的过渡方案。初级章节会用清晰的图示对比展示，比如某个徽位的按音在五线谱上的具体位置，以及对应的左右手动作符号，这种多维度的信息输入，极大地降低了理解难度。特别是对于那些受过西方乐理训练的琴友来说，这本书简直是打通了新的学习通道，能够让他们更快速、更直观地理解乐曲的结构和和声关系，这对即兴演奏和后期改编都有莫大的帮助。这种跨越传统与现代的教学思路，体现了编者深厚的跨界功底和对传播古琴艺术的拳拳之心。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对传统音乐理论有一定基础的业余爱好者，在翻阅这本书的“音乐理论实践”章节时，深感其学术严谨性。它并非简单地罗列古代琴谱中的术语，而是将其置于更广阔的中国古代声学和哲学体系中进行阐释。书中对“散音”、“泛音”、“按音”各自的声学特性分析，结合了古代的“五音”、“七律”观念，形成了一个完整的理论闭环。最让我印象深刻的是，它探讨了古琴音乐中的“留白”与“气韵”如何通过节奏的停顿和指法的轻重来实现，这种抽象概念的量化描述，是很多纯技巧书所不具备的。读完这部分，你对“抚琴”这件事的理解会从单纯的技巧层面提升到一种审美品味和哲学思考的层面，让你在演奏任何一首曲子时，都能带着更深层次的理解去驾驭它，而不是机械地重复指法。